Bitácora teatral

Casa vacía

2011-12-15T00:00:00.001-03:00

Por Luisa Ballentine

Casa vacía es pura belleza. Es un montaje hermoso deprincipio a fin. No tiene desperdicio, es una sinfonía perfecta que,lamentablemente, las palabras no alcanzan a abarcar al momento de describirla.

Casa vacía no tiene texto y es un hecho que puede asustar amuchos. Ir a ver una obra donde los personajes no hablan, definitivamente esalgo, al menos, extraño. Incluso es extraño llamarla obra, montaje,espectáculo… Acaso sea un suceso silencioso en la ciudad.

Y sin duda un suceso que es hermoso no sólo por lapropuesta, sino también por el trabajo de comunicación que logra. En unasociedad hiperconectada y estúpida como la nuestra, ser capaz de transmitir unaidea a través de códigos que no son verbales (corporales, musicales,espaciales, emocionales) es una proeza. Y que alguien lo mire y piense “sí”,aunque no sea capaz de definir qué significa ese “sí”, es un milagro en sí mismo.

Un milagro del arte, de la compañía, del equipo de trabajoque conforma Teatro Híbrido.

Siendo más concreta, puedo decir que Casa vacía me diovuelta la cabeza de un cachetazo, porque no es necesaria la comprensióncognitiva. El cerebro se va de paseo un rato. Esto un golpe emotivo. Es un algoque pasa y ante lo que uno sonríe sin ser capaz de explicarlo. Y no es comúnque suceda algo así.

La dirección de Camila Aguirre es limpia, impecable,amorosa. Nada está dejado al azar. La coordinación del elenco es milimétrica yfluida. Es un río. Hay demasiado amor en Casa vacía. Parece que el museo fueraa explotar.

Hay demasiado amor en todo lo que está en juego: en escena,en bambalinas, en la apuesta de la compañía, en el equipo, en la hibridez.

Los amo.

+info de la compañía y datos de cartelera, click acá

Análisis personal sobre la difusión y la comunicación estratégica en el mundo del teatro

2011-12-05T17:28:00.001-03:00

Por Luisa Ballentine

En mi rol de periodista y asesoracomunicacional durante varios años, tanto en organismos de Estado y empresasprivadas, como en Soloteatro.cl; me ha tocado conocer numerosas realidades encuanto a la gestión de comunicaciones y difusión que realizan distintas instituciones.

Específicamente lo que hoy deseocomentar tiene que ver con lo que sucede en las salas consagradas y losespacios emergentes dedicados al teatro, sin hacer ninguna distinción especialentre ambas categorías, pues me parece que en materia de difusión los elementosson tan transversales y democráticos que eliminan cualquier brecha que pudieraexistir.

La situación de la difusión teatralen Santiago es una vergüenza. Así de sencillo. Lo digo con todas sus letras yno exagero.

Exceptuando a espacios como el TEUC,Matucana 100, GAM, Estación Mapocho, Teatro Nacional Chileno, Teatro del Puentey quizás alguno que me olvide, el resto de los espacios dedicados al teatrodeja mucho que desear en el flujo de comunicación que establecen con la prensa,las compañías y el público general.

No existe una política de comunicacióninterna que determine, por ejemplo, cuánto es el tiempo máximo de respuesta decorreos electrónicos. Cuánto es el tiempo máximo que debe esperar unperiodista, un actor o un espectador, para recibir una respuesta a surequerimiento. En muchos teatros ese tiempo de respuesta es infinito. En otraspalabras: no saben lo que es responder un correo electrónico.

Ésta es la realidad de lacomunicación estratégica de la mayoría de las salas de teatro en Santiago. Notienen políticas de comunicación interna ni externa y lo peor de todo es queparece no importarles.

Esta realidad se da incluso en salasde teatro que tienen personal profesional a cargo de las comunicaciones, lo quesin duda nos golpea aún más fuertemente. Quizás podríamos entender este nefastofenómeno en aquellos casos en que la comunicación está en manos de unadministrador que debe lidiar con los aspectos de gestión de la sala y ademáscon la difusión; pero en muchos casos son colegas periodistas quienes estánperjudicando a los recintos con su mediocridad al momento de enfrentar la laborde la comunicación estratégica.

Muchas salas de teatro no cuentancon fotografías en alta resolución de sus espacios para poder enviar a laprensa. Se deshacen en patéticas excusas que sólo agravan la falta. Unainstitución, sea éste una sala de teatro o cualquier otra, debe contar con undossier de prensa sobre sí misma, no sólo sobre sus espectáculos. Debe poseerfotografías en alta resolución del espacio, la fachada, su director oencargado, espectáculos que se hayan presentado allí, un video breve, archivosde audio, etc. No puede ser que al solicitar una imagen de la sala no existauna sola buena fotografía en su archivo disponible.

Estamos en el año 2011, el imperiode la tecnología, cualquiera puede acceder a una cámara de fotos y tomarimágenes. Es impresentable que aún haya recintos que no cuentan con estematerial mínimo y que no hagan nada por subsanarlo.

En Soloteatro.cl existe un envío deformato de fichas teatrales estandarizado para publicar en la cartelera. Lateoría nos dice que cada compañía de teatro o sala de teatro, la descarga, lacompleta y la envía idealmente dos semanas antes del estreno para que pueda serpublicada. La realidad, lamentablemente, nos muestra que los encargados dedifusión envían comunicados incompletos, sin incluir las fechas de comienzo ytérmino de la temporada, sin fotografías de buena calidad, y somos nosotrosquienes debemos completar la ficha, a pesar de solicitar cada vez que estosucede, que no olviden que el envío de la ficha es el medio para publicar enSoloteatro.cl.

Si Soloteatro.cl decidiera publicarúnicamente las obras que llegan a través del sistema de fichas, quizás habríasólo 10 obras al mes online. El resto es un trabajo manual que mes a mes sedesarrolla de manera bastante frustrante pues se insiste, sin resultadospositivos, en que se envíe el material de la manera en que se requiere.

Algunos encargados de difusiónpodrán alegar que cada espacio de publicación les demanda un trabajo extraporque tienen distintas políticas para subir la información. Y sí, es así, ylamentablemente el trabajo de un encargado de difusión es hacer todo eso, lasveces que sea necesario, en los formatos correspondientes.

La difusión teatral funciona demanera amateur no porque haya falta de profesionales. De hecho hay muchos gestoresque sin ser profesionales ligados a la comunicación, realizan un trabajoexcepcional y se dan la lata de copiar la información 100 veces en formatosdiferentes para enviar a cada espacio según lo que corresponde.

Lo que existe aquí es un relajo, unamediocridad avalada porque parece ser que cualquier otra actividad es másimportante que la difusión. Aquí existen periodistas y encargados de difusiónque envían comunicados de prensa a bases de datos gigantes sin establecercontacto directo con los medios, sin saber en qué medio trabajada cadaperiodista, quiénes son los que cubren espectáculos, cuáles son susrequerimientos para poder publicar.

Existe un desdén hacia los medios dedifusión alternativos, especialmente los online, se los mira en menos y no seha profundizado en su alcance. Vivimos en una época en que los encargados dedifusión de las salas aún se empeñan en recuperar las líneas perdidas de ElMercurio y La Tercera. Anhelan la redacción de esas crónicas y las páginassociales de los estrenos. Se olvidan de que el espectador 2011 tiene un perfilinformado y tecnologizado en el que todo lo que necesita lo encuentra en laweb, a una tecla de su teléfono inteligente que le hace el desayuno.

Esta realidad es aún más palpable enaquellos recintos que se niegan a abrirse a la tecnología. Que se aferran a suscalugas en la prensa escrita y cuyo público comenzará a morir prontamente juntocon ellos. Y no me refiero a un morir metafórico. Me refiero a que van a morirporque tienen 200 mil años. Y nunca quisieron abrirse a nuevas audiencias.

Van a morir salas emblemáticas deteatro porque no supieron reinventarse. Porque nunca les importó y les siguesin importar, estar donde se debe estar ahora. Hablar como se debe hablar ahoray dirigirse a quienes es necesario dirigirse.

El teatro vive momentos oscuros porla falta de público. Lo sabemos los periodistas que asistimos siempre coninvitaciones y que nos empeñamos en difundir tantos trabajos que valen tanto lapena. Muchas veces se ha cancelado la función porque éramos muy pocos y todosíbamos invitados.

Y a pesar de esta negra realidad,aún algunos encargados de difusión se dan el lujo de no recibir a la prensa debuena manera. De no responder. De ignorar. De maltratar incluso a quienes estamoshaciendo algo por cambiar esta realidad desde nuestras trincheras. De dejar enun segundo plano a quienes no vienen de los grandes medios tradicionales.

¿Estamos en condiciones de darnosese lujo? La verdad es que no.

Escribo esto porque me molesta loque muchos encargados de difusión le hacen al teatro que tienen a cargo. Creoque los gestores y dueños de esos recintos muchas veces ignoran cómo se manejael contacto con la prensa y con el espectador.

Tener un emprendimiento es uncompromiso de amor que toma las 24 horas del día, los 7 días de la semana. Yquienes tienen, específicamente, un emprendimiento cultural, están aún máscomprometidos pues sabemos que a la cultura le cuesta convertirse en unemprendimiento tradicional.

Hay tanto dinero invertido muchasveces, gestiones, organizaciones, para que una mala difusión arruine no sólo laposibilidad de crecer de una sala, sino también la relación que debe existircon la prensa.

Las universidades, por ejemplo, quetienen recursos suficientes para mantener buenas salas y programación en ellas,deben dar el ejemplo. Deben tener personal competente a cargo de susinstalaciones. Deben hacer más por sus alumnos, por sus académicos, por quienesaprovechan estos espacios; sin embargo muchas veces son las salasuniversitarias las que mayores falencias presentan al momento de comunicar sutrabajo y relacionarse con la prensa.

Escribo con pena porque veo que lamediocridad está instalada en un universo que requiere más esfuerzo que otros ydonde hacen falta profesionales no en términos de licenciaturas universitarias,sino en términos humanos y de compromiso. Personas que respondan mails a tiempo(¿les parece que es mucho pedir que respondan los mails? ¡Es lo mínimo y aúnasí no lo hacen!), que gestionen fotografías de los espacios, que llamen porteléfono para invitarnos a ver las obras y poder hablar de ellas, que seinformen, que sepan qué espacios están dedicados al teatro actualmente en laprensa, que escuchen los programas de radio dedicados al teatro, que lean lascolumnas, las críticas y los reportajes que se escriben. Que tengan un gestoamable al momento de solicitar un apoyo o ayuda.

El FONDART de este año apeló al“mercado de las artes”, a las industrias culturales, a la “empresarización”,por decirlo de alguna manera. Mientras tengamos encargados de difusión quemanejen a las salas como sus pequeños fundos personales donde no les interesanada más que estar donde ya las puertas se han cerrado, creo que no podremos crecercomo comunidad teatral. Son pequeños dueños de nada.

Y en momentos como éste, tandecisivos para la cultura y con un mundo que está cambiando y dando paso a larecesión y la desigualdad cada vez mayores, o nos ponemos las pilas o noshundimos cada vez más.

No hay excusas para la flojera y lamediocridad en el trabajo de difusión. Espero, sinceramente, que seamos capacesde cambiar esta horrible realidad.

Mujeres coloniales

2011-01-03T17:17:00.000-03:00

Por Luisa Ballentine

Mujeres coloniales es un relato sencillo e íntimo que se articula en torno a la historia de tres mujeres que habitaron en la época de la colonia de nuestro país. Son historias de libertad, amor y compromiso con los ideales, que sus protagonistas vivieron soportando los prejuicios y las dificultades de su momento.

Esta entrega de la obra destaca especialmente por su localización: el Museo de la Iglesia de San Francisco, que por su arquitectura permite desarrollar las distintas escenas en sitios que las enmarcan perfectamente y que obligan al espectador a trasladarse y apreciar por un ojo mágico lo que está sucediendo.

El hilo conductor de cada episodio es Hermes de Jesús, un trotamundos que se encuentra con el apóstol Santiago y lo hace partícipe de su don especial para contar historias, revelándole los detalles que hacen particulares la vida de estas mujeres, mientras caminan hacia Pelequén.

El entorno en que está situada, las actuaciones y la imaginería, hacen de Mujeres coloniales un trabajo de gran belleza visual, a lo que se suma su contenido poético. Todo ello junto al humor que aportan los personajes masculinos, especialmente por la entrega de Kike Castañeda en el rol de Hermes, lo convierten en un montaje que tiene todos los elementos necesarios para cautivar al público, pues es cercano, es amoroso con el espectador no iniciado y también seductor para el público tradicional del teatro.

Al contrario de lo que pudiera pensarse por su temática, Mujeres coloniales es una pieza actual, femenina y fresca, que trae a colación batallas que hoy en día se siguen librando en nuestras sociedades disque tan modernas y urbanas… que en realidad esconden el machismo y el oscurantismo que hace tantos siglos creímos dejar atrás.

Un imperdible de la cartelera, por estos días, que cautivará a todas las audiencias. Mucho ojo con los músicos que son un regalo al espectáculo y que, además, hacen un despliegue de mucho virtuosismo.

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La amante fascista

2010-11-22T15:03:00.001-03:00

Por Luisa Ballentine

Pocas actrices poseen un talento tan avasallador como el de Paulina Urrutia. De regreso en las tablas, la ex ministra de cultura, arrasa con todos los halagos como protagonista de la obra de Alejandro Moreno, “La amante fascista”.

Su rol de Iris Rojas es un papel complejo, duro, doloroso. Está en la piel de una mujer que vive la dictadura militar de una manera bastante poco corriente. La vive desde el lado del poder, de los que lo ostentan y dirigen los hilos de lo que sucede en su entorno… o al menos eso pensamos durante gran parte del montaje.

La dramaturgia es vertiginosa, como suele ser en los textos de Moreno. Los diálogos son intensos, rápidos, no permiten el respiro del descanso, se suceden uno tras otro como cuchillas de viento que intentan derribar algo en algún lugar. Y Paulina Urrutia logra, con creces, satisfacer las necesidades de ese texto. Su actuación tiene los matices correctos, su personaje es simpático, es gracioso, es triste, es patético, es un cristo inadecuado que no ha tomado conciencia de su crucifixión. Es todo lo que debe ser.

La puesta en escena es muy sencilla y se apoya en imágenes audiovisuales que permiten situar, contextualizar y metaforizar, en algunos casos, el discurso que se emite. Nada está demás, todo ha sido muy cuidado y ocupa el lugar necesario.

“La amante fascista” es una gran obra, de aquéllas que dejan mucho para reflexionar porque, a pesar de que las acciones ocurren durante la dictadura militar, muchas veces nos parece estar escuchando hablar a la típica vecina un poco facha del barrio, al caballero canoso dueño de la tierra y del peón, o a las señoras de peinado alto y tecito tibio que conversan en su casa una tarde cualquiera con la nostalgia del pasado dictador y que podemos espiar a través de videos en YouTube.

La obra tiene méritos suficientes para convertirse en un clásico moderno y hay que dar el crédito correspondiente a Urrutia, pues son su piel, su voz, su entrega, los que crean el mito y la leyenda de “La amante fascista”.

El final es rotundo como un silencio golpeado, y la escena de “la oficina” es notable, no sólo por su ejecución, sino por la evocación que hace del tan conocido pan y circo que rondó y ronda nuestra sociedad. Es un guiño especial que, si no fuera por lo macabro, podría ser incluso mágico.

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El canto del cisne

2010-11-21T15:30:00.000-03:00

Por Luisa Ballentine

“El canto del cisne” es una obra en pequeño formato, versión libre de la homónima pieza de Chéjov que se sitúa como un ojo mágico en un momento cúlmine de la vida de un actor que ha pasado de la gloria a la caída. Tras ser vitoreado por el público, lo han olvidado a su suerte en un rincón del teatro. Sólo está el apuntador.

El montaje es un momento breve y único que estamos espiando como espectadores. Lo que pasó antes y lo que pasará después queda a la imaginación de cada uno y a las posibilidades de creación que brinda el protagonista con sus recuerdos de los días de gloria.

Hugo Medina es una perfecta elección para interpretar a este actor que se debate entre la grandeza pasada y la inferioridad presente. A pesar de que han pasado los años y de que ha llegado a este momento no sólo deteriorado, sino también alcoholizado, aún es posible ver los vestigios del espectáculo encarnado en su cuerpo y viajar con él a ese pasado en sepia.

Es un trabajo muy intimista, con una puesta en escena que recrea las bambalinas del teatro. Muy interesante es la interacción actor-apuntador, que no se pierde aunque la función haya terminado hace horas.

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Decir sí

2010-11-08T18:03:00.001-03:00

Por Luisa Ballentine

“Decir sí” es un crudo relato de las relaciones de poder que impacta por la sumisión que expresa uno de los personajes. Partamos por el comienzo: un peluquero está en su puesto de trabajo a la espera de un cliente. Cuando éste llega, sorpresivamente, se encuentra con una extraña frialdad que lo impulsa a ponerse al servicio de su interlocutor.

Lo interesante de “Decir sí” es el rescate del poder escondido que actúa a nivel casi subconsciente, es decir, no es necesario que exista un tirano dando órdenes, a veces la simple interacción entre los individuos y el sistema, en la que sin duda ha influido el modelo educacional y social, hace que, espontáneamente, una persona decida rebajarse o degradarse porque es el camino que conoce y con el que se siente cómoda.

Hay un otro, impávido, que observa, goza y disfruta de ese poder que ejerce sin siquiera tomarse la molestia de imponerse. Es el autocontrol inculcado a las masas en todo su esplendor, que se manifiesta en formas siniestras de silencio y obediencia casi ridícula, casi estúpida.

Pablo Teillier y Ernesto Orellana son los protagonistas y encarnan estereotipos muy definidos. Sus actuaciones son tan precisas y exactas que dan miedo, especialmente la frialdad con la que el peluquero maquina en su cabeza algo que sólo podemos imaginar y ver hacia el final de la obra.

Esta pieza, de Griselda Gambaro, está situada originalmente en el contexto de la dictadura argentina. La compañía Teatro sur ubica esta versión en los tiempos contemporáneos, en una autodictadura que no necesita dictadores externos, porque cada uno lo es a su propia manera en su propio cuerpo.

Un trabajo muy interesante que podría prescindir de la explicación final o quizás darle un giro para incorporarla dentro de la historia y evitar la fragmentación tan brusca que se produce entre ambas partes. A pesar de ello, sus cuidados elementos y propuesta estética, aportan frescura a la cartelera teatral y nos muestra una vez más ese teatro emergente inteligente y transgresor que tanta falta nos hace.

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Orates

2010-11-08T01:01:00.000-03:00

Por Luisa Ballentine

31 cartas escritas a comienzos del siglo XX por pacientes de la antigua Casa de orates, actual Instituto Psiquiátrico, son el punto de partida de este montaje que le otorga un poco de dignidad a los autores de las misivas que nunca llegaron a sus destinatarios.

Orates es una obra que está en búsqueda, es un trabajo que se crea y recrea a sí mismo a través de la metáfora de una compañía de teatro que ensaya la puesta en escena de estas misivas.

La dirección de Jaime Lorca y Paly García es un lujo, lo mismo el elenco. En una cruzada orate, tal como su nombre, se embarcan en la aventura de poder mostrar y compartir con el público cómo sería el mundo de quienes vertieron su mente y pensamientos en un pedazo de papel.

El resultado es caótico, pero a la vez muy hermoso, especialmente el juego que tienen con unos clóset de los que todos salen y entran frenéticamente. Metáfora de la inquietud constante que exhiben quienes han sido catalogados como “locos” y cuyo mundo interior está tan vivo que encuentra formas poco ortodoxas para expresarse en un tiempo y espacio infinitamente limitados y obsoletos.

Hay momentos en que no estamos seguros de si presenciamos el ensayo o la obra misma, otro interesante truco que responde a la necesidad de ponerse en la piel de quienes un día soñaron un universo que era mucho más interesante que el real… si es que se puede utilizar esa palabra.

Orates es un trabajo que usa el humor para acercarse a una tragedia muy humana, muy íntima, muy pequeña, pero a la vez enorme: lo que significa tener algo para decir y que nadie lo reciba. Sin duda se hace justicia y, si bien, esas misivas nunca fueron entregadas a sus destinatarios, al menos llegan hoy hasta nosotros. Ojo con el final delirante, sorpresivo y, sin duda, muy certero y pertinente; le da un gran significado a la obra y completa un círculo perfecto.

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Almuerzo en casa de Ludwig W

2010-09-15T12:00:00.001-04:00

Por Luisa Ballentine

El debut teatral del recién inaugurado Centro Cultural Gabriela Mistral (GAM), está a cargo de la obra Almuerzo en casa de Ludwig W, un reestreno de la compañía TUM bajo la dirección de Alexandra Von Hummel.

Almuerzo en casa de Ludwig W es un fragmento en la vida de tres hermanos que se reencuentran tras la estadía de uno de ellos en un hospital psiquiátrico. Contra su voluntad, Ludwig ha sido llevado a la casa que comparten sus hermanas, quienes tienen aprehensiones de cómo será esta reunión y del comportamiento de su hermano fuera del ambiente que lo ha cobijado el último tiempo.

La escenografía es bastante imponente. Una estructura metálica cubierta de una suerte de nylon transparente configura la forma de una casa. En ella, el comedor es el lugar escogido para las acciones de los personajes. El juego de luces es muy interesante, también la música, que crea atmósferas tensas y llenas de nerviosismo.

En las actuaciones, destaca Carolina Arredondo. Su personaje es quien desea que el hermano regrese a casa y es el mejor logrado en la escenificación de las dudas internas, el colapso que es disimulado con una falsa tranquilidad y las contradicciones entre lo que dice y lo que hace. Es un personaje muy expresivo facial y físicamente y además se observa un trabajo vocal potente.

Aprovechando la ocasión es bueno referirse a la sala que el GAM ha destinado para el teatro. Tiene buenos recursos técnicos de iluminación, aunque el escenario es pequeño y las butacas son las tradicionales sillas comunes y corrientes que hay en tantas salas. Esto porque en realidad es un espacio de ensayo y no de funciones. Aún así pasa la prueba, aunque urge la construcción del teatro prometido que realmente eleve las artes escénicas a un nuevo nivel.

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Hijo de pobre

2010-09-06T22:46:00.001-04:00

Por Luisa Ballentine

Siempre me ha parecido especialmente hermoso y destacable el trabajo con marionetas. No sólo porque es increíble lo que pueden transmitir esos seres aparentemente hechos nada más que de palo, sino por el cariño con que son manipulados por quienes les dan vida.

No es la excepción de Hijo de pobre, un muy emotivo relato basado en el cuento Es que somos muy pobres de Juan Rulfo, en el que los actores Gabriela Banderas e Iván Álvarez de Araya tienen sus alteregos en miniatura y los tratan como si fueran sus niños y les enseñaran a dar sus primeros pasos.

El título por sí solo nos cuenta a qué nos vamos a enfrentar. La obra habla, justamente, de la pobreza, de ser hijo de pobre, pero más fuertemente de un sino al que no se puede escapar, de una condena, de una parada terminal que es tan cierta como ineludible.

Pero lo hace muy notablemente, con predominancia de lo bello por sobre lo terrible del relato. Las escenas que crean son memorables, son íntimas y muy bien escenificadas. Nos abren una ventana a su vida y apreciamos cómo se desenvuelven, qué sueñan y qué van perdiendo en el camino.

Hijo de pobre es un trabajo muy interesante desde muchos puntos de vista. Muy significativamente el visual, pero también se aprecia una labor actoral muy bien ejecutada, que alcanza su punto máximo en la interpretación del padre, y una dirección acertada en la coordinación de todos los elementos que le dan vida.

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Primer paraíso

2010-09-06T22:30:00.001-04:00

Por Luisa Ballentine

Primer paraíso es una especie de thiller teatral. Los personajes pertenecen a estereotipos reconocibles que podemos ubicar en películas de matones y en circos de fenómenos. Unos tras otros andan tras de sí para despedazarse mutuamente en cuanto se encuentren indefensos. Es vivir bajo la política de que quien pestañea pierde. Y acá se pierde en grande.

El argumento gira en torno a una incipiente pareja marcada por la manipulación, el deseo y la represión externa. Todos les dicen qué y cómo lo deben hacer, perdiéndolos en laberintos de razones a los que se suma un pasado confuso que los contrapone y los enfrenta como rivales sin querer queriendo.

El aspecto que más me llama la atención de Primer paraíso es su gran visualidad. La iluminación es muy precisa y brinda atmósferas más que interesantes que permiten a los personajes mostrarse misteriosos y reconocer qué los distingue. Asimismo, la escenografía que evoca un matadero logra intimidar y entrega escenas pesadillescas de lo que allí ocurre u ocurrió en algún pasado lejano.

Es un montaje, extraño, con personajes limítrofes y una propuesta interesante que habla acerca de cómo nos pesa aquello que le pasó a otros y cómo esto puede ser la perdición... o un paraíso personal.

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Dios es un lujo

2010-08-26T16:31:00.001-04:00

Por Luisa Ballentine

Dios es un lujo… es un lujo de obra. Qué gran trabajo dramatúrgico de Rodrigo Soto y Gopal Ibarra y qué buena selección de elenco, comenzando por una descomunal Aliocha de la Sotta en su rol de prostituta, a quien se suman todas y cada una de las actrices más el actor (notable trabajo de Juan Pablo Miranda). Todos se lucen y nos brindan una historia creíble, con corazón y con personajes que se quedan en la retina.

Imagínense la siguiente situación: tres prostitutas han sido detenidas y están compartiendo la celda de mujeres. En un rincón alguien duerme, al rato entra un travesti y entre todos tratan de hacer más llevadero el encierro nocturno. La escena da para el humor, la pena, lo bizarro. Y así resulta.

Lo fantástico de Dios es un lujo es que convierte el momento cotidiano en algo extraordinario. Es una obra ambiciosa en un muy buen sentido, tiene un potente discurso sobre la marginalidad, el desamparo y la falta de oportunidad, sustentado en un trabajo serio, bien ensayado, cohesionado, que termina cuando aún tenemos ganas de un poco más. Es redondo. No le sobra ni le falta nada.

El equipo ha sido muy austero y comprometido con la prescindencia de los recursos físicos, pero no ha escatimado en creatividad, buenos diálogos y performances. No caen en el proselitismo, pero dicen las cosas cómo son sin inmutarse.

Dios es un lujo es uno de los buenos trabajos de los últimos meses. Gente joven, haciendo teatro de calidad. Eso es lo que necesitamos. Ojalá haya más de esto, más inteligencia aplicada al arte. Ojalá podamos seguir disfrutando montajes que nos demuestran que no se requiere el artilugio para lograr resultados que empalicen con la audiencia. Ojalá vaya mucha gente a verla para que se reencanten con las nuevas propuestas y no salgan espantados preguntándose qué acaban de ver ni se sientan extranjeros ante aquello que no entienden.

Es un gran trabajo, altamente recomendable.

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Indios

2010-08-16T17:19:00.005-04:00

Por Luisa Ballentine

Lo primero que llama la atención de Indios es su cuidada estética basada en el arte corporal Selknam y una llamativa escenografía que asemeja una gran vena penetrada por la que corre sangre constantemente.

La obra comienza con la captura de un supuesto guerrero español que luego sabremos es, en realidad, uno más de aquéllos a los que persigue. De ahí en adelante se desata una historia que, como define la propia compañía Teatro versión oficial, es “la versión teatral mal educada y de mal gusto de un conflicto que yace de espaldas en el pasto, y el enfrentamiento concluyente de Catrileo con los ‘indios’ de verdad”. Catrileo es el que ha sido tomado prisionero.

Tras contar brevemente por qué este hombre ha escogido traicionar a su pueblo, Indios comienza a caminar hacia el cuestionamiento de lo que significa la tierra y el destino al que ha llegado el hombre moderno al no bastarse con lo que le da la naturaleza.

El montaje toma el conflicto indígena y lo da vuelta, sometiendo a un chileno promedio al suplicio de ver cuestionada su forma de ser y de vivir, tal como hacemos todos los días con quienes aún llevan nuestra herencia cultural con orgullo.

Y es en este momento cuando la obra, quizás, toma un cariz de mal gusto. Pero es con querer queriendo, así es que se trata de un malestar buscado por la compañía que repercute en la audiencia cuando un integrante del público es invitado a participar de la obra y termina siendo molestado en todos los niveles e invitado no muy gentilmente a explicar por qué y cómo vive.

Sin ánimos de arruinar la sorpresa final, resulta interesante señalar que los actores no saldrán a recibir el aplauso por su trabajo artístico. En consecuencia con el discurso planteado, ellos nos hacen el desaire de no saludarnos ni compartir el momento final de la obra pues el conflicto indígena existe más allá del escenario. Para mi gusto, innecesario, porque el discurso es interesante y la propuesta de choque funciona muy bien. No hay que olvidar que lo cortés no quita lo valiente.

De todos modos un trabajo recomendable para ver algo distinto que interpela al espectador en aquello que más le incomoda. Tradicionalistas y amantes del mundo bliz y pap, abstenerse.

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Medusa

2010-08-16T17:19:00.004-04:00

Por Luisa Ballentine

Medusa es una obra basada en hechos reales que sitúa a tres mujeres, ex prisioneras de Villa Grimaldi, como colaboradoras de la dictadura a través del soplonaje de quienes habrían sido sus compañeros en la resistencia.

Viven en un pequeño departamento de las torres San Borja y el trato que tienen es claro: o las tres colaboran o ninguna; lo que deriva en un constante forcejeo mental por liberarse y convencerse entre sí de aquello que les conviene más: escapar o quedarse.

Estas tres mujeres, si bien tienen un pasado en común que es el que las ha unido hasta sus circunstancias actuales, han comenzado a tomar caminos distintos y es ahí cuando empieza a contarse su historia en las tablas. Ya no están tan seguras de que el acuerdo al que han llegado sea necesario, ya no temen con tanto fervor las consecuencias de sus acciones y se comportan al borde de lo permitido.

Sólo se tienen a sí mismas para contenerse, pero cada una en su universo tribulado y particular, alberga dudas y se siente insuficiente en la tarea de lidiar consigo mismo y con las demás.

La escenografía es sencilla, pero cumple el rol de situarnos en ese departamento que se traga la vida de las protagonistas. Las actuaciones son importantes, especialmente la de Nona Fernández como la capitana de este trío, que poco a poco pierde influencia y devela sus miedos innatos ante la pérdida inevitable del hijo que añora.

Medusa es una mirada a un episodio pequeño dentro de la historia de Chile, pero que está cargado de lo femenino en cuanto a lo que significa la lealtad, la maternidad, el abandono, la libertad, la vida entera.

Si esta obra tuviera a hombres como protagonistas, sería completamente diferente; por eso es valioso este acercamiento que nos invita a mirar por una ventana secreta el cómo podría haber sido la convivencia de las traidoras, humanizándolas y convenciéndonos de que la vida está hecha de matices y cualquiera puede caer en cualquier momento.

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La cuervera

2010-08-16T17:19:00.003-04:00

Por Luisa Ballentine

La cuervera viene de “cría cuervos y te sacarán los ojos”. Es la historia de una madre y una hija que se ven enfrentadas debido a sus concepciones personales de cómo es la existencia que deberían llevar.

La hija desea liberarse y expandir sus alas, mientras que la madre está aferrada a un estilo de vida a punto de derrumbarse, basado en el doble estándar, las apariencias y el qué dirán.

La cuervera es un montaje sencillo, con un mensaje claro respecto de la necesidad de ocupar el lugar que sentimos como propio y que puede no coincidir con la idea que tienen quienes nos rodean.

En la actuación destaca especialmente Nelda Muray, interpretando a esta madre superficial e insatisfecha. Al principio el personaje parecía que iba a rayar en el estereotipo cansador de mujer peloláis, pero la verdad es que Muray logró dar con los matices que se requieren para que tras la fachada primera, se asome una mujer que en realidad está muy sola, muy abandonada a su suerte de dueña de casa, y que es la motivación que le impide cambiar y adaptarse a nuevas circunstancias.

Un gran acierto que además tiene una de las mejores escenas de humor que he visto en el último tiempo.

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El hijo de Madonna

2010-08-16T17:18:00.001-04:00

Por Luisa Ballentine

El hijo de Madonna es una de las obras más esquizofrénicas que me ha tocado ver en el último tiempo. Todo es una locura en este montaje, los juegos de luces, la escenografía, los personajes… pero una locura interesante, con contenido, con un norte y una razón de ser.

El argumento de este montaje gira en torno a un mito que circula en un circuito under sobre la desaparición del hijo de Madonna tras un viaje a América Latina en busca de consuelo espiritual. ¿Habrá muerto?, ¿se habrá unido a alguna secta? No hay certezas.

Un grupo de amigos comienza la reconstrucción de lo que podría haber sido esta travesía, oso Yogi incluido, y en el camino se asoma el discurso crítico contra algunas prácticas de la sociedad actual.

Estéticamente, El hijo de Madonna es una sobredosis de LSD en escena. Es una alucinación tal y como se presentan en la vida real: sin lógica, muy colorida, muy graciosa, pero con una verdad oculta.

El montaje elige como punta de lanza para esta gran catarsis, la moda de llenar los vacíos existenciales a través de experiencias “turísticas” con culturas originarias, que a su vez venden su legado ancestral por unos cuantos dólares y terminan traficando sustancias que en algún momento fueron sagradas para su pueblo.

Es una crítica potente que no necesariamente tiene que ser llevada a esos extremos. También podemos pensar en cómo la manera de vivir que poseemos hoy en día crea vacíos que, al tratar de ser llenados, resultan más profundos. En otras palabras, de aquéllos que buscan esta iluminación fantástica que les dé respuesta a su sufrimiento, ¿cuántos, realmente, encuentran algo? Muy pocos. Y nos hemos acostumbrado a vivir así, por lo tanto no es extraño ni chocante… salvo cuando lo vemos sobre un escenario convertido en una mofa producto de una noche de mucho ácido.

Me parece que el mérito de El hijo de Madonna va por ahí: en cómo la compañía La junta fue capaz de recrear en un escenario (en este caso una casa), lo que pasaría por el cerebro de unos amigos muy drogados que alcanzan ese límite en que, si bien la realidad se ve distorsionada, el contenido está muy claro y es casi epifánico en determinado momento.

Vale la pena verla para divertirse y apreciar cómo construyen su discurso de la mano del humor, sin caer en la tontera.

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Almagro

2010-08-09T00:41:00.001-04:00

Por Luisa Ballentine

Lo primero que llama la atención de Almagro es la escenografía. Una tarima blanca inclinada que representa el desierto. Si el desierto fuera humano, seguramente se asemejaría mucho a las características que le hacen ser casi un personaje en esta obra: infinito, vacío, callado.

La travesía de Almagro que se presenta en este trabajo no es una recopilación histórica ni una reconstrucción de sus pasos. Es un momento de agonía en el norte de Chile. Almagro vive la crudeza de lo que significa estar abandonado a su suerte. A lo lejos, quizás, se escucha una música altiplánica que podría estar sólo en su cabeza. De día el sol lo cubre todo y en la noche no es posible distinguir ni siquiera una silueta. En este contexto, Almagro está alucinando y rechazando su suerte, al mismo tiempo que abrazándola.

Debido a la naturaleza de los textos –basados en obras de Raúl Zurita y Antonio Gil- se hace necesario referirse a esta pieza como algo que se desprende un poco del teatro en su concepción más tradicional y clásica. Me parece que Almagro es, lo que podríamos denominar, un acto “poetral”, no un montaje, y no sólo por su origen dramatúrgico, sino porque lo que está sobre el escenario es una gran metáfora que se articula con todos los elementos mencionados de la mano. No existe un comienzo, un desarrollo, ni un final. Es algo que simplemente sucede y, aunque empieza y termina para el espectador, es como si Almagro llevara días al borde de la muerte y nosotros presenciáramos un chispazo de loca lucidez que podría haber sido cualquier otro, no importa que fuera éste en particular.

El valor de Almagro radica allí, en su capacidad de crear este acto “poetral” como me parece pertinente llamarlo, y apelar a un espectador más conectado con los símbolos que con el lenguaje en sí mismo, ya sea verbal o visual.

Alfredo Castro está, los 45 minutos que dura la obra, de cabeza. Hablando, a ratos gritando, con la sangre acumulada como si los sesos le hirvieran tal cual le sucedería a cualquiera en el desierto. Un gran trabajo actoral que da cuenta del ser humano atrapado en las condiciones extremas de un medio ambiente hostil, así como de una decepción acerca de lo que es la vida o lo que pudo haber sido.

Es muy interesante, además, el enfoque de escoger este momento mostrando a un Almagro tan frágil, tan desvalido, tan al borde de todo, mientras se encuentra en el desierto. Un episodio quizás insignificante considerando que la vida del conquistador fue bastante larga y terminó en una ejecución en Perú. Esta mirada a un instante que podría pasar inadvertido, pero que en su existencia seguramente fue relevante, permite reflexionar acerca de cómo los personajes históricos son siempre retratados en momentos claves de sus vidas y no así en el cotidiano, donde realmente se puede visualizar quiénes eran en realidad y cómo percibían este mundo.

Almagro no es para todos, es para espectadores abiertos a espectáculos diferentes que juegan con los conceptos preestablecidos, corren los límites y nos desafían. Y si bien puede ser una pieza críptica, permite conectarse con el sentir del descubridor de Chile que llegó a un país que no valía la pena, en términos económicos, y lo supo demasiado tarde.

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Las analfabetas

2010-06-24T00:26:00.001-04:00

Por Luisa Ballentine

Es un verdadero placer cuando el elenco de una obra está tan compenetrado con el texto que resulta imposible poder imaginar a otros en el escenario. Eso es lo que sucede en Las analfabetas y a ello contribuye el que Pablo Paredes escribiera el texto especialmente para Paly García y Valentina Muhr, cuyas interpretaciones son simplemente perfectas.

Al comienzo da un poco de miedo el personaje de Muhr (Jacqueline) por el estereotipo de mujer tímida y apocada que representa y que parece no salir del molde, sin embargo, sucede todo lo contrario y se puede apreciar la vida fluyendo dentro de su cuerpo y la lucha consigo misma para sacar todo eso que tiene encerrado.

La historia evidente de Las analfabetas es sencilla: una mujer que necesita aprender a leer y una maestra que le enseña a pesar de su mala actitud. Lo que hay que detrás de eso es lo que resulta más interesante: por algo la obra se titula en plural, ¿si una de las mujeres literalmente no sabe leer, de qué es analfabeta la otra?

Inquietante cuestionamiento que permite reflexionar en torno a lo que se entregan mutuamente. El analfabetismo tiene que ver con la imposibilidad de leer y escribir; pero metaforizándolo podría ser también la incapacidad de vivir, de dejarse llevar, de impedir que los años pasen en vano. Ximena, en la piel de García, siente la necesidad de que su profesora sea menos profesora, sea más mujer, se libere. En ese sentido está también enseñando algo, algo que no aprendió en la escuela ni lo estudió cinco años en la facultad.

Las analfabetas nos muestra a dos mujeres que se encuentran en un particular momento de su vida y que coinciden porque se necesitan. No pueden dejarse ya. Deben permanecer unidas. Es una obra íntima, femenina y al mismo tiempo universal, con un final que se burla de todos, incluidos nosotros como espectadores. Un gran trabajo que vale la pena ver y que esperamos tenga nuevas temporadas en cartelera.

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Guatón Romo, un ángel caído

2010-06-22T13:36:00.000-04:00

Por Luisa Ballentine

Esta intervención no podría estar mejor situada: en un sótano del Teatro Nacional Chileno que posee algunas maquinarias y un espacio desolado que simula perfectamente un centro de tortura... sin duda la locación más propicia para Osvaldo Romo, uno de los más conocidos torturadores durante la dictadura en nuestro país.

Guatón Romo, un ángel caído es un monólogo que transita entre el rol de víctima y victimario, retratando el momento de la muerte de este histórico personaje y cómo debe haber sido su encuentro con el más allá.

Es una obra que está llena de demonios y fantasmas que persiguen al protagonista a través de un laberinto de almas en pena y arrepentimientos que van y vienen. Es un camino entre el infierno y el purgatorio que hace reflexionar acerca de adónde es que va realmente un torturador al momento de morir y qué le sucede a su alma cuando se encuentra con los que conoció en la Tierra.

La actuación de Cristian Aros es conmovedora, tanto en la performance física como emocional. Romo se retuerce en sí mismo, parece alcanzar la gloria y se da cuenta de que todo le pasará de nuevo y otra y otra y otra vez, padeciendo dolores que nunca antes imaginó.

Es un montaje que aprovecha muy bien los pocos elementos que posee y saca al teatro de su espacio habitual. No es para públicos conservadores, pues la idea es retar al espectador en muchos aspectos y sacarlo de la comodidad de la butaca y de la entretención liviana, para sumergirlo en una experiencia dramática que nos hace sentir mal, nos retuerce las entrañas y al mismo tiempo nos encandila con los sonidos metalúrgicos y el hecho de estar en un lugar prohibido para el observador común.

Un gran ejercicio teatral que nos deja con ganas de ver más propuestas diferentes y bien construidas desde la escasez de recursos, pero con exceso de intelecto y buenas ideas.

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Pichannica

2010-06-18T00:59:00.001-04:00

Por Luisa Ballentine

Pichannica es una obra bastante especial que expone, de manera mucho más clara que en sus trabajos anteriores, algunos de los temas que interesan a la compañía La oruga. Es un montaje de fútbol, muy propicio para la época mundialera que vivimos, pero que no indaga en las características del deporte ni en el trabajo del equipo, sino en cómo todo un pueblo es capaz de sembrar sus esperanzas en un partido de 90 minutos.

Lo distinto de Pichannica es que comienza con un retrato a los personajes y su rol dentro del engranaje que implica el fútbol: algunos son jugadores, otros hinchas y hay un entrenador. Entre ellos se dan, también, relaciones de parentesco. Luego, da paso a una metáfora que sitúa al obrero y la explotación al centro de la historia. Es entonces cuando los personajes tiñen sus rostros para contar la miseria en que viven, pero no se refieren sólo a ellos, sino también a nuestros antepasados mineros, al presente y el futuro de Chile en lo que respecta a su fuerza laboral.

El fútbol es, para todos, el momento de la revancha social; un instante en el que aquéllos que no tienen apellidos sofisticados ni posesiones materiales más allá de lo que quepa en una pequeña caja, pueden tocar el cielo y ganarle a la vida o al destino. Es la hora y media en que olvidan de dónde vienen y que no van a ningún lado. Nada más importa que la pelota y lo que suceda en la cancha.

Una mención especial merece la banda en vivo que musicaliza el montaje. Su trabajo es un espectáculo en sí mismo, su actitud es un emblema, su música es contagiosa, está viva, dan ganas de bailar con los actores ese tango feroz de rabia y pena.

Podría ser cualquier otro deporte, podría ser la tele, podría ser el alcohol, las drogas. Da lo mismo. Lo que Carlos Huaico (autor y director) quiere retratar es uno de los refugios que escoge el ser humano para escapar de una realidad agobiante y entregarse por entero a algo que en sí mismo no tiene mayor significado, pero que mientras se consume hace olvidar todo. Y en este esquema, la relación de Chile y el fútbol es especialmente perturbadora, inquietante y soberbia: amamos algo en lo que, por lo general, lo perdemos todo.

Y así como Pichannica es esta leyenda colectiva que nos toca, también es un secreto íntimo, es un retrato de aquel joven al que hicieron creer que existía la gloria: probarse en clubes grandes, llegar a primera división, viajar a Argentina y luego a Europa. Podríamos decir que es también el deseo de la universidad, de un trabajo digno, de un futuro mejor y más brillante. Promesas de infancia que se han desvanecido para la mayoría.

No sabemos lo que le sucederá a Pichannica, la estrella del equipo, pero intuimos que luego de que se apagan las luces del teatro, su historia personal no cambia mucho y es probable que nunca salga del barrio. Es probable que sea obrero y que coma tallarines todos los días de la semana salvo el domingo.

Será uno más de tantos otros miles que apostaron todo a un sueño que nunca se cumplió.

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Lejos

2010-06-14T01:05:00.000-04:00

Por Luisa Ballentine

Lejos, de la dramaturga inglesa Caryl Churchill, es una obra anclada en la poesía del lenguaje. Su arma más poderosa es el cómo se expresa el discurso a través de los personajes y de qué modo la palabra penetra las fibras del espectador como un cuchillo que va abriendo un mundo con múltiples realidades donde asoman el poder, la mujer y la lucha.

Se intuye, de la traducción que hacen Camila Le-Bert y Alicia del Campo, la riqueza del vocabulario como creador de escenarios y la potencia de lo hablado que coexisten en el texto original. Se trata de un trabajo que colinda con la literatura y ofrece interesantes momentos de lucidez discursiva que son, al mismo tiempo, delirantes.

Es un montaje hermético con muchas claves internas no necesariamente claras para el espectador, pero que al mismo tiempo crean una atmósfera de complicidad que nos hace ser parte de algo más grande que les sucede a los personajes todo el tiempo.

Escénicamente, Lejos se desarrolla en un espacio físico centralizado en una plataforma inclinada donde acontecen los tres episodios que marcan el desarrollo de la historia, que a su vez adopta una forma evolutiva y muestra, cronológicamente, la transición de la protagonista en su acercamiento a la realidad que la rodea y lo que significan conceptos como crecer, pelear y despertar.

A este aspecto visual se suman la iluminación y los colores que caracterizan cada escena, dotando a la imagen de una estética especial que nos recuerda la dirección de arte en cine y que permite identificar las etapas de la obra con una tonalidad diferente.

Los actores ejecutan un buen trabajo dando vida a los caracteres que representan. Especialmente destaca Marcela Salinas, con un desempeño lleno de matices comandados por la verdad que inyecta a los momentos más increíbles del montaje, aquéllos que parecen ser irreales incluso para la ficción. Su actuación no sólo es convincente, sino también emotiva. Sin duda un excelente aporte que le brinda peso al conjunto.

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Los Albornoz, delicias de una familia argentina

2010-05-10T19:22:00.001-04:00

Por Luisa Ballentine

Pocas cosas despiertan nuestras carcajadas tan fervientemente, como la pasión agresiva con que nos parece que los argentinos se desenvuelven en el día a día.

Esta actitud es la que lleva a escena La Factoría Teatro, una compañía gestual que con Los Albornoz… continúa un camino exitoso en la realización artística de sus proyectos y la conexión que consiguen con el público.

Los Albornoz… es una obra con un texto potentísimo emanado desde los ovarios mismos de la sociedad argentina y concebido en el contexto de crisis que se extiende a toda Latinoamérica. Es un texto que presenta a la escasez económica como una parte de los problemas que aquejan a una familia promedio: el padre, la madre, los hijos y la abuela; pero cuyas fundaciones están más dañadas que el bolsillo.

Seamos honestos: Los Albornoz… es una comedia hilarante donde absolutamente todo lo que se ve en escena nos hace reír. Primero porque los personajes son extremos y apelan a nuestro imaginario colectivo para sacarnos una carcajada, pero además porque la media máscara que utiliza La Factoría Teatro los convierte en seres de otra dimensión que desde su postura corporal ya parecen risibles.

A pesar de ese trasfondo carnavalesco, es una obra que nos pega en el rostro con todo aquello que tanto nos duele: la pobreza, las conductas aspiracionales de los que tienen menos y quieren tener más, la lucha de las madres por sacar adelante una familia que está siempre al borde de desintegrarse, si es que aún no lo ha hecho. Es una obra que encierra lo peor de nuestra sociedad y lo lleva a un extremo que quizás no sea tan ficticio como queremos creer.

El valor, sin embargo, está en convertir todo ello en un relato con el que nos identificamos y del que nos reímos justamente por ello: porque somos nosotros llevados al límite.

La apuesta de La Factoría Teatro de mantener el acento argentino en la obra es una decisión arriesgada pero 100% acertada. Los Albornoz…, si bien puede insertarse en cualquier país en que pensemos, es una obra trasandina, por y para los argentinos, necesita su pasión y su desparpajo al hablar, la irreverencia de crear familia a la italiana. No funciona en toda su magnitud al quitarle ese elemento.

Los personajes son memorables, las actuaciones encarnan estereotipos reconocibles y los dotan de características especiales. A pesar de que los actores utilizan media máscara en su trabajo, logran transmitir una gama de emociones que permiten reconocer distintos momentos en cada uno especialmente en Mamma Dora, la abuela que lleva sobre sí el peso de la trama y que tan bien interpreta Paulina Flores.

Se nota la mano del director Marcos Belmar en la integración de nuevos nombres al elenco, pues esta versión mantiene la magia de la original, estrenada en Santiago y Buenos Aires el año 2008, suma matices que aportan a la construcción del argumento y prescinde de algunas escenas que hacían el montaje un poco largo en el pasado.

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El rucio de los cuchillos

2010-04-21T19:20:00.000-04:00

Por Luisa Ballentine

Tres personajes marginales conforman la fauna de El rucio de los cuchillos, un retrato a los bajos fondos de Santiago en la década de los ‘60 que perfectamente podría representar lo que pasa hoy en un cité del centro.

Hay muchos aspectos para destacar de este montaje que rescata la dramaturgia de Luis Rivano. Para comenzar, la realidad que ofrece la escenografía al recrear un cuarto al interior de una casa, incluyendo el moho, la suciedad, la pequeña cama y muchos detalles que caracterizan este tipo de espacios.

Otro elemento importante es cómo el argumento y el discurso van de la mano de la música, el tango en este caso, que relata de algún modo las existencias de los dos hombres y la mujer que han elegido (o quizás sido empujados) al delito como forma de vida.

El tercer gran acierto, y más importante, de El rucio de los cuchillos es su elenco. María Paz Grandjean nuevamente participa en una producción del Teatro Nacional Chileno y se consagra como una de las grandes actrices de la escena nacional. Su Guillermina es profunda, graciosa y conserva una inocencia casi imperceptible detrás de su vestuario de prostituta. Construye un personaje lleno de añoranzas a pesar de su entorno, una mujer, en apariencia, independiente que al final del día no es más que una víctima del maltrato de su infancia, su entorno y su presente.

Daniel Alcaíno, por otra parte, aporta el personaje más intenso, uno que se apropia del escenario con su mezcla de caballero de pacotilla y tanguero heredado. Es un carácter complejo que a penas entrega luces sobre su pasado y su vida, posee una imagen interesante y un glamour de pachoulí que en ningún momento se pierde. Alcaíno sostiene durante la totalidad de la obra a un hombre rudo que transita entre lo que los demás esperan que él sea y la violencia obligada para confirmar esa postura. Está en constante provocación y se lleva a sí mismo al límite de lo marginal.

Nicolás Pavez es el rucio, quien articula las acciones que confluyen a estas tres almas en un mismo momento y espacio. Se percibe la incertidumbre de su carácter, la necesidad de cambiar y la imposibilidad de dejar de ser lo que se es. Es un niño-hombre que sólo desea que lo dejen en paz.

Nuevamente el Teatro Nacional Chileno presenta un trabajo de máxima calidad que acerca al espectador no sólo a un buen montaje, sino también a lo que representa la dramaturgia y la creación de nuestra tierra. Cada detalle es cuidado con esmero y eso se nota en la representación desde que comienza la función hasta el aplauso del público.

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Ñaque o de piojos y actores

2010-01-20T02:11:00.000-03:00

Por Luisa Ballentine

Una grata sorpresa trae a la cartelera la representación de la obra Ñaque o de piojos y actores. Sorpresa no sólo porque aborda un teatro distinto que habla sobre el pasado de este oficio en España, sino también porque lo hace apelando a la identificación que el público siente con la profesión del artista que sube al escenario.

El elenco es un lujo de la comedia: Ramón Llao y José Martínez, quienes sobre sus hombros cargan el peso de la dramaturgia de José Sanchis, y llevan a escena este retrato del actor contado a través de los tipos de compañía que existían en España hace siglos atrás.

Es una comedia inteligente pues la reflexión es lo que sustenta la gracia y la carcajada. Si bien existe un estereotipo del artista que sobrevive a duras penas de su arte, también es cierto que, a pesar de ello, la sociedad reclama la existencia de quienes sustentan las formas de entretenimiento y que, por lo general, ponen el dedo en la llaga de quien los observa.

Ñaque o de piojos y actores recuerda al teatro callejero. De hecho, Ñaque era, durante el siglo de oro español, el tipo de compañía formada por dos integrantes que a duras penas sobrevivían su periplo de pueblo en pueblo. Pocos implementos, fáciles de transportar, brindan a los personajes la posibilidad de crear ese mundo andrajoso que poco tiene del glamour que a veces pensamos que existe sobre las tablas. Acá el gesto, el cuerpo y la voz son lo más importante, junto con el público, que a ratos es el tercero en juego.

Hay que aprovechar el arribo de buenos proyectos culturales como el que plantea el equipo ejecutor de esta obra, quienes saldrán de gira a mostrar su buen trabajo. Es un respiro para el espectador poder enfrentarse a comedias trabajadas donde existe una propuesta argumental seria que va emparentada con la risa sin por ello ser simplista ni apelar al chiste fácil.

Un gran texto, un gran elenco y una sintonía a toda prueba con el público, hacen de Ñaque o de piojos y actores una obra imperdible.

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El coordinador

2010-01-20T02:10:00.000-03:00

Por Luisa Ballentine

Es un desafío interesante plantearnos la figura que representa El coordinador en estos días. Vendría a ser una suerte de gran hermano omnipotente que todo lo sabe y a todos maneja. Tiene el poder de la información, uno de los más importantes al momento de manipular: él sabe. Sabe cosas importantes de los demás, quiénes son, a qué vienen, pero más relevante, a qué temen.

Utilizando esa batería de conocimiento logra articular su red de sumisión y someter a los demás a su antojo. Cómo negarse ante las órdenes de aquél que parece saberlo todo sobre ti y que con cada palabra llega más adentro de tu humanidad y descubre lo más secreto, lo que nadie debiera nunca ver de uno mismo.

Este impactante perfil autoritario que construye Benjamín Galemiri, mantiene su vigencia en este 2010 y, especialmente, en el contexto del Bicentenario de Chile. ¿Existe, hoy, esa figura dominante que nos fuerza y nos oprime? Existe, y lo hace en distintos niveles, no sólo estatal, sino también corporativo, pero sobre todo personal. Hemos cruzado el umbral de la alienación de manera tan drástica y poco reflexiva, que hoy en día somos nuestro propio dictador y vivimos esclavizados a fórmulas de control que, si bien no las creamos, no somos capaces de dejar atrás y empezar una vida diferente.

Estamos insertos en la dictadura de la mediocridad, del asentir siempre con miedo de decir algo que sea distinto. Necesitamos esa voz que justifique nuestras acciones: un jefe que nos dé órdenes, un padre severo, un gobierno burocrático; todos son obstáculos que están ahí porque, a fin de cuentas, es más cómodo que quitarlos.

El coordinador remece las conciencias de los personajes sometidos y orquesta su decadencia última. Pero, ¿los personajes en escena no tienen otra salida? La tienen todo el tiempo, pero escogen bajar la cabeza.

Como formación ganadora repite, El coordinador regresó con su elenco original. Interpretaciones impecables y conmovedoras que nos hacen inquietarnos en nuestros asientos por aquello que observamos.

Este clásico moderno de la dramaturgia nacional ha sobrevivido este tiempo y lo hará durante muchas décadas más porque está anclado en lo que significa ser humano y en los poderes externos que operan en la vida diaria a partir del hombre que lo permite. Es un texto que remece conciencias ayer y hoy, y que llega en un momento propicio en que celebramos la independencia de un país y nos cuestionamos, con dolor, cuán libres somos realmente.

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Diciembre

2010-01-13T00:32:00.001-03:00

Por Luisa Ballentine

Diciembre es un deleite para el espectador. Una obra espectacularmente escrita y llevada a escena como pocas, con un elenco que se nota afiatado y compenetrado en un trabajo al que le sobran méritos para ser uno de los mejores estrenos de los últimos años.

Es una historia oscura situada en un futuro no muy lejano, donde un hombre ha regresado de la guerra para cenar con sus dos hermanas en la noche de navidad. Los personajes tienen los nombres de los actores, acaso queriendo demostrar que la línea que separa la realidad de la ficción no sólo es siniestramente fina, sino a veces casi inexistente.

La escenografía sólo posee lo básico de una cena: la mesa. El resto lo hacen las luces de árbol de pascua que caen sobre los hombros e ilustran el quiebre de lo que queda en una familia que intenta llegar a acuerdos en percepciones de vida que se han perdido hace tiempo ya.

Es un diciembre desesperanzado, con un Chile en guerra en todos los frentes posibles y la división que experimentamos actualmente llevada al paroxismo del racismo y de la supremacía militar. Allí donde los hombres van a morir, este hermano ha encontrado, paradójicamente, un escape de libertad para ser él mismo. En aquella ciudad donde las mujeres cargan hijos de padres desconocidos, los parientes cercanos son lo único parecido a la sociedad que habitamos ahora… a pesar de que nada ha cambiado mucho en aquella realidad.

Diciembre es un trabajo pulido en su concepción artística y estética. Tiene un discurso claro y pone de manifiesto la dirección hacia la que se encamina un país que pregona una superioridad irrisoria.

La compañía En el blanco demuestra todo su talento sobre el escenario y sigue encumbrándose en el camino de las artes escénicas nacionales como un colectivo-referente al que no se le debe perder el paso. Diciembre es un montaje simbólico, y al mismo tiempo cercano a cualquier tipo de espectador, que hay que ver y recomendar.

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Parir

2009-11-20T17:07:00.000-03:00

Por Luisa Ballentine

Daniela Fernández interpretando a la madre, es la mayor atracción de Parir, una obra sustentada en el texto y esta suerte de monólogo que a ratos interrumpen los tres hijos para tratar de hacer entrar en razón a una mujer que dispara misiles con su boca.

Parece que la madre ha perdido la cabeza, se comunica con sus hijos de manera muy ruda y les da lecciones acerca de lo difícil que es la vida y de cómo deberían perderse en el alcohol y el sexo. Se burla de ellos, los huevonea e insta a asumir su condición de pobres.

Sin embargo, ¿no será éste un retrato de algo que las madres tienen guardado y, eventualmente, quisieran decir a todos sus hijos un día? Es una posibilidad interesante y ahí radica la fortaleza de este montaje. Es cierto, rompe con todos los cánones tradicionales de la relación madre e hijos y se inserta como una comedia hilarante, pero… podría ser un buen ejemplo de aquello que nos hace reír para no llorar.

La escenografía es sencilla: una mesa y luces que simulan velas en un corte de luz. Es todo. Los cuatro personajes sentados componen el resto del cuadro que transcurre entre las aspiraciones de ser actor del hijo y la infelicidad de la hija mayor que trabaja en un call center, dejando en un segundo plano a la pequeña estudiante en uniforme escolar.

Es una gran apuesta. Casi sin escenografía, un monólogo provocador e inteligente abre las puertas de esa caverna oscura que una madre alcohólica puede significar en la vida de sus hijos y muestra cómo pierde la cordura en un momento particular que quizás es uno de muchos en su historia.

Un buen concepto, una buena ejecución y, sobre todo, una actuación memorable en el rol protagónico, hacen de Parir una experiencia catártica que vale la pena ver.

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Galilei

2009-11-20T17:06:00.000-03:00

Por Luisa Ballentine

No fue ni será el último personaje de la historia de la humanidad en retractarse, sin embargo, Galilei es un ícono no sólo por la proposición de ideas revolucionarias en su tiempo, sino también porque el desdecirse simboliza continuar luchando por aquellos preceptos y no abandonarlos a su suerte.

Es decir, el genio vale más vivo que muerto, y sus genialidades llegarán a nosotros sólo si sobrevive a su destino en vez de sucumbir a él. Y eso hizo Galileo Galilei, sobrevivió y, con él, su pensamiento.

Aliocha de la Sotta dirige esta singular propuesta que aborda la vida de Galileo. La actuación de Hugo Medina en el rol protagónico, aporta esa tribulación que, pensamos, invadió la vida de este personaje, que existió entre sus pensamientos, estudios y la necesidad de comunicar aquellas ideas a un mundo que no estaba preparado para conocerlas.

La escenografía es bastante curiosa. A ojos del observador puede representar una suerte de estrado, un cubil de enjuiciamiento, un reducto donde el acusado se desenvuelve ante la mirada de los otros que lo rodean y circulan cerca de él, pero lejos de sus planteamientos.

En ese sentido, se observa con mucha claridad la existencia de un espacio protegido donde Galilei se sintió libre para contemplar el cielo y formar a su discípulo; al mismo tiempo que fuera de él rondaban buitres ávidos por destripar su pensamiento.

Galilei es un montaje histórico y reflexivo que sitúa a este personaje en un círculo sin tiempo y pone de manifiesto sus contradicciones vitales. Una iluminación tenue, una proyección de la luna y una música que es más bien un ruido sordo en momentos de locura, dan sustento a una propuesta intimista que nos recuerda que ninguna verdad es sacra, que todo aquello en lo creemos hoy, podría ser desmentido mañana, incluso aunque prefiramos enviar a la muerte a quien se atreva a enarbolarlo.

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Canción para caminar sobre las aguas

2009-11-10T02:10:00.001-03:00

Por Luisa Ballentine

Seguramente Hernán Rivera Letelier ha de estar orgulloso del trabajo que la compañía La Concepción realizó con su pieza Canción para caminar sobre las aguas. Es un montaje que posee la energía de la juventud, sus excesos, su compromiso a ultranza con aquello en que se cree… su inmortalidad.

Aunque refleja un momento político, la pieza habla de algo más grande y más profundo: la amistad y el viaje. Aquéllos que se encuentran en el camino y se van juntando para construir algo más grande que ellos mismos y que, de igual manera, son otros totalmente alejados de lo que eran cuando la historia comenzó.

Es el tránsito del ser humano. Siempre mutando y siempre buscando esas almas que se le parecen y que tienen las ganas de andar los mismos caminos.

Los tres personajes son bastante particulares y tienen su personalidad marcada y definida. Desde la mujer sexy que encarna a la tentación, pasando por el poeta con cara de Jesús y el hombre que se deja envolver por los encantos de Jerónima Monroe.

Canción para caminar sobre las aguas es una metáfora sobre actos heroicos, como lo sería el poner los pies en un río sin hundirse. El milagro de recorrer un país, de creer en la amistad y en esos lazos invisibles que se perpetúan mientras todos vivan la misma filosofía. Es también caer en el charco ante la realidad de un país que sucumbe bajo las armas y la ambición de poder. La pérdida de la confianza, el aturdimiento por no entender los caminos de los otros.

Es un trabajo lleno de poesía, de humor, de cercanía con la audiencia. Una bella adaptación que encarna una novela sobre las tablas y toma lo mejor de las letras para hacerlas espectáculo en un escenario.

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Ñi pu Tremen

2009-11-10T02:06:00.001-03:00

Por Luisa Ballentine

Esto es algo diferente a todo lo que haya mostrado el teatro emergente en el último tiempo. Se trata de una investigación y apuesta de Paula González que, bajo el nombre de Ñi pu Tremen, nos adentra en un pedazo de la realidad de siete mujeres mapuches que comparten algunas de sus historias con el público.

Acompañadas de tres jóvenes que danzan y encarnan la figura ancestral a través de sus trajes tradicionales, las madres y abuelas sobre el escenario hablan de amor, trabajo y de los recuerdos de su infancia en el campo.

Es imposible sacarse de la cabeza el testimonio de una de ellas cuando narra su niñez como cuidadora de los chanchos de su casa familiar junto a su hermana. Su simpatía es cautivadora, su voz envolvente, casi parece que uno corriera a su lado montando a la chancha a las orillas del río. Una actriz innata podríamos decir.

No sabemos con certeza cuánto hay de texto aprendido, pero sí que esto es tan real como es posible al trasladar a estas mujeres a un escenario. Incluso si hay líneas memorizadas, cada función tiene sus almas y su particular modo de narrar desde el corazón lo que ha significado nacer en esta tierra.

Ñi pu Tremen es un trabajo de gran belleza, no sólo por sus protagonistas sino también por el uso de recursos. La iluminación tiñe de colores algunos momentos, mientras la música extrae los sonidos propios de la cultura mapuche, aquellos que provienen de cavidades profundas y que evocan a la naturaleza entera con sus cauces fluyendo.

Un trabajo que podemos ver en muy pocas ocasiones, que acerca una experiencia de vida y que no construye una apología sobre nuestros ancestros, sino que los presenta como seres cercanos, madres, abuelas, hijas, al lado de nosotros, con nosotros, por nosotros, mujeres fuertes con pasados que quitan el aliento y al mismo tiempo las sitúan en un plano más accesible. Ello permite conmoverse con actos tan cotidianos como tomar la once, compartir un mate o contar nuevamente aquel relato sobre cómo conocieron a sus maridos, que es un eje articulador sobre el que se construye su tránsito por esta tierra.

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Plan be

2009-11-10T02:03:00.001-03:00

Por Luisa Ballentine

Plan be es un deleite en la cartelera que se exhibe por estos días. Tiene un texto inteligente, rápido y ágil que aborda el consumismo de una manera pragmática. Habla sobre él, pero sin nombrarlo necesariamente. Por el contrario, muestra la historia de un hombre aferrado a las cosas en distintas etapas de su vida. Muestra cómo la dependencia por los artefactos puede llevar a alguien no sólo a un desastre económico, sino también a un destino de soledad y poca compenetración con otros seres humanos.

Las actuaciones son memorables. Paula González y César Sepúlveda encarnan a sus personajes de manera sólida. Empatizan con la audiencia y consiguen transitar a través de la risa escenificando una tragedia. La pareja sobre el escenario tiene una gran química, trabajan muy afiatados y ponen de manifiesto, haciendo creíble y verdadera, aquella relación que los une, ya sea como matrimonio, vecinos o policías y ladrones; especialmente González, quien interpreta a tres caracteres distintos.

La escenografía de Plan be es muy significativa: cajas y cosas que se comen al personaje. Él está sobrepasado por sus pertenencias, ya sea tratando de recuperarlas o de cubrirlas de la lluvia tras un embargo.

Si bien hay muchas referencias a aspectos cotidianos y contingentes en los que se manifiesta el consumismo, se trata de un montaje universal cuyo valor podría perdurar en el tiempo y continuar siendo representado sin mayor problema de identificación con la audiencia. A ello contribuye el que no haya un juicio moral a la conducta del consumismo. El hombre pone su vida al servicio de sus cosas, pero no necesariamente es conciente de ello. No necesariamente es capaz de ver de qué modo su existencia depende de lo que la tarjeta de crédito le brinda, por lo tanto no necesariamente es un ser infeliz. En ese sentido es bueno que no exista una moraleja, pues Plan be no es una obra moralizante, es una pieza que a través de una estética moderna construye una actitud de vida hacia la acumulación de objetos y artefactos.

Una obra redonda, con todos sus cabos atados y que, a pesar de extenderse durante una hora y media, nunca deja de sentirse ágil y precisa frente al observador.

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Divina decadencia

2009-11-10T01:58:00.001-03:00

Por Luisa Ballentine

Divina decadencia es un espectáculo particular. Tiene aspectos del stand up comedy, la revista y el teatro; mezclando todo para poner sobre el escenario la historia de una mujer del espectáculo que ha sido dejada de lado por los medios.

Es el ocaso de una alcohólica ex estrella de algún programa como Mekano, de alguien que ve pasar su vida y que sólo al final es capaz de tomar conciencia del sinsentido que significa esperar un llamado telefónico en cada momento del día.

El único personaje sobre el escenario es Silvana. Envuelta en un traje plateado y arriba de unos altos tacones rojos, intenta dar algunos de los pasos de baile que la hicieron conocida en el pasado, pero la decadencia es demasiada a esas alturas. No puede sostenerse en pie ni conectar con la audiencia que la observa.

Como si esto fuera un show de verdad, el público es un participante activo. Silvana les habla, transita entre sus asientos, comparte su botella y coquetea con los hombres. Trata de recuperar sus tiempos de gloria sin mucho éxito.

Divina decadencia tiene buenas ideas al llevar a escena la vida de una mujer de la farándula, y si bien tiene algunos elementos que dan vida al trasfondo del personaje y su vacío, se siente una falta de compenetración entre el texto y el sentimiento que se desea representar. El personaje, encarnando el estereotipo de la rubia tonta, no parece tener la profundidad que la lleva a su desenlace. En otras palabras, el trabajo que se ve en escena toma la realidad televisiva de estas aspirantes a estrellas pero soslaya la personalidad que hay detrás de las cámaras y su humanidad fuera de ellas. Es poco probable que sean como las vemos en televisión; y si es así, sería mucho más interesante tomar la historia de alguien con un mayor trasfondo y plasmar esa historia.

De todos modos, la obra logra llevar al público el lado b de lo que actualmente es la televisión: un semillero de estrellitas con silicona que tarde o temprano comienzan a apagarse.

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El avión rojo

2009-11-10T01:57:00.000-03:00

Por Luisa Ballentine

Quién no recuerda a Marmaduque Grove, el personaje, el hito, la leyenda del socialismo temprano que durante el agitado período político del Chile de comienzos del siglo XX, dio forma a una revolución que no alcanzó a ser tal.

Tomando esta figura, la compañía La Batería, construye una historia llena de equivocaciones y falsas lealtades que comienza con Marmaduque en el extranjero intentando dar forma al golpe de Estado que instalaría el primer gobierno socialista en nuestro país.

El avión rojo es una comedia. Al principio parece ser algo serio, pero luego comprendemos que la risa es el motor que guía al observador. Como en toda comedia inteligente, nos terminamos riendo de nosotros mismos reflejados en las tablas. Nos reímos del fracaso, de la perseverancia que se pone en algunos proyectos que terminan saliendo de un modo completamente distinto al esperado.

El uso de los recursos técnicos es importante. Hay humo, juegos de luces y una gran escenografía industrial en la que pareciera que las acciones suceden dentro de algún tipo de fábrica. La fábrica de los sueños incoherentes de Marmaduque, tal vez, donde también tienen un lugar personajes como Pedro de Valdivia, Manuel Rodríguez y el mismísimo Carlos Caszely, a quien se representa, por supuesto, errando el penal. Es la metáfora de un país al que se le dobla la garrocha siempre antes del salto mientras suena una música de chascarro de fondo.

El elenco es impecable. Pablo Krögh es el encargado de guiar esta aventura en la piel de Grove, comandando un séquito de actores consagrados que funcionan como un reloj sobre el escenario, orquestando coreografías y batallas a mano armada.

Es un deleite para el público que la cartelera provea este tipo de montajes, llenos de ironía, de gracia, de diversión, y a cargo de una compañía que se toma su trabajo en serio y brinda grandes momentos que acercan, a los más alejados, a las artes escénicas.

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Las mudas

2009-10-27T13:30:00.000-03:00

Por Luisa Ballentine

La comunicación trasciende la palabra hablada, y ése es el precepto que usa Lucy para hacer su declaración de principios. Es una joven que no habla, pero que se muestra sensible y abierta a lo que sucede a su alrededor. No habla por opción personal, porque su voto de silencio expresa molestia y rabia hacia las circunstancias pasadas que la llevaron a cambiarse de colegio.

A través de esa idea central, Las mudas se articula y se construye como un relato que toma un momento específico en la vida de cuatros mujeres. La protagonista es Lucy, quien vive con su madre, una fanática de las teleseries mexicanas que aspira a emigrar al país del norte, y su abuela moribunda que espera dejar esta tierra en cualquier momento y se prepara para cuando llegue su hora de partir. A ellas se suma la nueva compañera de clases que fija sus ojos en Lucy y busca darle brillo a una vida que hasta ese momento parecía consumirse en la tristeza.

En las actuaciones destaca Penélope Furtunatti, quien encarna el espíritu colegial debatiéndose entre la rudeza de ser contestataria al modelo de bullying imperante, al mismo tiempo que se derrite ante la llegada de una nueva persona que no habla, y a la que trata de acercarse con urgencia y determinación.

Visualmente, Las mudas tiene muchos elementos para destacar, comenzando por una escenografía dominada por la cama gigante que se come todo el escenario. A ello se suma la caracterización de los personajes, cada uno con sus colores definidos, un peinado, una postura, que los hace reconocibles y únicos. Si bien el uso de luces es sencillo, la belleza se apodera de la escena en que suena Across the universe. Al sonido de los acordes, las chicas construyen una película paralela a lo que representa la anegación de Santiago y sorprenden con cada movimiento bien articulado y una sucesión de cuadros que otorgan la mayor cuota de emoción.

Es un trabajo que gira en torno a cuatro mujeres muy distintas, con personalidades fuertes. Es también una historia de amor y de adolescencia, de aquél tiempo en que todo es posible y nos rebelamos contra lo que no nos permite expresar lo que somos. Un texto adecuado, correctas actuaciones y una bella dirección de arte, dan a Las mudas suficientes credenciales para sobresalir en el mundo del teatro emergente.

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El olivo: una mirada particular de Chile

2009-10-27T13:29:00.000-03:00

Por Luisa Ballentine

Una comunidad olvidada del sur de Chile es la que da vida a este retrato criollo. Una fuente de soda es la sede en que se reúnen las distintas almas a compartir sus sueños y también sus miserias.

El olivo es una historia en tono sepia que se quedó detenida en un lugar sin tiempo a la espera de la muerte. Sus personajes son reflejo de ello, beben y el calor del vino es la única esperanza en una tierra abandonada.

Visualmente, la escenografía es fiel reflejo de esas fuentes de soda de pueblo, con su piso de flexit, mesas y sillas escolares y un personal que se conoce a cada uno de los comensales y entabla amistad con ellos. En este pequeño cubículo iluminado tenuemente por el wurlitzer, algunos se aman y otros ven extinguirse la vida lentamente.

Lo que más cautiva de esta obra son los personajes. Todos están muy bien interpretados y definidos. Cada vez que alguno aparece en escena, es posible identificar su pasado y la carga con la que viene. En el elenco se produce un encuentro de generaciones, los más jóvenes con los más experimentados, pero todos mantienen un alto nivel de calidad que da a El olivo un sello inconfundible.

Resulta interesante la concepción etílica que se vislumbra, el Chile curagüilla, el alcohol que soluciona todos los problemas y que circula sin restricciones todo el día y a toda hora. Sin duda un reflejo de lo que somos, pero también ¿una crítica? Quizás lo sea. Un reproche a la tendencia de ahogar los problemas y autocompadecerse, especialmente, en las horas más oscuras de la noche.

Es un trabajo que se adentra en un sinnúmero de simbolismos chilenos y que delinea la silueta de la fauna que compone a nuestra sociedad. Incluso estando lejos, estos personajes no son tan distintos de los que encontramos en cualquier ciudad. Al fin y al cabo todos sufren de soledad, monotonía y desapego.

El final es locura, fiesta, despedida. Una algarabía extraña, quizás no comprensible del todo, pero cómplice. Algo comienza o termina, algo ya no está, es un descanso para el nuevo día o un adiós. Sea como sea, los personajes marchan a sus destinos, la fuente de soda queda por primera vez vacía y los vasos de vino yacen transparentes sin manos que los alcen.

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Enfermitas sagradas de Chile

2009-10-13T02:00:00.001-03:00

Por Luisa Ballentine

El título nos entrega la característica central de las tres mujeres que protagonizan esta obra de Pablo Paredes, dirigida por Juan Pablo Fuentes: están enfermas. Cada una con su distinta patología, intenta sobrellevar una vida extremadamente cotidiana que transcurre en una habitación tan chilena y estándar como lo era cualquiera de la clase media de los ‘80.

Innegables son las buenas actuaciones que interpretan las actrices a cargo de encarnar a las enfermitas. Son conmovedoras y reflejan las interacciones naturales, a veces crueles y en apariencia dejadas de afecto, que los seres humanos muestran entre sí. Son atemporales, no cuentan una historia del hoy ni del ayer, están situadas en el momento en que se desee imaginarlas.

El espacio de representación es pequeño y tiene interesantes elementos que permiten hacer al público cómplice de un relato en el que se ríe para no llorar. La música juega un papel esencial y buena parte de ella es interpretada en vivo al son de una guitarra y de las décimas que cuentan fragmentos de lo que ocurre.

En cuanto a su extensión, la obra se siente más breve de lo que se quisiera. Hace falta un mayor desarrollo de los personajes para poder comprender las motivaciones que los llevan a ejecutar los actos que se observan en el desenlace. Si bien podría entenderse como un factor sorpresa el no dar pistas de lo que vendrá, lo cierto es que se echa de menos una conexión más fuerte entre la personalidad de los caracteres y el resultado de sus acciones.

Enfermitas sagradas de Chile es un montaje impulsado por un colectivo de gente joven que apuesta por un teatro distinto al que se suele ver en este segmento creador. Hay mucha poesía en el texto, hay un relato profundo y sólo falta ir más allá en la vida del personaje, su por qué de existir y de hacer. El pasado implícito que marca sus pasos y que no está del todo presente en los racontos que realizan las protagonistas.

Aun así es una obra destacada dentro del circuito emergente.

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La mala clase

2009-08-22T19:35:00.000-04:00

Por Luisa Ballentine

La mala clase comienza con Nirvana de fondo. El espíritu adolescente reside en los protagonistas de esta obra que expone sobre el escenario las miserias de la educación chilena. Estudiantes sin futuro, profesores sobrepasados por la rebeldía juvenil, la necesidad imperiosa de todos por terminar un cuarto medio que no tiene epílogo.

Esta propuesta, realizada en el marco del programa Teatro Joven del Teatro Nacional Chileno, está enfocada a los colegios. Está ideada para que se encuentren cara a cara el educando y el educador y se digan algunas verdades dolorosas, pero necesarias. A pesar de estar hecha tan perfectamente para este público, La mala clase merece una temporada regular y llegar a una audiencia masiva que pueda enfrentarse a la realidad de lo que ocurre en el país dentro de las salas de cada colegio municipal… y quizás subvencionado.

Los aciertos del montaje son muchos. Está bien musicalizado gracias a intervenciones precisas de emblemas de la rebeldía que son interpretados por voces no tradicionales que brindan un aire diferente. El elenco es poderoso. Los cuatro jóvenes, que si bien pueden ser encasillados en estereotipos claros, brindan actuaciones amplias, convincentes y muy reales. No son los típicos viejotes tratando de interpretar adolescentes sin conseguirlo; hay verdad en sus discursos y caracterizaciones. María Paz Grandjean, como la profesora modelo, es también un valioso aporte que encarna la figura tradicional del maestro que sobresale y que intenta ser duro con sus alumnos, al mismo tiempo que darles las oportunidades que sabe son escasas y casi imposibles de conseguir en el mundo de la adultez.

Si bien todos ríen a lo largo de la obra, lo cierto es que La mala clase es un drama, es la exposición de la herida más grande que tiene nuestro Chile del cielo azulado: una juventud sin perspectivas, sin posibilidades, que aprende poco y nada en las aulas, pero que sabe de aborto, suicidio y maltrato.

Luis Barrales, en la dramaturgia, construye un discurso que llega como misil a ambos lados de la moneda: profesores y estudiantes, al mismo tiempo que las esquirlas de la explosión saltan a todos los actores del sistema que parecen hacerse los sordos. Aliocha de la Sotta, por su parte, se las ingenia para que La mala clase transite entre lo gracioso y lo reflexivo sin alterar el sentido global y convirtiéndola en un gran espectáculo teatral.

Una obra necesaria de existir y de ver. Un espejo siniestro en el que no queremos vernos, pero que refleja exactamente lo que somos.

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Primera estación-Sin miedo

2009-08-22T19:15:00.000-04:00

Por Luisa Ballentine

Nuevamente, el trabajo remunerado se convierte en el eje central de un montaje que llega a nuestra cartelera. Esta vez se trata de Primera estación-Sin miedo, uno de los ganadores del reciente Festival de Nuevos Directores, que se articula en torno al concepto de la esclavitud moderna que heredamos en forma de “trabajo digno”.

Matías Paul, como dramaturgo y director, reflexiona y se cuestiona el verdadero valor del trabajo bajo la dinámica actual: un jefe y sus empleados sometidos a un horario, a una función, a una deshumanización crítica.

Paralelamente, se habla sobre el amor, el padre ausente, la necesidad de contacto con otro en momentos oscuros, todo como parte de los recuerdos de un hombre que narra los últimos momentos de su vida. ¿Es el trabajo lo que lo aleja de sus lazos sanguíneos y naturales? Quizás, quizás no. Lo cierto es que la alienación de la rutina y de cumplir día a día una labor que enriquecerá a otro del que tal vez nunca se ha visto ni el rostro, provoca que tarde o temprano haya un estallido moral y físico. Hasta dónde el ser humano es capaz de resistir la presión social y económica de su tiempo histórico que lo obliga a proveer. Hasta dónde puede resistir la tentación de una salida fácil. Hasta dónde puede aguantar su deseo de compañía y de apoyo. En qué momento decide que solo no es capaz de mantenerse en pie. En qué momento se mata… cuándo se deja morir…

La puesta en escena es limpia y aprovecha la estructura de fábrica que posee la sala. Los obreros se trasladan entre sus recovecos y van dando luces sobre un desenlace repleto de violencia, al mismo tiempo que anunciado.

El elenco cumple su parte con buenas actuaciones, honestas, reconocibles, brindando a cada personaje su lugar dentro de la historia mayor. Jimmy Fredes conquista al público y arranca carcajadas en su rol de patriarca-cerdo que se niega a reconocer a ese hijo viudo como propio, que le reclama, al mismo tiempo, su ausencia y su desfachatez de buscarlo tras tanto tiempo.

Primera estación-Sin miedo es una nueva confirmación de que los teatristas emergentes están haciendo una labor destacada. Tienen algo que decir y lo expresan con claridad, tienen un punto de vista propio, estético y retórico que se defiende sobre las tablas y que provoca, en el observador, ganas de seguir viendo buenos montajes a cargo de equipos jugados y comprometidos con la sociedad de su tiempo.

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Yo no ando matando a nadie

2009-08-18T12:09:00.000-04:00

Por Luisa Ballentine

La palabra que mejor describe la propuesta de Yo no ando matando a nadie es sorpresa. Sí, porque la puesta en escena de los Hermanos Ibarra en la dirección, sorprende de principio a fin. Comenzando por una declaración de principios sencilla, en un escenario vacío que sólo tiene al protagonista para defenderlo, la obra empieza a desencadenar una interesante historia sobre la violencia y el desamparo, al mismo tiempo que va creciendo en despliegue escenográfico y visual. Del completo vacío, el espectador pasa a transitar por el otoño de los sin casa y termina cubierto de amarillo en la escena final.

Es un agrado presenciar las apuestas que en las últimas semanas los jóvenes han llevado a escena, pues aunque por lo general son descritas como erráticas, fallidamente experimentales y herméticas, lo que se ha podido apreciar durante este otoño-invierno deja contentos a muchos de los integrantes de la familia del teatro y sus públicos.

Además del tránsito que realiza Yo no ando matando a nadie, desde el vacío hasta la opulencia verbal y física de su culminación, destacan las actuaciones. Cristian Torres y Daniela Ramírez en los roles protagónicos, desnudan el capricho del amor vivido bajo circunstancias hostiles. La separación, las promesas, la melancolía del amante, la posibilidad de hijos no deseados. A pesar de la intensidad de su degradación, aún se ve en ellos esperanza, brillo de ojos que anuncia sueños y algo bueno por venir que nunca llega. Ramírez, cuya interpretación conmueve al espectador desde su rudeza y su intensidad verbal, brilla desde el momento en que su figura aparece en el escenario. Con penetrantes ojos sicóticos es capaz de atravesar el lente observador y exponer su fragilidad de fiera.

Basada en un hecho real que pone de manifiesto la lucidez de una mujer ante la procreación en un mundo de pobreza extrema, Yo no ando matando a nadie es el relato de un asesinato preventivo en contra de la figura masculina tradicional. Pero la estocada no sólo aniquila la existencia humana del amante, sino también de la supuesta dignidad del amor y su rol universal de traer más hijos al mundo. Es una estocada al modelo social, una estocada que reclama atención hacia los que menos tienen y que son mayoría.

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Lonquén... del limbo a la tierra

2009-08-18T12:08:00.000-04:00

Por Luisa Ballentine

Lonquén… del limbo a la tierra es una composición coral, una construcción hecha a partir de los distintos lados de un mismo cubo. El Chile militar de fines de siglo, la partida de muchos en manos de la dictadura y los cuadros familiares que rememoran la existencia de los idos.

La puesta en escena posee una escenografía sencilla, sin embargo coreográfica y visualmente, es una cascada que fluye con potencia y que se articula en torno de sí misma con perfecta sincronía.

Los personajes, representados con sutileza y pasión por el elenco, a primera vista parecen no estar relacionados, pero conforme avanza la obra, es posible notar cómo la inmigrante, el matrimonio, el padre, el hijo, la novia y la amante tienen todo que ver entre sí. En algún tiempo debido a alguna circunstancia, todos viven el mismo momento tétrico de la muerte y la desesperanza.

A pesar de tocar un tema recurrente en la dramaturgia nacional, la compañía La oruga llena el escenario con música, risas y danzas, mostrando un lado poco explorado en este género como es la vivencia cotidiana en dictadura, con sus altos y bajos. Con días buenos y malos, con fantasmas, recuerdos y nostalgia.

La muerte se menciona al pasar porque no es el tema central de Lonquén… del limbo a la tierra, aun cuando sus personajes giran en torno a ella. La idea madre es, más bien, el reencuentro futuro, el jolgorio del luto, la carcajada entre lágrimas.

Es un montaje de gran belleza visual muy bien musicalizado y actuado. Un aporte a la cartelera teatral de estos días, una mirada fresca, con gusto a balalaika, fiesta y funeral.

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Machote futbolero

2009-08-04T15:20:00.000-04:00

Por Luisa Ballentine

Como pocas veces, la cartelera teatral sorprende día a día con más y mejores apuestas lideradas por los jóvenes. Esta vez es Machote futbolero la obra que llama la atención del público con una atrevida propuesta temática y escénica.

La dramaturgia de Tomás Henríquez se suma a lo que está haciendo Luis Barrales de algún modo, al ubicar el texto en la poesía del discurso y recurrir a la metáfora para referirse a las contradicciones vitales que experimentan los personajes.

En Machote futbolero, la historia está a cargo de un narrador interpretado impecablemente por Diego Ruiz que tiene a su cargo la realización de un monólogo interrumpido en una sola ocasión. Es un integrante más del barrio que presencia desde el sopor adolescente, cómo algunos jóvenes se han vendido a los viejos con plata; viejos que representan la figura de Spiniak y que pagan con billetes para tener el cuerpo de los niños pobres y silentes.

El protagonista es Ramiro y no emite palabra alguna. Su quietud representa el drama de los verdaderos abusados, incapaces de hablar y, hasta cierto punto, incapaces ya de disfrutar lo que el dinero puede conseguirles. Desde su mutismo, la interpretación que realiza Diego Acuña permite comprender que más allá de las zapatillas que sobresalen blancas en el escenario casi brillando, la tensión entre el dinero y la venta del cuerpo no se remite a una mera transacción, sino que esconde la marginalidad de un país entero que intenta sobrevivir a punta de sueldos mínimos y padres ausentes.

Freddy Araya, evocando la figura de Spiniak, sorprende en los matices que entrega: su piel es la de un ser repulsivo, escupido por la sociedad completa, pero en la intimidad de su espacio, rodeado de cuerpos desnudos, se muestra frágil y tentado por la carne joven, satisfaciendo un capricho sin el cual su vida sería miserable y tortuosa.

La puesta en escena es sencilla, pero tiene elementos bien ubicados como la recreación de una población estándar. Sentados sobre todo lo que existe, pero al mismo tiempo dentro de límites invisibles que impiden surgir, los amigos se cuentan todo sin decirse nada. El narrador tiene la misión de traducir las expresiones de Ramiro, de adivinar la historia, de contar el asco a la vida entera escenificada en la pedofilia.

Pierre Sauré, en la dirección, consigue dar unidad a los distintos momentos y agilizar las acciones que se sostienen sobre los roles de Ruiz y Araya. Gracias a ello, el montaje transcurre rápido y el final sobreviene de un momento a otro sin dar oportunidad al espectador para digerir lo que ha pasado. Se apagan las luces y todo debe ser repensado una y otra vez como un balde de agua fría.

Se apagan las luces con los amigos en la misma población y con todo empezando de nuevo en algún rincón del mundo.

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Equívoca fuga de señorita apretando un pañuelo de encaje contra su pecho

2009-07-29T13:06:00.001-04:00

Por Luisa Ballentine

La dramaturgia de Veronese llega de la mano de Equívoca fuga de señorita apretando un pañuelo de encaje contra su pecho, montaje dirigido por Rafael Contreras y protagonizado por Mario Soto, Sebastián Layseca, Manuel Ortiz, Elisa Vallejos y Catalina Saavedra, la máxima atracción actoral de la pieza luego de obtener el premio a la mejor actuación internacional en el Festival de Cine Sundance.

La obra gira en torno a un personaje ausente: la hija que ha desaparecido y que es añorada por sus padres, su mejor amiga y el supuesto novio, quienes se disputan las tres cartas que les ha dejado tratando de quedarse con la menos dolorosa para cada uno.

La puesta en escena recrea el living de una casa de clase de media. La hora del desayuno marca el comienzo de las acciones, es en ese momento cuando los padres descubren que se encuentran solos y leen una y otra vez la misiva encontrada tratando de descubrir su significado.

Equívoca fuga de señorita apretando un pañuelo de encaje contra su pecho transita a través del recuerdo de la ausente, lo que faltó por hacer o decir y su verdadera historia. ¿Era la hija, la amiga y la novia que todos creían que era? Es un canto sordo al que ya no está, pero al mismo tiempo un juego de equivocaciones y malos entendidos matizado por toques de comedia y humor negro que la sacan de su pesadumbre.

Las interpretaciones no defraudan y consiguen abarcar el amplio espectro que los personajes poseen para estar en distintos lugares emocionales y transmitirlos al público. Catalina Saavedra, en su rol de madre afligida proporciona notables momentos de congoja y también de sin sentido cómico.

Importante es la utilización de la música que va enmarcando distintos momentos y deteniéndose abruptamente para dar paso a nuevas acciones. Del mismo modo, la iluminación proyecta los distintos momentos del día y el avance del tiempo en esta persecución que no entrega respuestas sobre el paradero de aquella que se fue.

La irrupción final del personaje interpretado por Layseca, aporta mayores datos sobre el posible destino de la joven y, en un contexto absurdo, cierra la historia y siembra la inquietud en el espectador acerca de lo que realmente ha ocurrido en esta equívoca fuga. Todo parece ser otra cosa. Todo es, en realidad, algo distinto.

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Patas de gallo

2009-07-06T14:55:00.002-04:00

Por Luisa Ballentine

Luis Barrales lo hizo otra vez. Con el estreno de Patas de gallo, el dramaturgo no sólo confirma porqué es el autor emergente más montado del último tiempo, sino que además muestra más luces acerca de los elementos que caracterizan su propuesta escritural.

Así como en Hans Pozo y Niñas araña, Patas de gallo contiene momentos de alto valor poético que se manifiestan en pequeños monólogos a cargo de sus protagonistas. En algún momento de la historia, todos tienen algo que decir que rompe con la estructura tradicional del acontecimiento para situarse en el flanco del discurso y la protesta social.

La puesta de escena contempla pocos elementos, pero poderosos: la escenografía es un paradero de micro que funciona como la casa de una familia, aparentemente, tradicional; la iluminación evoca los distintos momentos y marca las transiciones entre las reflexiones personales y la representación coral, y la música aparece en pocos instantes para acentuar el ambiente frío y retorcido del montaje.

La historia transcurre durante semana santa y tiene como protagonista al profeta de la familia, el hijo mayor que dice ser vidente y vaticina el futuro de quienes lo rodean. Lo acompañan el padrastro, la madre y la hermana; todos personificados a la perfección por Juan Pablo Miranda, Priscila Guerra, Rodrigo Soto y Marcela Salinas, quienes brindan actuaciones memorables, destacadas y profundas.

La dirección de Omar Morán es impecable. A Patas de gallo no le faltan ni le sobran elementos, es un aporte en la cartelera santiaguina y una reflexión amplia sobre la pobreza, el maltrato, la discriminación y el país de cartón que Chile es para la mayor parte de la sociedad.

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Bajo hielo

2009-07-06T14:36:00.001-04:00

Por Luisa Ballentine

El sonido de lluvia cayendo por la sala de teatro en forma de bolitas que recorren toda la extensión del lugar, es uno de los recursos que marca la totalidad de la representación de Bajo hielo, montaje que destaca por la posibilidad de ver en escena a tres grandes de la actuación que no defraudan: Daniel Muñoz, Néstor Cantillana y Gonzalo Muñoz, a quienes se suma el pequeño Benjamín Velásquez que cautiva con su gran talento a tan cortos años.

Ellos son tres ejecutivos. Ejecutivos que encarnan todas las visiones posibles que la palabra permite: hombres en traje, trabajólicos, con altos o bajos puestos laborales, marcados por el estrés y por la opresión empresarial, enceguecidos por el mundo propio que crea la corporación en torno a sus vidas, absorbiéndolas y eliminándolas de raíz.

Bajo hielo propone revisar algunas cuestiones que en nuestra sociedad parecen saldadas. Una de ellas es la esclavitud: ¿se abolió realmente o sólo hubo una transición entre un modelo y otro? La respuesta parece inclinarse hacia la segunda idea: seguimos siendo esclavos, sólo que esta vez el señor feudal no nos da casa ni alimento, sino dinero para comprarlo… y nuestras vidas siguen estando sometidas 24 horas a sus designios. El señor feudal ahora es el presidente del directorio, el jefe directo, el encargado de RRHH; sólo un disfraz de la misma teoría acerca del trabajo.

Si bien la obra plantea esta perspectiva desde el otro lado, desde los que han sido atrapados por el modelo actual de hacer empresa y los muestra como protagonistas activos y orgullosos de su devoción laboral; el relato está planteado en código irónico para dar a entender lo contrario y permitir la reflexión sobre el modo de vida actual y las nulas posibilidades de libertad que brinda el llamado “sistema”.

Ése es el planteamiento central de Bajo hielo, lo que está en el fondo, la falta de aquella libertad, su inexistencia y cómo algunos aún la anhelan, aún se buscan en el mundo y se tratan de encontrar en los otros sin respuesta, como un espejo que no devuelve el reflejo y que impide saber quién se es y dónde se está.

Con una puesta en escena poco convencional que ubica al espectador a lo largo y ancho de la sala, se consigue el efecto integrador de hacer sentir que todos estamos involucrados en la vorágine social. Que si bien vemos al protagonista amarrado a un metro de nosotros, luchando por zafarse, nada impide que esa realidad sea de otro, de uno mismo. Esa cercanía permite que nadie se sienta ajeno porque del sistema no se escapa. Estamos a un lado o al otro, pero dentro. La dirección de Heidrun Breier lleva la opresión al lado de cada butaca y ubica los estímulos en todas las esquinas de la sala para dejar en claro que se está atrapado dentro del hielo y que aunque se hagan agujeros para respirar, seguimos bajo la superficie.

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Impro en la ciudad

2009-07-06T02:55:00.000-04:00

Por Luisa Ballentine

La dinámica es simple: el público escribe un título y un deseo, los actores recolectan los papeles con la valiosa información y construyen cinco obras de teatro diferentes a partir de lo que dicen. Como resultado se obtiene una función única e irrepetible que jamás podrá ser representada nuevamente. Es la improvisación que ha llegado para quedarse. Ellos son LosPleimóvil y el espectáculo es Impro en la ciudad.

Lo único que tienen en común los pequeños montajes es que acontecen en la ciudad. Son urbanos. Transcurren en lugares que conocemos y recrean situaciones familiares. El resto surge en el momento y está dado por la creatividad de los actores y su entrenamiento previo.

La improvisación exige rapidez, agilidad y una escucha activa del otro que en obras tradicionales se puede mecanizar con el tiempo. Aquí, si no se está atento a lo que dice el compañero, es posible que la historia pierda todo foco y que confunda al público, por ello cobra una importancia mayor la concentración del elenco que está sobre el escenario.

El entrenamiento físico es una parte clave de Impro en la ciudad. No hay escenografía ni elementos en qué apoyarse, todo se debe construir con imaginación y los intérpretes deben ser capaces de que el espectador vea lo que ellos crean con sus movimientos. Otro aspecto de gran relevancia es la capacidad de los actores de pasar de una caracterización a otra pues deben lograr profundidad con sus personajes para que quienes observan noten las características especiales que tienen: si se trata de un hombre o una mujer, cómo es su personalidad, qué lo distingue físicamente. A pesar de que todo se desarrolla muy rápidamente, las decenas de personajes que circulan a lo largo de la obra, deben ser recordados como únicos y no confundirse con otras interpretaciones del mismo actor.

Todas estas habilidades es posible apreciarlas en el trabajo de LosPleimóvil. Su labor sobre el escenario es impecable y todos los actores tienen un encanto natural que permite que sus creaciones empaticen con el público. Es un trabajo arduo que no tiene segundas oportunidades, una escena fallida no tendrá la posibilidad de hacerse bien la próxima vez, por lo tanto el elenco se juega todo por el todo en cada performance que realizan y aciertan con precisión y talento.

La improvisación es una modalidad teatral muy atractiva para la audiencia. Es creativa y suele estar ligada a la comedia, por lo tanto resulta muy cercana para quienes se han alejado del teatro debido a lo críptico que puede ser a veces. Por eso es tan recomendable seguir la pista de las compañías que están trabajando esta área. Su aporte es inmenso y pueden traer consigo nuevos espectadores que se identifiquen con su labor y que los hagan crecer día a día y desarrollarse cada vez más.

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Pana

2009-06-30T21:03:00.000-04:00

Por Luisa Ballentine

¿Cómo sería el mundo si cada cual pudiera administrar su propia justicia? ¿Qué resultados tendría medir con distinta vara las situaciones de la vida y administrar culpabilidad a diestra y siniestra? Éstos son algunos de los cuestionamientos que pone en escena Pana, obra de Andrés Kalawski que, bajo la dirección de Francisco Albornoz y con las sólidas actuaciones de Emilia Noguera, Alejandro Sieveking, Ramón Nuñez, Arnaldo Berríos, Eduardo Barril y Nicolás Saavedra, indaga en la necesidad de un grupo de ex funcionarios ligados a la justicia, por dictar sus propias sentencias en aquellos casos que se le escapan al poder ordinario.

Todo comienza con la invitación a un huésped inesperado para sumarse al poco tradicional juego en el que cada uno interpreta un rol: abogado, juez, policía, verdugo y, por supuesto, acusado. A partir de este detonador, los cuatro viejos inducen al joven para revisitar la muerte de su superior y lograr dar con las implicancias de él en los sucesos que desataron su paro respiratorio.

Es el juego del gato y el ratón, uno da, el otro quita y lentamente van tejiendo una red de especulaciones en torno a la vida y las circunstancias del joven visitante. Todo ello de la mano de un protagonista silencioso y suculento: la comida.

Kalawski utiliza distintos platos chilenos tradicionales como un motor para dar rienda a las motivaciones de los personajes. Para estimularlos en ciertos momentos, para tranquilizarlos en otros. Lo que importa es que en Pana la comida es una estrella del espectáculo más y su presencia está resuelta de manera creativa en la puesta en escena que evoca una casa a orillas del mar.

Lo que ha resultado más atractivo de Pana durante las semanas que lleva en cartelera, son los cuatro protagonistas. No siempre el espectador tiene la oportunidad de ver a leyendas del teatro sobre el escenario compartiendo el trabajo artístico; característica que en este caso hace del montaje un imperdible, especialmente por Ramón Núñez, quien empaliza particularmente con el público y logra presentar a un hombre afable, encantador, gozador y tremendamente misterioso que hace adorable al abogado retirado que representa.

En una industria del espectáculo que todos los días tiene nuevas caras para mostrar y que recuerda a sus ídolos en ediciones especiales tristes a las que sólo asisten algunas pocas personas, Pana es un recordatorio de por qué los señores y señoras del teatro, los que llevan décadas sobre las tablas, deben seguir sudando en ellas. La profundidad y la magnitud de lo que se exhibe en esta obra, no se logra con cualquiera, requiere años de circo y vida, requiere la justificación de cada segundo pasado perfeccionándose en la profesión actoral. Y en esto Pana es un doble acierto: una gran obra que llega a un amplio público, y además un ejemplo de interpretación y calidad actoral que no se debe dejar pasar.

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Tres Marías y una Rosa

2009-06-25T19:50:00.002-04:00

Por Luisa Ballentine

Los clásicos comienzan a llegar a la cartelera con la excusa del Bicentenario que se encuentra a la vuelta de la esquina. Y como un adelanto de la especial programación del próximo Festival Santiago a Mil, el Teatro Nacional Chileno estrena Tres Marías y una Rosa del dramaturgo David Benavente bajo la dirección de Raúl Osorio.

Se trata de una pieza que respeta el original aunque contempla algunos guiños al presente, sin embargo son tan sutiles que no se transgrede el sentido del texto. Lo más importante es que presenta una frescura que permite al espectador identificarse con las protagonistas gracias a la labor realizada por el Taller de Investigación Teatral al trabajar con pobladoras a finales de la década de los ‘70 con el fin de dar mayor consistencia a la obra que Benavente escribiría.

Tres Marías y una Rosa cuenta la historia de cuatro mujeres reunidas en torno al arte de las arpilleras, quienes laboran estas artesanías para exportar al extranjero hasta que la petición del párroco del barrio las lleva a plasmar sus ideas en un lienzo de gran tamaño.

Los temas del montaje, que contó con la aprobación del público en los años ‘80, son los mismos que nos hacen vibrar como sociedad actualmente: el trabajo, el abuso a la mujer, la pobreza, la imagen de Chile en el extranjero, la mujer como madre de familia y sustento único del hogar. Las tres Marías junto a Rosa representan a miles de mujeres de esfuerzo que hoy podemos reconocer en los campamentos y en las villas que poblan el país de norte a sur.

La puesta en escena recrea el refugio de las artistas, el patio de una casa de campamento con un tambor de donde extraen el agua y un tendal para secar la ropa. Allí llegan para contar sus penas y también para depositar la esperanza en un mejor futuro. Bajo las órdenes de Maruja, se articula el taller que da vida a las arpilleras y que representa el único ingreso económico para llevar a sus familias.

Las cuatro protagonistas, Cecilia Cucurella, Priscilla Huaico, Catalina Bianchi y Javiera Osorio, brillan sobre el escenario en las pieles de sus personajes dándoles un carácter complejo que rescata el humor interno de cada una, su mirada acerca de la vida y la fe que pronto podrán surgir con sus familias.

Este estreno nos recuerda la versión que el Teatro Nacional Chileno hizo de La Remolienda en el invierno del año 2007. En aquel entonces, así como ahora, el público se dejó encantar por las actuaciones y la puesta en escena, apreciando el valor de las artes escénicas nacionales.

Tres Marías y una Rosa promete ser un éxito de audiencia pues tiene todos los elementos para triunfar: un elenco perfecto, una puesta en escena grandilocuente y un pedazo de la historia de Chile más reciente que, a través del humor, logra insertarse en el corazón del país.

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Mi joven corazón idiota

2009-06-25T19:49:00.000-04:00

Por Luisa Ballentine

Un elenco de siete actores, más diseñadores gráficos y músicos, son quienes dan vida a esta epopeya cotidiana que retrata la fusión de la vida de los vecinos de un edificio un día cualquiera y cómo sus vidas cambiarán a partir de entonces. Se trata de Mi joven corazón idiota, una obra de Anja Hilling, quien exhibe una dramaturgia ágil, precisa, utilizando un narrador para hilar a los personajes entre sí.

En esta cuarta temporada, la compañía Niños Prodigio bajo la dirección de Francisca Bernardi, quien es también la adaptadora del texto, se encuentra en su punto más alto del trabajo teatral, especialmente en lo relativo a coordinación y precisión de la vertiginosa puesta en escena.

Mi joven corazón idiota es un montaje que se construye en directo a través de su escenografía, un recurso mágico que se proyecta por cuatro máquinas que en tiempo real reproducen los ambientes en que los personajes se desenvuelven. Todo de la mano de la música en vivo que aporta grandemente a la articulación de las distintas escenas.

Como grupo, la compañía Niños Prodigio destaca en su totalidad. El trabajo individual de cada uno de sus integrantes contribuye a la construcción de la gran sinfonía que el espectador observa y escucha. Las actuaciones, así como las ilustraciones gráficas del momento, están exactamente donde tienen que estar y cumplen a cabalidad el objetivo de dar vida a una obra diferente y contemporánea.

Por algo Mi joven corazón idiota continúa presentándose y llenando las salas, pues tiene credenciales más que suficientes para encantar a todo tipo de espectador y generar una visión fresca acerca de lo que puede ofrecer el teatro emergente.

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Brams o la komedia de los herrores

2009-06-14T18:09:00.000-04:00

Por Luisa Ballentine

La reinaugurada sala Chucre Manzur acierta nuevamente con su programación al montar en nuestro país la obra Brams o la komedia de los herrores, un montaje catalán que data de la década de los ‘80 y cuyo éxito llega por primera vez a Chile.

Bajo la dirección de Ciscu Margenat, la compañía La Tina Mericana presenta una historia acerca del teatro en el formato de la comedia de equivocaciones. El primer actor, quien además es el adaptador de la obra, dueño de la sala y protagonista, se ve en problemas al perder a su compañero en escena a tan sólo dos días del estreno, lo que lo llevará a trabajar con un muy poco capacitado “profesional” de las artes teatrales.

Miguel Bregante y Diego Hinojosa son quienes dan vida a los personajes exhibiendo un histrionismo y una capacidad física y vocal que impresionan al espectador. Su desempeño actoral va más allá de lo ordinario y permite apreciar brillantes momentos de entrega que sacan aplausos a lo largo de toda la obra.

La trama de teatro sobre el teatro, que cada cierto tiempo aparece en cartelera, esta vez está repleta de humor. Desde el comienzo hasta el final, los observadores ríen a carcajadas y atónitos por lo que están presenciando. No sólo por los enredos entre el primer actor que tata de hacer entender al cada vez más idiota segundo actor, qué es lo que debe hacer, sino porque las caracterizaciones de ambos personajes son perfectas y sólo permiten reacciones de asombro y admiración.

En un principio, la puesta en escena es sencilla y se vale de los personajes más algunos vestuarios, sin embargo hacia el final aparece una escenografía elaborada que recrea un castillo y un bosque medievales en los que transcurre la odisea del rey y su vasallo por batir al enemigo.

El montaje sería igual de perfecto si estos elementos finales no estuvieran, pues la capacidad de los intérpretes llena los espacios completamente. Sin embargo, el hecho de que se incluya un gran montaje dentro de una comedia que se sustenta en su texto y sus actores, habla de la importancia que existe en el hacer teatro en toda su extensión. Si bien las buenas obras que se basan únicamente en quienes las caracterizan son un éxito porque consiguen trascender la ambientación física y el espectador puede imaginarla; este recurso es un mérito de la compañía al optar por ir más allá de lo que funciona y agregar elementos que complementan la puesta en escena y la enriquecen. Sin ser imprescindibles, muestran respeto por el espectador al brindarle la mayor cantidad de claves posibles para compartir con ellos lo que el discurso señala.

Si la programación de Chucre Manzur, administrada por el Colectivo Teatral Mamut, sigue esta senda, hay grandes cosas que esperar de su gestión durante lo que queda del año.

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Rosa de dos aromas

2009-06-09T12:52:00.000-04:00

Por Luisa Ballentine

Dos mujeres reunidas en la sala de espera de una cárcel. Ésta es la escena que da inicio a Rosa de dos aromas, montaje de la compañía Teatro en marcha que, bajo la dirección de Ulises Salinas, recrea la historia de unas extrañas que comienzan a relacionarse cuando descubren que visitan al mismo hombre.

Una de ellas es la esposa. La otra la amante. Ambas tienen hijos del ausente que se encuentra recluido por motivos poco decorosos y toman una decisión cuestionable de la que no quedan claros todos sus fundamentos: reunir el dinero para sacarlo de la celda.

A pesar del engaño y de la vida paralela que descubren, Marlén y Gabriela conservan algo que las impulsa a buscar el modo de liberar a su traicionero amor, descubriendo en el camino, entre medio de rifas y pollas para juntar las monedas, que la amistad que comienza a unirlas se torna cada vez más importante.

Rosa de dos amores retrata la realidad del amor mal entendido, la necesidad y la obsesión que a veces los seres humanos exhiben cuando se sienten enamorados. Pone de manifiesto que aunque la cordura y la razón dictaminen que abandonar a ese hombre es lo que se debe hacer, muchas veces el camino escogido es otro. Los justificativos abundan: los niños, el miedo a la soledad, la dependencia económica. Mil y una excusas para no hacer lo que se debe hacer. Ésta es la ruta que transitan Marlén y Gabriela, aunque el final dará a conocer la verdadera intención del destino que ha unido a estas mujeres.

La puesta en escena es limpia y creativa. Se resuelve con paneles que determinan los tres ambientes principales: la oficina de Gabriela, la peluquería de Marlén y el café en que se juntan a discutir la suerte de ellas y del traidor. Las transiciones entre una escena y otra son claras y dan espacio para que ambos personajes se desarrollen de manera completa dejando ver las notables diferencias de sus personalidades, aunque ambas poseen el mismo corazón honesto y herido.

La compañía Teatro en marcha se la juega por un relato sencillo que pone de manifiesto grandes temas como el amor, la traición, la crisis y la amistad. Son los temas de siempre, las búsquedas incansables que no cesan y que siempre nos traen a la memoria momentos de nuestras propias vidas. Por todo ello, el mayor rescate del colectivo es ése: permitir que el espectador se observe en un espejo y descubra sus propios engaños y caminos erróneos... así como la salvación en el último minuto.

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Mi dios es vacío

2009-06-09T12:43:00.000-04:00

Por Luisa Ballentine

Los textos de Raúl Zurita fueron la inspiración de Claudio Riveros, director y dramaturgo, para realizar Mi dios es vacío, montaje protagonizado por Claudia Cabezas, Pedro Jiménez y Ernesto Orellana.

Se trata de una obra intensa para sus intérpretes, quienes deben transitar por las emociones que provocan la tortura, el exilio, la soledad y el no saber dónde han ido a parar tantos amigos... tantos amores.

La puesta en escena recrea la ribera del río Mapocho en una noche de toque de queda. Una mujer y un hombre se encuentran para paliar el frío de la vida de aquel entonces. Otro hombre, lejos de sus conciencias, juega distintos roles que buscan dar cuenta de los espíritus inquietos que se han reunido, develando hacia el final una identidad conocida para el protagonista.

La personificación de un joven Zurita que da la pelea por la vida desde su trinchera como poeta, como esclavo de la escritura, resulta conmovedora y se toma las licencias justas para hacer un personaje atractivo en la escena teatral.

El ambiente que recrea el montaje es opresivo, angustiante y está siempre a la espera de la aparición de algún espíritu que arruine la falsa paz. La noche aprisiona a los personajes con sus garras, el farol es insuficiente para iluminar sus sueños pues todos están rotos. Han perdido la perspectiva de futuro y sólo tienen el pasado. Están destruidos, con una historia profunda que se retrata a la perfección sobre el escenario. Se percibe su carácter y aquello que omite el relato se aprecia a través de su interpretación.

La culminación de Mi dios es vacío trae consigo el momento más alto de la obra porque fusiona el protagonismo de Zurita, con sus palabras y la inmortalización del instante pasado para hacer un salto al presente y permitir dar un vistazo a esta figura clave de las artes nacionales y la resistencia contra la dictadura.

Este trabajo no sólo está basado en la obra del poeta, como pregona en su publicidad, sino que es un homenaje a él y al sustento de sus letras. Un homenaje muy bien logrado, muy emotivo, que no tiene excesos ni carencias.

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Isabel Sandoval Modas

2009-06-09T12:41:00.001-04:00

Por Luisa Ballentine

La compañía Geografía Teatral rescata esta obra original de Armando Moock, a través de una versión libre que indaga en la visión del trabajo como sustento no sólo económico, sino también moral de la familia chilena.

La historia gira en torno a la necesidad del hijo menor de doña Isabel, modista del barrio, de salir del núcleo materno en busca de aprobación social fuera de su contexto. Es esta decisión la que genera el conflicto de los personajes, quienes se debaten entre el arribismo del joven y la legitimidad de su deseo.

La puesta en escena de Isabel Sandoval Modas recrea una casa acondicionada para ser taller de costura. Las máquinas de coser en el medio funcionan remarcando la idea central de la obra: trabajar para vivir; las mujeres no pueden descansar mientras hilvanan las prendas que usarán las clientas de la clase alta, una de las cuales no deja de impactarse ante la precariedad del hogar-factoría.

Las preguntas que genera este montaje del año 1915, siguen aún vigentes y plantean el rol de la familia en la sociedad, la lucha de las clases, la visión del trabajo como una ética a perpetuar y el educado versus el obrero. Es interesante el contraste que en este sentido se observa, pues mientras uno de los hermanos escala poco a poco laborando en un taller mecánico, el otro se dedica al estudio del derecho y la poesía, poniendo en jaque a su familia por la escasez de recursos.

¿De quién es la decisión de estudiar o trabajar? ¿De los hijos? ¿De los padres? En términos de ética laboral, ¿es más valioso tener las manos sucias de grasa por los engranajes que redactar versos en papeles rotos?

Las preguntas quedan hechas y ésa es la reflexión con la que el público se queda. Si bien el final parece dar una respuesta y mostrar la inclinación del texto acerca de estos cuestionamientos, la percepción es más amplia y da para el debate.

Un buen rescate de la compañía Geografía Teatral que trae de regreso a uno de los dramaturgos nacionales de comienzos del siglo XX, reviviendo su pensamiento y demostrando que sigue vigente.

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Ensayo sobre tío Vania

2009-04-02T12:51:00.000-04:00

Por Luisa Ballentine

Basado en la obra “Tío Vania” de Antón Chéjov, el director Iván Parra lleva a escena este inspirado montaje que actualiza el clásico gracias a su espíritu atemporal que lo hace imperecedero.

Ensayo sobre tío Vania es una propuesta fresca ejecutada por jóvenes actores que encarnan personajes de definido carácter donde es claro el rol de cada uno ante la figura del profesor que ha hecho sucumbir las vidas de todos ellos ante la suya.

Es una rebelión interna que nunca termina de concretarse. El deseo de lograr cosas imposibles, una amada, un reconocimiento, fama, fortuna. La decadencia de vivir en torno al trabajo de otro anhelando lo que posee sin poder arrebatarlo para sí mismo. Ése es tío Vania, el protagonista que ha vivido a la sombra y que es presa de la locura como única salida a su encierro personal.

Una de las salas del Museo de Arte Contemporáneo de Matucana es la que recibe esta obra. Se trata de un espacio poco convencional al que la compañía debió adaptarse, por lo que la creatividad en el uso de la iluminación y la música es la única herramienta posible de ocupar en un espacio que sólo brinda lo que brindaría cualquier living.

Sin embargo, a pesar de que las luces y los sonidos despliegan su arte en muy pocos momentos, el efecto de la lluvia atravesando los jardines que se evocan desde la sala, permite situar al espectador, desde un caluroso marzo, en el invierno cruel que ha adormecido las personalidades de quienes intentan sobrevivirlo. Es un recurso que cautiva y que eleva la puesta en escena a un nivel más alto de producción, logrando conquistar la necesidad del observador de sentirse de la escena.

Si bien la duración de Ensayo sobre tío Vania se eleva sobre la hora y media, el tránsito es ágil, los actos están bien marcados y es posible disfrutarla sin sentir el tedio del tiempo en una obra clásica, cuyo desarrollo suele ser más lento de lo aconsejado para nuestros tiempos.

Bien por el joven elenco que exhibe gran talento y preparación en el escenario, bien por el rescate de este clásico y por la creatividad con que se resuelve la ausencia de un espacio técnico ideado para el teatro. Un gran logro del teatro que podemos observar por estos días.

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Chile Bi-200

2009-03-24T13:05:00.001-04:00

Por Luisa Ballentine

Chile Bi-200 es la propuesta de Ramón Grifffero para conmemorar el bicentenario de nuestro país desde el punto de vista de las artes escénicas. Para ello, además de apelar al sentimiento patriota, recurre a la recreación de obras dramatúrgicas escritas entre 1810 y 1900.

Se trata de “Camila, la patriota de Sudamérica” de Camilo Henríquez, “La independencia de Chile” de José Antonio Torres, “La batalla de Tarapacá” de Carlos Segundo Lathrop y “La República de Jauja” de Juan Rafael Allende, las que se articulan a través de referencias claras hacia la independencia de América, luego la de Chile, la infaltable beligerancia que nos caracteriza cuando se trata de describir nuestra relación con Perú, y el modelo de corrupción política que nos quiere hacer creer que éste es un país donde reina la fiesta, cuando la realidad es que no se respeta la esencia del ser humano ni su verdad de existir.

Se exalta el valor guerrero al mismo tiempo que se critica la política que siguió los pasos de la independencia. Manuel Rodríguez y sus valientes apelan a los grandes nombres históricos que hoy nos llegan en forma de textos escolares con fotos de televisión.

Chile Bi-200 es una pequeña epopeya que pretende resumir en una hora y 45 minutos, la existencia de estas obras que, probablemente, no son de conocimiento masivo. De la mano de un joven elenco salido de la pantalla chica, se articulan historias que dan una mirada al Chile que siempre ha buscado una identidad propia. Y a pesar de que los fragmentos no permiten conocer de lleno las intenciones de cada autor, la puesta en escena logra dar cuenta de cuatro momentos que en principio son diferentes, pero que están llenos del mismo espíritu que impulsa a un pueblo a darlo todo o a resignarse después de siglos de batallas.

El vestuario pone de manifiesto el cruce entre el pasado y la actualidad. Los héroes de guerra rockeros que nos presenta el director, con sus chaquetas de cuero y sus poleras iluminadas, son eso: rock, juventud desatada y rebelde, juventud que conquistó en los comienzos del 1800, la libertad para ésta y otras naciones. Del mismo modo, la caracterización obrera sigue fielmente el imaginario colectivo de los grises, tonalidad uniforme que encasilla al mismo tiempo que borra cualquier noción de individualidad de los hombres y mujeres que trabajan en Chile... o en cualquier otra parte del mundo.

La historia es siempre compartida. Al inicio con los hermanos de las naciones americanas, sumergidos en la misma lucha por el destierro del español. Primero desde las raíces indígenas y luego desde las armas. Todo para derivar en otro modelo extranjero que se inserta, globalizado, como si fuera nacido desde las entrañas de cada pueblo.

Chile Bi-200 es esa mirada que muestra evolución y estancamiento. Que alaba el valor patriótico para luego preguntarse en dónde terminó esa historia y qué Chile es el Chile del bicentenario. Se rinde tributo a la dramaturgia de nuestros orígenes para terminar en la reflexión obligada: los temas de ayer y de hoy son los mismos; sólo cambia el escenario y las tecnologías.

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Lo justo

2008-10-20T23:10:00.000-03:00

Por Luisa Ballentine

El tema de la justicia es el escogido por la compañía Merry Melodies para dar vida a su nuevo montaje, una pieza con autoría y dirección de María José Galleguillos que pone en escena las traiciones de dos parejas marcadas por la invocación de las leyes y las cosas no dichas.

El elenco compuesto por Nicolás Fontaine, Andrea Franco, Larissa Contreras y Carlos Díaz, recrea los estereotipos de abogados unidos por el personaje de Verónica, hermana, esposa y cuñada de todos ellos, ajena al mundo del derecho. Es justamente ella quien desata las acciones, tras separarse de su marido y sembrar, en Connie, el deseo de vengarse legalmente del hombre que hace sufrir a su familia, quitándole la mayor cantidad de bienes y dinero posible.

De todos ellos, el carácter mejor logrado es el que interpreta Fontaine, quien consigue construir a un hombre misterioso, ambivalente y poco resuelto, por cuya cabeza parecen pasar muchas más ideas de las que es capaz de dar a conocer, mostrando matices y contradicciones que lo humanizan. Lejos de la estridencia del resto de los rostros sobre el escenario, este personaje lleva a quien observa hacia su proceso de introspección y enajenación de lo que ocurre en lo que representa el living de la casa.

Paralelamente a la acción central, la historia se empalma con los detalles legales del caso Spiniak, incluyendo el escándalo del Juez Calvo de por medio y el rol de la prensa. No es tan claro el por qué de este recurso e incluso le resta universalidad al relato, por situarlo en un contexto extremadamente localista donde si no se estuvo informado en su momento, simplemente no hay conexión alguna con las referencias hechas.

La escenografía propone distintos usos para los elementos. Hay un sillón colgante que funciona como cama debajo del cual se aprecia una suerte de piscina que hacia el final de la obra permitirá vivir un gran momento visual. Asimismo se dispone de un bar y de un espacio que funciona indistintamente para localizar la cocina y el baño. Los colores apelan a la neutralidad con sólo algunos toques disonantes de rojo, mientras que la iluminación hace lo suyo enmarcando los distintos momentos emotivos.

El resultado final de Lo justo pone de manifiesto los estragos de la falta de comunicación y de las decisiones equivocadas del pasado. Se aprecia una búsqueda interpretativa que se va desarrollando hacia el final de la obra y una escritura interesante de la que se pueden rescatar muchos buenos aspectos.

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La muerte de un vendedor

2008-10-13T23:09:00.000-03:00

Por Luisa Ballentine

Ser vendedor es todo lo que tiene Willy en la vida. Ir de ciudad en ciudad ofreciendo productos y ganando las mejores recaudaciones, es lo que lo mantiene en pie y al mismo tiempo lo que derrumba cuando la edad irrumpe en la cotidianidad de este hombre de familia.

La muerte de un vendedor es una obra de Arthur Miller que el Teatro Nacional Chileno lleva a escena bajo la dirección de Raúl Osorio y con la actuación protagónica de Óscar Hernández. Es una mirada al temprano siglo XX que refleja no sólo aquella época sino también la actual. Una lucha conjunta por salir adelante de la mano del padre y sus dos hijos, quienes desean la tranquilidad económica y la independencia de un trabajo exitoso, pero que combaten contra sus anhelos personales de libertad.

La escenografía simula una casa y también permite crear otros espacios como oficinas y restaurantes, otorgando una versatilidad útil al momento de situar al espectador en los ambientes en que se mueve la familia. Junto a ellos hay una serie de personajes que, siendo secundarios, influyen de manera importante en el tránsito que se establece, especialmente entre la relación de Willy y su hijo Biff, quienes se enfrentan ante los hechos de sus vidas, donde conviven la traición, el suicidio y la vergüenza, matizados por el silencio.

El elenco es sólido y presenta personajes potentes a través de actuaciones bien logradas donde los jóvenes se lucen tanto como los más experimentados. Las luces acompañan el relato desquiciado de Willy haciéndolo transitar desde el presente al pasado con el sonido de fondo de una particular música que aparece cuando comienza el trance. Así se describe la historia de esta familia, desde los buenos tiempos hacia el final de la vida del vendedor que ve frustrados sus sueños y a sí mismo.

La muerte de un vendedor narra, tal como lo indica su nombre, el derrumbe de un ser humano, el momento último, la mezcla de sentimientos y melancolía que, llegado cierto momento, se hace irresistible y fatal. Es una crítica al modelo económico y a la sociedad que pone sobre los hombros de sus ciudadanos, el peso del estereotipo del éxito que señala qué es la felicidad y cómo se obtiene, poniendo como telón de fondo el color verde de los dólares y marcando un destino que lleva a todo lo contrario: soledad, angustia y pobreza espiritual.

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Niñas araña

2008-09-09T12:37:00.001-04:00

Por Luisa Ballentine

Cargada de actualidad y casi como una declaración de principios dramatúrgicos, Luis Barrales entrega el poderoso texto de la obra Niñas araña, un montaje profundo que rescata la noticia que tuvo en portada a estas adolescentes aficionadas a escalar edificios en el barrio alto.

Bajo la dirección de Daniela Aguayo, se logra configurar una historia potente, repleta de signos sobre la marginalidad, pero también sobre los sueños, las desilusiones y un poco sobre la ingenuidad infantil de algunos deseos que las Niñas araña quieren hacer realidad.

Más allá de la pretensión por ser algo distinto, las tres amigas anhelan convertir el negro futuro que se cierne sobre sus cabezas, en otra cosa. Poder ver todo como si se tratara de un juego de luces y dejar de cargar con el resentimiento hacia los que, supuestamente, han tenido mejor fortuna.

La escenografía emula la cima de un edificio desde donde Yasna, Nicole y Elizabeth quieren asir la ciudad en sus ojos. Una iluminación perfecta las acompaña en esta misión, al igual que la música, a ratos reguetón y a ratos mazapán, mostrando la dicotomía de estas mentes en formación que ya parecen haber optado por su camino de una vez y para siempre.

Las actuaciones emocionan, hacen reír, conmueven en todo momento, especialmente el personaje de Yasna, que se roba la obra desde el comienzo. Las tres actrices en escena dan vida a caracteres concretos, pero llenos de matices, llenos de contradicciones, de dudas, de temores, donde esas niñas de 15 años parecen mujeres adultas que cargan panzas embarazadas, pero que al mismo tiempo se pelean entre sí por la comida o por cuándo es el momento exacto para dar la cara en la televisión.

Menos atormentada que Hans Pozo, anterior trabajo de Luis Barrales, esta obra sigue algunos procesos estéticos similares como la rima que emula un constante canto de protesta contra la sociedad que margina. Es una mirada más íntima a las almas de las protagonistas, más introspectiva pero igual de dramática. En una historia donde no hay partes del cuerpo cercenadas que aparecen en los parques, la compañía pone en escena lo terrible de una vida mísera, sin oportunidades, donde quizás no haya sangre corriendo por los ríos, pero donde sí se muere un poco cada día.

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Temporal

2008-09-01T11:34:00.000-04:00

Por Luisa Ballentine

Basado en la obra El zoológico de cristal de Tennessee Williams, Temporal es un relato sencillo que la compañía Niño Proletario lleva a escena tomando como punto de partida la necesidad de una madre de asegurar el futuro de su hija, una joven sin trabajo ni ambiciones que además posee un defecto físico: cojea.

Con gran agilidad, los tres personajes centrales, donde también es posible identificar al hermano, dan a conocer rápidamente los conflictos de la historia, que tienen su punto más importante en el deseo de Tomás de abandonar la casa e ir en busca de un destino como el de su padre alcohólico. Un pasaporte será la llave de entrada a ese mundo que él imagina mejor.

A pesar de las diferencias de esta familia, los tres son capaces de coincidir en un objetivo: buscar un candidato matrimonial para Laura, la hija coja, que pueda mantenerla y darle una vida digna. Es entonces cuando aparece en escena Fritz, quien detonará el desenlace de este particular drama.

La escenografía de Temporal es acuciosa, detallada y bien lograda. Representa a la perfección un departamento de clase de media donde a veces no hay lugar para todos. Música hay poca y los recursos sonoros que se utilizan para situar al espectador en las diferentes horas del día, están dados por grabaciones de radiales y de programas de televisión. Sin embargo la iluminación es la que mejor cumple esta función, marcando claramente la mañana, el atardecer y la noche.

Las actuaciones son el otro acierto de esta obra, donde cada artista consigue el objetivo de caracterizar a su personaje. En este despliegue es Diana Sanz quien más destaca, otorgando peso escénico y además permitiendo ver la interacción de dos generaciones en un mismo espacio, alimentándose mutuamente y exhibiendo una obra de calidad altamente recomendable y muy cercana al público.

Consulta la cartelera teatral de Santiago en www.soloteatro.cl

Perder

2008-08-20T14:33:00.000-04:00

Por Luisa Ballentine

Perder cuenta la historia de una familia poco tradicional en los años 50. El padre, la hija y la madrastra son los ejes de esta sátira al modo convencional de vivir, que pone énfasis en la crueldad que pueden enfrentar los más pequeños cuando los adultos tienen dramas pendientes y no son del todo felices.

En este cuadro de insultos y ninguneos, aparece un nuevo personaje que agita la intranquila vida de esta casa, se trata de la verdadera madre de la hija que regresa desde el Polo Norte a recuperar algo que no se sabe bien qué es.

En medio de los reproches mutuos, de los celos entre las mujeres y del abandono que sufre la hija a su suerte; aparecen guiños al comienzo de la publicidad en esta época, con referencias claras a los productos que incluso llegan a tener dentro del elenco al conocido oso de la Coca Cola, que desatará una de las escenas más graciosas de la obra cuando el padre intente descubrir cuál es el ingrediente secreto al que es alérgico.

Así se configura esta burla a ciertos estilos de vida y a la promesa publicitaria de la familia feliz y los peinados encopetados. Tras las puertas de cada casa lo que se vive es muy distinto a lo que plantean los estereotipos.

El espacio que ofrece Coartre para esta obra es una pequeña sala con capacidad para 12 personas. Esto permite que el ambiente de intimidad y cercanía que el público experimenta con los personajes, genere una participación cómplice que marca la silenciosa interacción entre quienes están en escena y quienes participan observando.

La puesta en escena evoca el comedor de una casa. La musicalización está a cargo de los mismos personajes que se acercan a un equipo para sonorizar los distintos momentos de la obra. Exactamente lo mismo pasa con las luces.

Perder, en suma, grafica el momento de derrumbe de la convivencia, las prioridades erróneas de una familia, los discursos prefabricados y lo irrecuperable de todo una vez que se han cruzado ciertos límites. Nada es tan importante como el propio yo, y asimismo es como todo se pierde.

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La omisión de la familia Coleman

2008-08-12T01:39:00.000-04:00

Por Luisa Ballentine

Se convirtió en todo un suceso durante el pasado Festival Santiago a Mil, y ahora regresa con una nueva temporada en el Centro Mori.

La omisión de la familia Coleman es una obra que pone en evidencia al núcleo disfuncional que caracteriza nuestras sociedades. No es un retrato de un país en particular, es la mirada íntima a todo lo que se da en las relaciones humanas, y que nos avergüenza reconocer.

Con la venia de la crítica tanto argentina como chilena, y de la mano de notables actuaciones en todos sus personajes, el montaje incomoda a través de la presentación de estereotipos claramente identificables en la vida cotidiana de todos: una madre loca, un hermano enfermo, una extravagante abuela, un par de hermanos desquiciados y una hija ingrata con mejor pasar económico que todos sus parientes.

La omisión es lo que ronda todos los sucesos anecdóticos que sólo vienen a plasmar las carencias particulares de cada persona. Ya sea que se omitan los sentimientos, las realidades, las verdades... culmina todo en la farsa montada para hacer creer que se es lo que no se es. Tan simple y complejo como eso.

En Buenos Aires, La omisión de la familia Coleman se presentó en una casa; sin embargo la compañía, bajo la dirección de Claudio Tolcachir, ha sabido adaptarse a diversos escenarios donde no es posible disponer de un lugar tan idóneo como una residencia real.

En tono de humor y apelando a una historia inteligente, rápida, divertida y sencilla, este montaje es una fotografía de los conflictos de comunicación de la familia moderna y su deterioro a lo largo de los años. Un trabajo ingenioso, sin grandes recursos escénicos, que tiene a su favor la potencia de una dramaturgia exquisita y algunas de las mejores actuaciones conjuntas del teatro contemporáneo que llega hasta nuestras salas.

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Ganas de matar

2008-08-03T16:41:00.001-04:00

Por Luisa Ballentine

El título de esta obra resume a la perfección lo que sus personajes tienen en común: ganas de matar. De matarse a ellos mismos, a los otros, a la vida, al amor... No importa el objetivo, importa la intención de acabar de raíz con alguno de los tantos tormentos que exhiben.

Se trata de un grupo de amigos reunidos en una noche de fin de semana que hacen lo posible por capear la realidad de marginalidad que los marca: ya sea por la negativa a permitirles el ingreso a la discoteque o por su mala suerte en las relaciones de pareja, de un modo u otro están en los márgenes de su propia existencia y apenas pueden convivir entre ellos mismos.

Las disputas por el poder son claras, por imponer la voluntad propia o un modo de mirar el mundo injusto que ataca a cada hombre y mujer de distinta manera.

Con actuaciones precisas y, en el caso del elenco masculino, destacadas y de gran valor dramático; este montaje, narrado en clave urbana y con referencias a distintos tipos estéticos desde el vestuario, la música y la iluminación, tiene entre sus particularidades la elección de un lugar emergente para la realización de su temporada de un mes: Factoría Espacio Arte.

Este sitio, orientado a la música y las artes escénicas, es una interesante plataforma para las compañías jóvenes que se encuentran en la búsqueda de una oportunidad para mostrar su trabajo. Las condiciones técnicas son básicas, pero permiten montar desde la creatividad sin inconvenientes, y además se produce la sinergia entre las artes con la recepción musical que se da los espectadores mientras esperan el siempre largo período entre la llegada a la sala y la apertura de puertas.

Si bien los conflictos que expresa Ganas de matar no siempre llegan a consolidar una historia narrativa clara, se aprecia la esencia de lo que sustenta al montaje, permitiendo llegar al clímax de las ansias por asesinar y matizando, como cualquier existencia real, el peso de la vida con la dosis justa de humor que tiene el ser humano impregnada desde siempre.

Un buen trabajo de un colectivo joven donde se aprecian roles logrados que de seguro pondrán a estos actores en el radar teatral santiaguino.

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Al fondo del paraíso

2008-07-28T21:54:00.001-04:00

Por Luisa Ballentine

Una película que jamás comienza es lo que reúne a los viejos compañeros de escuela, Arce y Tolosa, desvencijados personajes que comparten un pasado no sólo estudiantil, sino también el amor por una mujer, y que se encuentran tras varios años en la localidad Paraíso del cine República.

Ambos cargan consigo el peso de los años y los fracasos, los recuerdos y la necesidad de aferrarse a los antiguos enclaves de felicidad que alguna vez lo fueron todo: como un programa triple de películas en blanco y negro que amenaza con otorgarles un momento de evasión para vivir las historias de otro en la pantalla.

Al fondo del paraíso, con autoría y dirección de Mario Valdovinos, presenta dos ejemplos vivaces del país al que estamos acostumbrados: un Chile de segundos lugares, donde todo siempre está a punto de suceder, pero se escapa por entre las “puntadas” que nos hacen doblarnos en dos sobre el abdomen y caer hasta lo más bajo del suelo.

Lo que a ratos parece ser el rollo de la cinta pronta a comenzar, termina por ceder ante la realidad inefable de la violencia en las afueras. La violencia militar quizás, o el simple enfrentamiento por erradicar este cine República para darle algún destino desconocido que borre de él toda gloria pasada.

La escenografía permite sentirse dentro de lo que alguna vez fue un gran especio para el séptimo arte. Evoca los viejos colosos de calle Huérfanos con sus balcones arquitectónicamente decorados y esas butacas de madera que fueron reemplazando los sillones de terciopelo suave y luego gastado que ya casi no se usan.

Este montaje posee un ritmo adecuado a la historia que está sobre el escenario: la existencia que se deja vencer y mutila, poco a poco, a la memoria. Es un tránsito lento de despedida en el que las luces, si bien requieren una precisión aún más acabada, contribuyen a marcar los estados de ensoñación, realidad y anhelo que manifiestan los personajes.

Al fondo del paraíso es un retrato en sepia, pero al mismo tiempo un vistazo decadente surgido del apego al pasado, de la imposibilidad de continuar, de quedarse pegado en el recuerdo de muchas mujeres y de una en especial. Es todo lo que pudo ser, y que sin embargo exhibe un presente desfalleciente, donde ya no hay películas, ni terciopelo ni público que se pelee por las ubicaciones. Es, quizás, un ex paraíso. O tal vez simplemente un lugar tan viejo como sus protagonistas, y tan aferrado a permanecer a pesar del quiebre natural de la vida y de los años, que da pena... pero que resiste.

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Cuerpo Quebrado

2008-07-20T21:58:00.000-04:00

Por Luisa Ballentine

Desde el primer instante, esta pieza representante de la danza-teatro, impacta al espectador y lo quita de sus “zonas seguras” haciéndolo transitar por el recuerdo y el dolor de la memoria, por esa deuda eterna de Chile con todos quienes sufrieron por la dictadura.

Cuerpo quebrado es más que un discurso contra la política de la represión militar, pues se centra en los horrores vividos por tres mujeres que encarnan a todas aquellas embarazadas que perdieron la vida o desaparecieron, perdiendo con ello a sus hijos en gestación.

Las únicas voces que se escuchan durante el montaje, son las de niños que claman por sus madres. En escena, tres cuerpos femeninos se quiebran constantemente mientras la figura masculina del hijo ausente y partícipe del dolor, se resquebraja con cada una de las vibraciones maternas bajo los efectos de los choques eléctricos o los golpes.

Gracias a la utilización de los recursos audiovisuales es posible situarse en distintos momentos por los que transita la obra, yendo desde la ceguera hasta la muerte en medio del mar.

Protagonistas importantes de Cuerpo quebrado, son las iluminación y el sonido. En un trabajo impecable, se observa un aporte importante de ambos elementos a la construcción de la emoción necesaria para dar cuenta de la pérdida de lo humano en tiempos dictatoriales. Lo mismo el vestuario, que interpreta la historia escrita y también lo que no se alcanzó a plasmar en la vida de estas tres mujeres.

No hay un relato convencional, no hay diálogos, y la danza no es meramente coreográfica. En esta disciplina se funde la capacidad del cuerpo de contar lo que le es propio a través de los movimientos y los gestos, sin la necesidad de utilizar la palabra hablada, pero sin duda transmitiendo un raudal de emociones que no dejarán a nadie indiferente.

Cuerpo quebrado vale la pena por esa cantidad de información que fluye a través de los ojos y oídos del espectador, y porque se trata del trabajo de un colectivo emergente que ha construido un trabajo notable marcado por el dolor y la tragedia, pero convertido en belleza sobre las tablas.

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La casa de dios

2008-07-18T22:01:00.000-04:00

Por Luisa Ballentine

La obra ganadora de la décimo tercera Muestra Nacional de Dramaturgia, llega con una pequeña temporada a Teatro Camino. Se trata de “La casa de dios” de Marco Antonio de la Parra, quien continúa ahondando temas como la locura, el desarraigo y la necesidad de pertenencia de los seres humanos en medio de un ambiente hostil.

Esta vez el contexto es la guerra. Una guerra de la que no se tienen muchas noticias y que se escucha a lo lejos desde la habitación de un hospital siquiátrico. Aquí llega toda la tipología que pueda describirse en el estudio de los trastornos de la mente, obligando a convivir a los suicidas con los esquizofrénicos en una ensalada perfectamente ensamblada de caracteres disímiles que comparten el sueño de la libertad. Una libertad referida no sólo a las paredes, sino también a la cabeza.

Paly García, en dirección, da vida a un montaje donde la escena colectiva predomina por sobre las individualidades. Ya desde el comienzo, donde es posible apreciar las camas y el ambiente de encierro sanitario, se prevé un momento único donde en contadas ocasiones será posible ver destellos de genialidad por parte de los enfermos.

La elección del elenco denota otra acertada decisión directiva, pues se encuentra equilibrado entre reconocidas figuras del teatro y los jóvenes representantes de la actuación. De ellos destacan prácticamente todos en sus respectivos roles, pero logran mayor poder en el escenario Aldo Parodi y Valentina Muhr, la única mujer en escena que interpreta un indefinido personaje desde el punto de vista sexual, con gran fuerza e histrionismo al momento de dar visa a su locura y su amor-odio por la figura de dios.

De la locura se dice casi todo: que no es tal, que nunca muere o que los que están afuera la padecen más y peor que los que están adentro. La intención, sin embargo, de de la Parra es aferrarse a la idea de su simple existencia, más allá de quienes la encarnen y del tipo de “trastorno” del que se esté hablando. Lo esencial no es, en ningún caso, lo clínico. Lo esencial es que hay quienes tienen deseos de morir y lo intentan hasta el hartazgo; lo esencial es que algunos escuchan voces que no saben de dónde provienen; lo esencial, finalmente, es que se vive atrapado dentro de uno mismo en una realidad que parece alterada y que es lo único propio de estos seres.

La iluminación es precisa, exacta; al igual que la ambientación musical que marca los instantes de este caos que representan todos los personajes hablando al mismo tiempo en el escenario. Podría parecer un desacierto de Paly García, pero acaso ¿no es así como se manifiesta la locura? En el desorden, en la inexistencia de una cordura adecuada que permita respetar los tiempos de cada persona para hablar.

Llevando esto al área de la actuación, sería el escuchar lo que dice un actor para poder intervenir tras él; pero acá no hay nada de eso. Nadie se escucha, todos se hablan simultáneamente y de un momento a otro los enfermeros son perros, son bailarinas exóticas, son figuras de la tirana que comparten con sus enfermos una cueca a la bandera.

Quizás ahí radique todo: en la locura soterrada que envuelve al Chile de hoy y que tan bien representa esta metáfora que cada cierto tiempo se pregunta: dónde está dios.

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La niña y el león

2008-07-06T22:02:00.000-04:00

Por Luisa Ballentine

¿Cómo juzgar el trabajo realizado en el teatro infantil desde la perspectiva adulta? ¿De qué modo es posible compenetrarse con ese supuesto niño interior que permitiría ejecutar tales acciones?

Quizás partir por los resultados sea una buena idea. Y si es así se puede afirmar que “La niña y el león”, trabajo de la compañía La máquina teatro, cumple con creces las expectativas de los más pequeños, que no sólo se maravillan con lo que observan en el escenario, sino que además interactúan con los personajes.

Entre ellos destaca, obviamente, el león; una criatura raptada y separada de su hermano en África, que fue a parar al zoológico de la ciudad y que pasa sus días enviando mensajes hacia el circo para poder mantener contacto con el único ser con que el posee algo en común.

La figura de la niña aparece en medio de la monotonía de la vida animal en cautiverio, otorgando frescura al relato y poniendo sobre la mesa un tema bastante importante: la separación de los padres. Esta niña, que está sola en el zoológico, ha escapado de sus padres debido a que ellos le han comunicado su decisión de separarse.

En el abordaje de esta temática radica el mayor éxito de La máquina teatro, pues no sólo se trata de ponerlo sobre la mesa, sino de lidiar con él a través de una puesta en escena colorida, con música original, que logra captar la atención de los chicos y también de los más grandes, teniendo como excusa la liberación del león en un barco que saldrá desde Valparaíso.

Se habla a los más pequeños en su propio lenguaje, con una escenografía a todas luces auspiciada por Lego, que hace aún más cercano el entorno repleto de los famosos ladrillos armables creados por esta multinacional de la juguetería; y permitiéndoles acercarse a los personajes que en todo momento bajan del escenario para interactuar, sin invadir, con el público.

Doble acierto: primero en la identificación que los niños logran con la obra, manteniendo silencio cuando corresponde, participando con sus gritos y tratando de hablar con el león; y segundo en el certero posicionamiento de la separación de los padres como un tema que debe ser abordado por las artes dirigidas a este segmento de la población.

Siempre se les podrá contar la historia de la Cenicienta con sus hermanas malvadas, pero mucho mejor si se invierten esfuerzos para dejar contenido en sus cabezas en formación. Y quizás haya sido esto lo que permitió a la compañía a adjudicarse un Fondart; merecido por todo lo mencionado, y con el desafío de extender este discurso a otras zonas de Santiago (y de Chile) para que todo tipo de niños pueda disfrutar del espectáculo, y no sólo los que tienen acceso al sector oriente de la capital.

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Hospital

2008-06-26T21:59:00.001-04:00

Por Luisa Ballentine

Una estética purista con una escenografía mínima es lo que primero que llama la atención en esta obra que ya tuvo una temporada en Lastarria 90 y que actualmente se repone en Espaciocal.

Dos hermanas prácticamente opuestas, se reúnen en la sala de espera de un hospital, aguardando por algún momento detenido en el pasado que las separó y las llevó por distintos caminos.

Tras la muerte del padre, ambas se recriminan las ausencias sin poder escapar de ese reducto blanco y rojo a veces interrumpido por la presencia de alguna enfermera; aprovechando los escasos instantes en que se permiten recordar tiempos mejores y reír juntas.

Hospital es la locación, que podría haber sido cualquier otro lugar, pero que resalta especialmente algunas cualidades humanas. El tener que mantener cierta compostura y observancia, así como guardar respeto por la institucionalidad médica, dota de cierta aura la obra que, de haber sido ubicada en otro contexto, habría requerido de una mecánica distinta en la dirección de actuación.

Las personalidades estereotipadas: la hermana contenida por un lado, y la extrovertida por otro, logran convencer y mostrar abismos más allá de lo que desean aparentar ante la otra. A eso se suma la presencia intermitente de la enfermera que trasciende la decoración y permite recordar que todo este diálogo íntimo y revelador se está dando en un lugar público, muy extremadamente público quizás, donde todo lo relativo al hombre convive mostrando casi siempre un sólo lado: la decadencia de la vida.

Los recursos son pocos, pero están bien articulados y funcionan construyendo una totalidad interesante desde el punto de vista de la puesta en escena y del discurso. Sólo un poco más de agilidad en la dramaturgia podría aportar ese extra, ese valor agregado que se echa de menos.

No hay que perder de vista que por mucho que se desee recrear la vida real minuto a minuto, el teatro es espectáculo, y el espectáculo debe crear un universo nuevo lleno de atracciones que si no están en la realidad, el artista debe hacer aparecer a como dé lugar y como por arte de magia.

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Violación

2008-06-06T22:03:00.000-04:00

Por Luisa Ballentine

Aldro Droguet ha escogido el clásico de Shakespeare “La violación de Lucrecía” para sustentar sobre él su nueva puesta en escena.

Se trata de un montaje que posee aspectos contemporáneos en términos de escenografía y propuesta audiovisual, pero que conserva el lenguaje clásico y ortodoxo del texto; lo que sumado a una acústica de sala cuestionable y a un pobre trabajo de voz en algunos de los actores, da como resultado una obra en la que no se entiende un porcentaje de lo que se dice.

A pesar de ello, las correctas actuaciones de Tuti Elisségaray (Lucrecía) y Raúl Oyarce (marido) aportan puntos altos a “Violación” que, dentro de la escena del teatro joven nacional, se alza como una puesta en escena destacada y muy por sobre la media, especialmente en lo que se refiere a nuevos modos de enfrentar la puesta en escena.

Aquí se recurre a métodos que ya pueden ser considerados como convencionales en el teatro moderno, como el uso de recursos audiovisuales, pero que son llevados más allá y pasan a construir una narrativa paralela que edifica y aporta al sentido del texto, pero que además otorga frescura a quien observa.

Respecto del contenido, aunque no hay desnudos explícitos en el montaje, la escena de la violación resulta bastante explícita y podría incomodar al espectador más convencional.

Su inclusión permite indagar en el nunca agotado debate sobre la necesariedad de incluir este tipo de momentos, que a pesar de parecer formar parte del pasado, aún resuena en las palabras de algunos que se han alzado contra este instante de la obra.

Al menos la misión de provocar a quien observa es clara y está presente y, aunque sea bueno advertir a los más sensibles, no está demás ver para luego discutir.

Estamos, al fin y al cabo, frente a una obra con altos y bajos que propone discursos más allá de las tablas. Y eso siempre es bueno.

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Mis tres hermanas

2008-04-15T22:02:00.000-04:00

Por Luisa Ballentine

Lo primero que llama la atención al entrar en la sala de Lastarria 90, es la escenografía y la iluminación que cae sobre ella. Se trata de una cocina en perspectiva, donde se desarrollará el diálogo íntimo de tres hermanas que escapan de una fiesta para compartir sus miserias y alegrías de vida.

“Mis tres hermanas” hace referencia de la relación que una madre tuvo con sus hijas, y de cómo se sintió más cercana a ellas desde la hermandad. Ellas recurren a su figura incierta a lo largo de toda la obra, sin embargo se revelará su imagen recién hacia el final, en un giro que debería presentarse desde el comienzo del montaje, para dar mayor sentido a lo que ocurre en esta pequeña cocina.

Se trata de una compañía joven que pone en escena a tres mujeres representando claros estereotipos femeninos: la dueña de casa abnegada, la ejecutiva exitosa y la estudiante rebelde; todas ellas cruzadas por conflictos con los hombres y abandonadas a su suerte sin poder asimilarlo.

En medio de este clima de confesiones, recriminaciones y recuerdos, se cuela el inmejorable diseño, que exhibe una gran factura desde la escenografía hasta los vestuarios, logrando una coherencia estética que resalta la experiencia de quien observa con los ojos de espectador lo que ocurre en el escenario.

La música, si bien es un poco errática, permite identificar los momentos de transición en la obra; aunque aquí no existe un nudo central o un conflicto que desencadene las acciones. Todo ocurre porque ocurre, simplemente, y lo que pasa parece estar gatillado por las historias previas de cada personaje, aspecto donde es central la profundización y caracterización que se tenga al construir sus estructuras de personalidad.

Es un trabajo de gente joven que alcanza buenos momentos en diseño y visualidad, rescatando ese aspecto teatral que a veces se olvida, sobretodo cuando priman los espacios vacíos y la ausencia de elementos que apoyen una puesta en escena. Aquí hay una construcción física de un lugar que permite identificar y situar lo que ocurre en un contexto claro y darle sentido. Lo que pasa es reconocible y comprensible por cualquier espectador, siendo un aporte para aquellos que se han distanciado de los discursos crípticos y poco entendibles de los que algunas dramaturgias hacen gala. Bien por eso.

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Cristo

2008-03-29T21:56:00.000-03:00

Por Luisa Ballentine

La nueva obra de la joven y destacada dramaturga Manuela Infante, lleva el nombre de Cristo y obtuvo un Fondart para su realización.

Sin embargo el trabajo que se observa sobre el escenario de Matucana 100 está lejos de indagar en la figura del llamado hijo de dios, pues su temática central es otra que se vale de él para alzarse como eje principal: la representación.

Cristo es un montaje sobre la representación. Se revuelve en la dificultad de llevar a escena algo que tantos ya han llevado, y en lo imposible que resulta la propuesta de escenificar algún momento que nadie haya hecho, con el riesgo de estar mostrando lo que nunca ocurrió en la realidad.

Se apela a la premisa de que todo ya está escrito, y en este juego los actores actúan de sí mismos tratando de asir la originalidad, pero chocando con la dificultad de serlo cuando existen tantos referentes previos sobre casi todo aquello relativo a Cristo.

La escenografía está hecha de cartón, un elemento noble que da vida a los momentos más emotivos de la obra, que se viven hacia el final de la hora y cuarenta minutos que dura, y que se acompaña de una iluminación en apariencia pobre, pero más bien precisa; pues se parte de la base de la economía de este recurso, dando mayor protagonismo al audiovisual.

En ese sentido se rompe un poco con la idea de la puesta en escena única en su momento, que sólo se vive mientras es representada y que no es igual en ninguna de sus funciones. Aquí, gran parte de la acción está previamente grabada, sin embargo es posible vivir instantes únicos cuando se comienza a aclarar la compleja historia y se devela la realidad de la obra: aunque los actores señalan que se trata de un ejercicio que demuestra el proceso fallido para hacer una obra sobre Cristo, lo cierto es que todo tiene que ver con la representación, pues incluso la seudo realidad de esa creación, ha sido “re-presentada” para el público que asiste cada noche.

Las actuaciones son sólidas y destacan por las caracterizaciones de los ancianos que dan comienzo a la historia, como también por la personificación de los atribulados jóvenes que en un momento son apóstoles y luego se convierten en marionetas de un mandato superior.

No es una obra sencilla. Aunque hay momentos de diversión y emoción muy claros, se trata de una trama más bien compleja que no cualquiera puede seguir y apreciar. Lo que sí vale la pena y es un imperdible de Cristo, sin duda alguna, recae en el final, donde se revela en su desnudez el objetivo de hacer un montaje de estas características, que aunque a ratos pareciera no tener un centro, siempre sabe dónde comienza y dónde termina todo aquello de lo que quiere hablar.

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Visitando al señor Green

2008-02-03T20:46:00.000-03:00

Por Luisa Ballentine

Uno de los primeros elementos que llaman la atención de la obra que se está presentando en el teatro del ICTUS, es la escenografía, llena de detalles cuidados que reconstruyen a la perfección el living y la cocina de un pequeño departamento.

Aquí es donde vive el señor Green, un viejo huraño y medio loco en apariencia, que trata de ocultar su soledad disfrazándola con el mal carácter con que se enfrenta a un persistente hombre que llega de pronto a su vida.

Se trata del señor Roos, un joven exitoso que ha llegado a la vida de Green debido a un accidente de tránsito que lo obligará a visitar una vez a la semana, a este sujeto de gran cabellera blanca y gracioso hablar.

“Visitando al señor Green” es una obra de Jeff Baron, y está plagada de referencias a la vida cotidiana de un hombre judío en una ciudad como Nueva York. En ella destaca especialmente el desencuentro que vivirán ambos personajes cuando Roos devele un secreto incomprensible para el señor Green.

Aquí hay muchísimo humor no sólo en aquellos momentos que el texto marca, o donde el autor ha construido un chiste, sino también en la actuación de Nissim Sharim, quien en el rol del señor Green consigue retratar con maneras precisas, el modo en que se desenvuelve una persona mayor que ha perdido a su esposa y que vive en un departamento que para muchos parece ser un lugar perdido en medio de un pasado empolvado.

Por su parte, Álvaro Escobar interpreta al joven que revoluciona la vida de este viudo; actuando su personaje con grandes aspavientos, como es costumbre en él cuando está sobre las tablas, y alcanzando, en algunos momentos, una gran conexión con el público

“Visitando al señor Green” es una comedia para reírse muchísimo que además va dejando un buen sabor de boca a medida que avanza su trama. Es también algo diferente dentro de la cartera teatral que suele inundarnos con dramas dantescos, cuando la vida diaria en realidad está compuesta de las pequeñas historias que protagonizamos dentro de las cuatro paredes de nuestro hogar.

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Exit

2008-01-21T03:02:00.000-03:00

Por Luisa Ballentine

Tras dos años de trabajo, al fin se estrenó en las tablas santiaguinas, la tercera y última parte de la trilogía “Náufragos de la memoria”, proyecto que comenzara Jorge Díaz con la compañía de teatro El Lunar y que dejara a medio camino tras producirse su fallecimiento.

En esta ocasión se trata de la obra “Exit”, montaje que sigue los pasos de “Pájaros en la tormenta” y “La mano inocente”, y que pone en escena a Pablo Krögh (en su primera incursión actoral dentro de esta tríada) y a Andrés García, quienes interpretan a dos amigos-compañeros que buscan la manera de sobrevivir a través de la capacidad artística de ambos (uno como documentalista y el otro como travesti) y de lo que pueden “expropiar” de un supermercado.

En “Exit”, a diferencia de las entregas previas, la reflexión que hacen los personajes acerca de la dictadura es mucho más introspectiva y casi inconsciente, construyendo así una suerte de interrelato entre las tres obras, donde la primera y la segunda son la confusión víctima-victimario, mientras que la última arroja a los hijos de la represión plagados de traumas y defectos heredados por la alienación de lo humano en el Chile de hace más de tres décadas.

Tal como en sus trabajos anteriores, El Lunar explota con perfecta precisión los recursos lumínicos y sonoros. Si bien esta vez la banda sonora no es tan preponderante como en “Pájaros en la tormenta”, la luz verde que comenzó a delinear el ambiente en “La mano inocente” se suma a ese piso de tierra y madera, dando mayor importancia al mobiliario y a los recursos externos. Aparecen por primera vez una tele, un espejo, un video, una filmadora y una cama, conformando la escenografía donde los traicionados de un país terminarán por darse contra el muro y mostrándose la espalda mutuamente.

La personificación de Andrés García es especialmente significativa porque representa la conversión de lo que se es en lo que no se es, es decir, el hombre en mujer, que perfectamente puede extrapolarse a este país que se disfraza frente a otros ocultando sus verdaderos huecos. Asimismo, Pablo Krögh en el rol del actor-director-en-permanente-búsqueda, es quien se mantiene con las ilusiones en alto, creyendo en la posibilidad de lograr algo con su obra artística, aunque derrotado a ratos por la necesidad de comprensión.

Se grafica aquí un Chile actual, con mala memoria, que se acuerda de pocas cosas, que ve borroso el pasado. Y de la mano de ello aparece un comportamiento que la víctima no debería tener en apariencia: aprovecharse de los suyos.

Tanto se ha criticado esa vuelta de chaqueta de la política noventera, que se ha ocultado lo humano que hay en tomar ventaja de los caídos, y por ahí se desprende un importante valor de “Exit”, porque esta trilogía que comenzó usando casi exclusivamente a la emoción como gran recurso y que continuó con las imágenes de la tortura, no termina con una lágrima en la garganta que apela a la destrucción del 70, sino con una mirada a cómo esos años hicieron estragos en quienes habitan el Chile de este 2008 y que quizás lo seguirán haciendo por muchos años más.

"Exit" de Jorge Díaz, adaptación de Pablo Krögh
Dirección: Sergio Schmied, Andrés García y Pablo Krögh
Elenco: Pablo Krögh y Andrés García
Funciones: 21 horas.
Teatro Finis Terra, Pedro de Valdivia 1509, Providencia
Entradas: $5.000 general, $3.000 estudiantes y tercera edad

Encarnado

2008-01-20T03:00:00.000-03:00

Por Luisa Ballentine

Cosas especiales para decir sobre el trabajo de la Compañía de Lia Rodrigues, sobran, y la más impactante de ellas es que, tratándose de un cuerpo de danza, no hay uso de música ni escenografía, sólo los sonidos que son capaces de producir con su cuerpo (pasos, gritos y respiración, básicamente), además de unas cuentas botellas de ketchup y leche.

Bajo el título de “Encarnación” y la dirección de Lia Rodrigues, asistimos a una función donde predomina lo humano del dolor. Hay emociones fluyendo constantemente y la imposibilidad de realizar actividades fundamentales de la vida, como hablar, moverse, gritar o llorar, que terminan encausándose a través del rojo, representando la sangre, de los cuerpos desnudos y de la exaltación de símbolos como la madre, la mujer creadora y el hombre depredador.

Y cómo no, si este montaje coreográfico está basado en el libro “Ante el dolor de los demás” de Susan Sontag, reconocida intelectual fallecida en el 2004, quien plasmó en éste y muchos otros volúmenes, una ferviente crítica hacia el modo de vida estadounidense. Específicamente en “Ante el dolor de los demás”, utiliza la fotografía para dar cuenta de la guerra y el horror.

Esta mezcla de lo que se ve con lo que se piensa sobre lo visto, es la reflexión que sustenta a “Encarnado”, pues son justamente imágenes e instantáneas las que se ven en el escenario, y no necesariamente un relato lineal e histórico.

Los 9 bailarines pasan por distintos estados y conmueven gracias a la empatía que producen sus limitaciones, además del brillante desempeño que alcanzan con los “efectos especiales”, que no son más que la danza y la sangre. La iluminación colabora en este menester, aportando tonos amarillos muy tenues que invitan a pensar cada cuadro como si estuviera al fragor de una chimenea.

Hay también interacción con el público a través de un constante miedo que nos hace pensar que en cualquier momento el baño de sangre saltará hacia las gradas; sin embargo sólo se produce un diálogo entre quienes observan y una especie de lobo-feroz-depredador, que en algún momento sale del escenario y comienza a escalar entre los asientos.

A pesar de su brillantez, “Encarnado” es un montaje para un público reducido, interesado en la danza contemporánea y experimental, y abierto a todo tipo de provocaciones, desde el desnudo permanente del elenco, hasta la incomprensión absoluta de algunos instantes de la obra. Para muchos, éste es el leit motiv del arte de nuestro tiempo, y quizás sólo por eso, valga la pena verla y evaluar el propio impacto de su propuesta en cada uno.

Presentada en el marco del Festival Santiago a Mil

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Di cosas, cosas bien

2008-01-20T01:06:00.000-03:00

Por Luisa Ballentine

Pocas veces un colectivo boliviano aterriza en nuestro país para mostrar su trabajo en materia de artes escénicas. Éste es el primer motivo para que resulte tan reconfortante la visita de la compañía “Escena 163” que, bajo la dirección de Eduardo Calla, presentó hasta este domingo el montaje “Di cosas, cosas bien”, en el marco del Santiago a Mil.

Se trata de una comedia que apela al imaginario casi universal existente en América Latina, en temas como el arribismo y la pretensión de las clases sociales más altas. En ese sentido su humor es plenamente identificable con el chileno, y además los actores se han dado el trabajo de adaptar su lenguaje a nuestra cultura y rescatar elementos como la moneda local, el persa Bío Bío, La Piojera y el Mercado Central.

Los cuatro personajes sobre el escenario representan a un matrimonio que ayuda a una joven en desgracia, marcada por su soledad y el silencio. Ella, a su vez, es la pareja de un desesperado hombre que busca trabajo con su currículo bajo el brazo y que termina rendido a los pies de las bajezas que el mercado le ofrece, a pesar de ser él un Licenciado con honores de tomo y lomo.

Todos ellos se enredan constantemente en los vericuetos de la comunicación y no logran expresar lo que realmente desean. En medio de estos malos entendidos y la necesidad que todos tienen de salir de sí mismos, se cuelan referencias hacia la cultura del machismo, la homofobia y la xenofobia, planteadas desde la ignorancia de los frívolos personajes que las emiten.

La iluminación es precisa y está muy bien utilizada, sin embargo la sobria escenografía a ratos no se entiende. Una tina de baño boca abajo hace las veces de mesa, silla, cama y de-todo-un-poco, generando la pregunta de por qué no usar simplemente una mesa, una silla, una cama, o de todo-un-poco.

Paralelamente, unos inquietantes televisores aguardan el momento final de la obra para desencadenar el relato en el que por fin escucharemos la demanda de silencio y quietud que resuena entre tanta estridencia.

El punto más alto de “Di cosas, cosas bien” es el personaje que interpreta la actriz Patricia García, una rubia agingada que es también la voz de las Damas de la Nación, y cuyas intervenciones generan la mayor parte de la hilaridad de esta historia, que entre risas, colores y música popular, cuela el tema de la cesantía y la destrucción que puede causar en un hombre, o en todos los hombres, o en todos los hombres y mujeres que rodean a quien no tiene trabajo.

Fuera de cartelera.

Philotas

2008-01-19T03:02:00.000-03:00

Por Luisa Ballentine

Tras su temporada del año 2007, regresó a la cartelera local la obra “Philotas” en el marco del Festival Santiago a Mil y bajo el alero del Teatro Nacional Chileno.

Protagonizada por Salvador Burell en el rol del joven príncipe, el montaje destaca especialmente por esta actuación, donde se observa a un adolescente impetuoso que invoca a los dioses en busca de la solución a su gran problema: haber sido capturado por las tropas con que su padre está en guerra, lo que podría significar negociar para traerlo de vuelta, y dejar en desventaja a su reino.

Afortunadamente para Philotas, las cosas serán un poco más sencillas, pues el hijo del rey que lo tiene cautivo, está en manos del enemigo también, por lo que el canje de ambos asegura continuidad a la guerra y un nuevo equilibrio neutro.

Es entonces cuando el impulsivo prisionero comienza a elaborar sus ideas suicidas en busca de dejar a su padre en mejor posición que el enemigo. En este periplo, Salvador Burell demuestra un dominio del carácter a toda prueba y una destreza física que impresiona por la hiperactividad, los saltos, la coreografía de combate y las referencias a la danza que es posible ver, sin notar siquiera un gramo de cansancio en su delgado, pero ágil cuerpo.

En el elenco también están Francisco Reyes, Óscar Hernández y Tito Bustamante; todos ellos impecables en su interpretación, dando con todos los matices de los personajes que representan (el rey, su mano derecha y un prisionero) y otorgando esa ponderación que exige la juventud y desplante de Philotas, para contener una obra que fue escrita por Otthold Ephraim Lessing en 1758.

Gracias a la dirección de Alexander Stillmark y esa precisión que aportan los actores, la versión de este clásico llega fresca y creíble, plagada de sarcasmo, humor y una reconfortante visión del honor y la lealtad en aquellos tiempos.

Aunque resulta un poco decepcionante ver las butacas vacías que quedan en el Teatro Nacional Chileno, lo importante es que el equipo no pierde la oportunidad de mostrar un excelente trabajo, del que saldrá catapultado, sin duda alguna, el talento de Salvador Burell como algo más que una joven promesa.

Presentada en el marco del Festival Santiago a Mil
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Las brutas

2007-11-29T12:21:00.000-03:00

Por Luisa Ballentine

Las brutas son sencillas, son mujeres de la tierra acostumbradas a vivir entre los animales y la nada; pero nunca solas. Se trata de tres hermanas que Juan Radrigán delineó en una historia conmovedora, y que en esta ocasión trae Rodrigo Pérez hasta las tablas, bajo una dirección sencilla en efectos, pero contundente en contenido e interpretaciones.

Las protagonistas son Amparo Noguera, Claudia Di Girolamo y Catalina Saavedra, quienes comienzan a desesperarse por la pérdida de la juventud y de las oportunidades de la vida, en un lugar donde no faltó el trabajo, pero donde nunca llegó la posibilidad de querer, soñar y explorar el mundo.

Las brutas son toscas, son incluso atarantadas al hablar, al reír, al sentir miedo. En una región campesina, donde se añora la ciudad con la misma fuerza con que se la odia, aprendieron a resistir, a sobrevivir mientras otros parientes partían rumbo a la esquiva capital, o simplemente hacia la muerte. Y en este momento en particular que describe el autor, ya están vencidas por la falta de fuerzas y la desesperanza, sumado a que los pocos vecinos han comenzado a marcharse y a vender sus tierras y animales.

Las brutas quisieran vestir con faldas, pero las faldas no son apropiadas para trabajar. Quisieran haber conocido algo, pero ya es tarde. Quisieran no haber perdido la capacidad de moverse con la misma agilidad de siempre y levantar los mismos pesos, pero la edad les ha pasado la cuenta. Sin embargo lo que permanece intacto en la existencia de estas tres hermanas, es la incondicionalidad y la unión que tienen entre sí; un sentimiento que las llevará a un trágico final, pero sin separar sus destinos.

Este montaje es un clásico de nuestra dramaturgia porque expone características chilenas innegables y grafica no sólo la vida en un pueblo perdido durante un período histórico que no importa cuándo es, porque funciona en todos los contextos y épocas; sino también los miedos que existen respecto de la ciudad, de los otros, de los hombres, de dios mismo.

En “Las brutas” está contenida gran parte de la esencia femenina, a pesar de esta torpeza aparente; y quien encarna mejor esta premisa es Amparo Noguera, quien muestra una sutileza conmovedora en su interpretación, que consigue enamorar al público desde la primera escena; tejiendo una red con estas hermanas cómplices que se llevan consigo el secreto de tener miedo a vivir.

“Las brutas” de Juan Radrigán
Dirección: Rodrigo Pérez
Fuera de cartelera, regresa para el Festival Santiago a Mil
Teatro La Memoria

Sin sangre

2007-11-23T21:46:00.000-03:00

Por Luisa Ballentine

Laura Pizarro y Juan Carlos Zagal comandan la primera entrega de la nueva compañía Teatro Cinema, con claras influencias de lo que fueron sus años como integrantes de La Troppa, donde adquirieron este sello tan particular de mostrar en las artes escénicas, lenguajes distintos a los tradicionales.

Esta apuesta, “Sin sangre”, toma su argumento de la novela del mismo nombre del italiano Alessandro Baricco, quien cuenta la historia de un padre de familia asesinado junto a su hijo, cuya muerte desatará los infiernos de la hija que le sobrevive y de sus ejecutores.

Más de 13.000 personas ya han visto este montaje, y todos coinciden en definirlo con dos palabras: visual y cinematográfico. ¿Pero qué quieren decir con esto? Literalmente que la puesta en escena está construida y pensada para ser vista en código de séptimo arte; y tanto es así que en algunos momentos el espectador se pregunta perplejo si es que los personajes están sobre el escenario o fueran grabados previamente.

Cuando los actores llevan tantos años de trabajo en el cuerpo y el oficio de crear se ha hecho carne en ellos, es posible apreciar una obra de estas características, donde no hay espacio para la improvisación, donde la escenografía, las luces, el sonido, y en este caso también las proyecciones visuales, trabajan como una máquina aceitada donde cada engranaje calza sus hendiduras en perfecta armonía con los demás componentes. En ningún momento veremos vacilación o falta de sincronía, pues todo está ejecutado a un nivel de pulcritud máxima.

Por todo esto, “Sin sangre” impresiona. Los primeros minutos es posible que incluso se pierda de vista lo que nos quieren contar, mientras nos sumimos en la imagen primera de un auto que va por la ruta. Y no nos referimos a un auto imaginario que los actores fingen, sino a uno real. Hay un vehículo sobre el escenario, luego hay una casa, un restaurante, un hotel. Todo eso sin movernos un centímetro de nuestros asientos.

Quienes estén acostumbrados a una puesta en escena de más humildad técnica, quedarán sorprendidos con este despliegue que conjuga lo mejor de dos lenguajes tan distintos, como el teatro y el cine; disfrutando de una construcción audiovisual de gran calidad, pero al mismo tiempo de actuaciones soberbias e intérpretes que nos muestran personalidades complejas, enfermas y tan humanas como es posible en este mundo.

Las razones para verla sobran, y quienes no alcancen en este último fin de semana, tendrán la oportunidad de asistir al nuevo Mori de Parque Arauco para disfrutar de una segunda temporada que también se repetirá en el marco del Festival Santiago a Mil; sin embargo los altísimos precios harán desistir a más de alguno, que sólo podrá quedarse con estas palabras y los comentarios sobre una de las piezas maestras del nuevo teatro chileno, que esperamos llegue a muchos más espectadores que ahora se quedarán con las ganas.

“Sin sangre” basada en la novela homónima de Alessandro Baricco
Dirección: Juan Carlos Zagal
Elenco: Juan Carlos Zagal, Laura Pizarro, Diego Fontecilla, Ernesto Anacona y Etiene Bobenrieth
Funciones: viernes y sábado 20:30 horas, domingo 19:30 horas
Teatro de la Universidad Católica, Jorge Washington 26, Ñuñoa
Entradas: $8.000 general, $5.000 estudiantes y tercera edad

Karen, una obra sobre la gordura

2007-11-22T23:42:00.000-03:00

Por Luisa Ballentine

Hablar sobre la gordura es el único objetivo de la obra “Karen”, según señala su propio director, Juan Andrés Rivera, cuando hace su aparición en el escenario.

Y es que este montaje transgrede muchos códigos, entre ellos el que dice que el espectador no necesita explicaciones sobre lo que se quiso hacer; o la línea dramática tradicional que ordena tener un principio, un desarrollo y un desenlace.

Aquí no hay eso, y el recorrido comienza desde el momento en que entramos a la sala y nos enfrentamos con unas butacas... diferentes, por decirlo de algún modo, pues sobre algunos escalones hay parkas, chales y otras telas, que invitan a un banquete de papas fritas, dulces y trozos de pan.

Es entonces cuando nos percatamos de que comenzó la provocación de “Karen”, un montaje que arrasó con los premios del último festival de teatro Víctor Jara, ostentando el título a la mejor obra, mejor dirección y mejores actrices, entre otros.

Sandra Araneda y Catalina Osorio son las vencedoras, y ellas interpretan los roles de madre e hija, quienes tienen una relación de dependencia con la comida, en la que también está envuelta la hermana menor. Los conflictos se desatan, sin embargo, por la aparición de un tercero, el novio de Karen, quien terminará por dar vuelta la trama de esta historia y convertirá un montaje sobre la gordura, en un ensayo de un elenco teatral acerca de un documental que sí toca este tema, suena un poco confuso, pero es así.

A pesar de los muchos finales falsos, “Karen” cumple su misión de poner la obesidad sobre la mesa, proponiendo reflexiones como la baja de autoestima de las personas con sobrepeso o la influencia de la familia y los hábitos alimenticios en este desorden.

La propuesta escénica es muy valiosa y conjuga elementos audiovisuales, así como alusiones a la cultura popular, donde aparecen desde Britney Spears, hasta los chanchos que vemos disfrazados en los locales de comida rápida. Es por estos elementos que el montaje es especialmente cercano a los públicos más juveniles, que se sienten atraídos por un lenguaje ágil que cuenta una historia en menos de 60 minutos.

¿Qué elementos podrían mejorar y dar más valor a “Karen”? Sin duda pulir el texto y liberarlo de la carga informal que otorga al lenguaje, y ensayar con mayor precisión cada movimiento, para que así cuando comienza a desbaratarse la trama, se aprecie con intención y fluidez aquello que quiso manifestar el creador en este aparente delirio teatral.

“Karen, una obra sobre la gordura”
Escrita y dirigida por Juan Andrés Rivera
Elenco: Catalina Osorio, Sandra Araneda, Trinidad Infante, Cristóbal Lecaros, Juan Manuel Herrera, Diego Acuña, Victoria Álvarez y Felipe Olivares
Funciones de jueves a sábado a las 20:00 horas
Sala Sergio Aguirre del Teatro Nacional Chileno, Morandé 750, Santiago Centro
Entradas: $2.000 general, $1.500 estudiantes y tercera edad

Teatro sobre el teatro

2007-11-14T22:23:00.000-03:00

Por Luisa Ballentine

Hacer teatro acerca del teatro y mostrar distintas cruzadas ideológicas y emocionales, parece ser el objetivo que persigue Ramón Griffero en su nueva propuesta “Fin del eclipse”, una producción que realiza en conjunto con el Teatro de la Universidad Católica, y donde destaca especialmente la actuación de Verónica García-Huidobro.

Se podría decir que la historia de “Fin del eclipse” es la no-historia, o quizás todas las historias, pues los distintos elementos del drama se van articulando en torno a pequeños cuadros donde dominan los mismos personajes envueltos en una piel diferente. Son los actores tratando de ser jóvenes entusiastas con la política, o simplemente disfrutando de las vacaciones e intentado creer que las tragedias son sueños.

En medio de este delirio, que se acompaña de una escenografía simple pero muy presente en sus colores rojos y azules, surge el hilo conductor que encarna la figura de una especie de mujer que es madre, maestra e hija del teatro, y que será la encargada de guiar los destinos no sólo actorales, sino también existenciales de cada uno de sus pupilos.

En esta obra se habla del nazismo, de las esperas por amor durante el período de la guerra, de una Cuba no tan libre y un cielo no tan azul... de una España femenina. Aquí, los personajes intercambian sus papeles en busca de reprsentar siempre aquél que saque lo mejor de cada uno, y en todas las escenas son capaces de interpretarse a ellos mismos y a las mujeres y hombres que sucumben ante el fin del eclipse, no con sus vidas, pero quizás sí con sus almas.

Ambos lados de la puesta en escena están flanqueados por puertas, desde donde emergen rápida o lentamente los cuerpos en el montaje. Cada una de ellas representa la metáfora de lo nuevo, y de cómo al salir de las tablas y al regresar a ellas, se es alguien completamente distinto, en alusión a que el teatro es eso “simplemente”: interpretar siempre a otros sobre el escenario, no pudiendo dejar jamás abajo, lo humano y personal que cada actor recupera cuando se cierra el telón.

“Fin del eclipse” escrita y dirigida por Ramón Griffero, producción a cargo del Teatro de la Universidad Católica
Elenco: Verónica García- Huidobro, Manuela Oyarzún, Antonia Zegers, Sebastián Layseca, Omar Morán, Álvaro Viguera y Luis Alberto Zeiss
Funciones: miércoles a sábado a las 20:00 horas
Teatro de la Universidad Católica, Jorge Washington 26, Ñuñoa
Entrada: $6.000 general, $4.000 estudiantes, tercera edad y convenios

BlackBird

2007-11-09T15:31:00.000-03:00

Por Luisa Ballentine

Una de las posibilidades más valiosas del arte es la prerrogativa de plantear temas y puntos de vista que la realidad considera inadecuados y que prefiere ignorar.

Es el caso de BlackBird de David Harrower, donde una joven hermosa, interpretada en este caso por Miriam Heard, llega de sorpresa a visitar a un hombre mayor, Hugo Medina, que no veía desde años... desde aquel tiempo en que él abusó de ella en nombre del amor que decía tenerle.

Podríamos pensar que se trata de una historia donde la víctima decide enfrentar al victimario para limpiar de alguna manera aquel pasado corrosivo, sin embargo las miradas y los recuerdos de ambos sugieren que aquello que consideraron un romance, sigue estando presente en cierto nivel.

Ninguno ha logrado olvidar, y ella se empeña en descubrir si es que aquel hombre que ahora se llama diferente, ha vuelto a estar con otras niñas o si ella fue la única.

Sicológicamente no sólo es posible, sino que ocurre y ha sido documentada la posibilidad de que la víctima mantenga un lazo afectivo, a todas luces insano, con su agresor, y que vea en él una figura a la que desea mantenerse unida.

En este difícil rol femenino, Miriam Heard despliega encanto, emociones encontradas, ira y dulzura; de la mano de un acento extranjero que significa un gran aporte, porque imprime los diálogos de un realismo poco común en un género que debe caracterizarse por la buena pronunciación y las frases precisas, técnica que muy pocos actores dominan a la perfección.

BlackBird es una obra provocadora que no deja indiferente al espectador, y que tiene un interesante vuelco hacia el final. Si bien su estructura dramática es tradicional y escenográficamente no presenta una propuesta muy transgresora, su texto y contenido pueden tener mucho impacto en quienes son más conservadores, pues se toma el derecho que da el arte del teatro para poner sobre el escenario una realidad poco abordada a nivel informativo, como lo es el abuso a menores y el lazo emocional que perdura entre las víctimas y sus victimarios.

BlackBird de David Harrower
Dirección: Heidrun Breier
Elenco: Miriam Heard, Hugo Medina y Elisa Calabrese
Funciones de jueves a sábado a las 21:00 horas, domingo a las 20:00 horas
Teatro del Puente, Parque Forestal s/n, Santiago Centro
$3.000 general, $2.000 estudiantes y tercera edad

Home

2007-11-02T22:49:00.000-03:00

Por Luisa Ballentine

¿Cuál es el verdadero hogar? Para muchos es la casa donde una familia de cualquier tipo, se cobija y complementa mutuamente. Para otros el hogar está donde están los amigos. Sin embargo existen también aquellos que han tenido que encontrar ese calor incondicional, en unos ojos desconocidos que lentamente pasan a formar parte de unas vidas desgastadas.

Esto es lo que presenta el montaje “Home” de David Storey, que bajo la dirección de Héctor Noguera, muestra un día en la existencia de 5 personajes que conviven con la vejez y la locura en distintas dosis.

Están también Bélgica Castro, Delfina Guzmán, Alejandro Sieveking y el joven Mauricio Roa , quienes junto a Noguera construyen este zoológico humano de personalidades opuestas, que deben aprender a tolerarse y sentirse en compañía, pues se tienen sólo a ellos mismos.

Las esposas los han dejado, los hijos, los maridos, las madres... abandonados a su suerte en este recinto que tiene sólo una mesa para miles de personas, y donde las mujeres deben soportar zapatos que apenas les permiten caminar.

En medio de esta realidad cruel de los encierros obligados, aparecen las emociones antiguas, los recuerdos de una vida quizás no mejor, pero menos solitaria. Los sueños que no fueron, o las memorias creadas de oficios que nunca alcanzaron a realizar, de bienes materiales y fama y dineros, que nunca tocaron a la puerta de ninguno de estos personajes.

Mientras los cuatro principales íconos de nuestro teatro nacional sufren con los embates de la vejez y el olvido, aparece intermitente el joven limítrofe que apenas puede expresarse y que tiene como su mayor capital una fuerza impotente, que se muere ante el miedo a las otras personas.

Resulta imposible juzgar la noción de hogar, pues cualquier rincón del universo parece ser propicio para formar uno, siempre que esté presente lo humano, siempre que haya otro para compartir incluso lo inexistente.

En eso están estos hombres y mujeres, en este “Home” perdido en el tiempo, sin la necesidad de muchas palabras y demostrando que sobre el escenario, brillan siempre quienes tienen más trayectoria, quienes han dejado su vida en las tablas, y que gracias a los años, y no a pesar de ellos, han hecho del teatro un hogar al que entramos nosotros semana a semana, como invitados ilustres de una realidad inventada, que hacen posible con su talento, aunque no podamos ver el dolor y el sudor que hay detrás de ello, igual que ocurre con estas cinco historias.

“Home” de David Storey
Dirección: Héctor Noguera
Elenco: Héctor Noguera, Bélgica Castro, Delfina Guzmán, Alejandro Sieveking y Mauricio Roa
Funciones: jueves a sábado a las 21:00 horas, domingo 20 horas
Teatro Camino, Antupirén 9400, Peñalolén
Entradas: $7.000 y $5.000 general

HP (Hans Pozo)

2007-09-21T22:58:00.000-04:00

Por Luisa Ballentine

Un caso architratado por los medios y un texto poderoso, pueden ser la combinación perfecta para adjudicarse un Fondart. Al menos así resultó para la compañía de teatro La Nacional, que a partir del caso de Hans Pozo construye su más reciente montaje.

El título de esta apuesta son las iniciales de Hans: HP, en alusión a esta cara sin rostro, a este joven que no fue reconocido como un igual por su familia y que a corta edad fue enviado a vivir con sus parientes, terminando descuartizado antes de alcanzar la adultez.

Si bien la propuesta es fresca, la ambición que la directora, Isidora Stevenson, y el autor, Luis Barrales, persiguen, no logra alcanzarse, debido a las débiles actuaciones de quienes ejecutan a la madre y a la novia de HP, además de una puesta en escena errática que a veces no está clara en el modo de conseguir impactar o interpelar a quien observa.

Por el contrario, es Sebastián Ibacache en el rol protagónico, quien se luce, junto a ese perverso amor que le quitaría la vida: Jorge Martínez, interpretado por Rodrigo Soto. Ambos aportan los momentos más altos del montaje, e incluso, debido al ímpetu y a la fuerza de las caracterizaciones, el público se encuentra con más de algún final falso, aquel momento en que sentimos que la obra debería concluir, y sin embargo la vemos transitar a otro estado que deforma lo que habría sido una culminación precisa.

El texto de Barrales es casi siempre impecable y alcanza en todo momento la intensidad que busca, sin embargo los discursos de marginalidad que pretenden gatillar una reflexión en el espectador, o al menos eso cree uno que buscaría un dramaturgo, están en todo momento cruzando un peligroso límite entre aquello que podría ser bien entendido dentro del contexto del arte, y la burla en el rostro de quienes viven día a día en la piel de los sin nombre y sin dinero, de los Hans Pozos de este Chile.

El elenco es joven, son hombres y mujeres que requieren de mucha preparación para lograr dar, por ejemplo, con la figura de una madre que es capaz de abandonar a un hijo. A pesar de ello, de esa cojera que se ve en el escenario, ellos buscaron el riesgo y un lenguaje diferente. Por ello aquí hay poesía y hay momentos conmovedores, que ruegan por una selección aún más minuciosa que los libre de lo innecesario y permita al montaje alcanzar una duración más moderada, donde cada instante brille e invite a ser parte de esta tragedia.

Una vez más el Teatro del Puente apuesta por la provocación, y aunque a HP le falta aún madurar, se aprecia la inteligencia de haber llevado hasta el arte escénico, una de las matanzas más horribles de la reciente historia santiaguina.

Un caso architratado por los medios y un texto poderoso, pueden ser la combinación perfecta para adjudicarse un Fondart. Al menos así resultó para la compañía de teatro La Nacional, que a partir del caso de Hans Pozo construye su más reciente montaje.

El título de esta apuesta son las iniciales de Hans: HP, en alusión a esta cara sin rostro, a este joven que no fue reconocido como un igual por su familia y que a corta edad fue enviado a vivir con sus parientes, terminando descuartizado antes de alcanzar la adultez.

Si bien la propuesta es fresca, la ambición que la directora, Isidora Stevenson, y el autor, Luis Barrales, persiguen, no logra alcanzarse, debido a las débiles actuaciones de quienes ejecutan a la madre y a la novia de HP, además de una puesta en escena errática que a veces no está clara en el modo de conseguir impactar o interpelar a quien observa.

Por el contrario, es Sebastián Ibacache en el rol protagónico, quien se luce, junto a ese perverso amor que le quitaría la vida: Jorge Martínez, interpretado por Rodrigo Soto. Ambos aportan los momentos más altos del montaje, e incluso, debido al ímpetu y a la fuerza de las caracterizaciones, el público se encuentra con más de algún final falso, aquel momento en que sentimos que la obra debería concluir, y sin embargo la vemos transitar a otro estado que deforma lo que habría sido una culminación precisa.

El texto de Barrales es casi siempre impecable y alcanza en todo momento la intensidad que busca, sin embargo los discursos de marginalidad que pretenden gatillar una reflexión en el espectador, o al menos eso cree uno que buscaría un dramaturgo, están en todo momento cruzando un peligroso límite entre aquello que podría ser bien entendido dentro del contexto del arte, y la burla en el rostro de quienes viven día a día en la piel de los sin nombre y sin dinero, de los Hans Pozos de este Chile.

El elenco es joven, son hombres y mujeres que requieren de mucha preparación para lograr dar, por ejemplo, con la figura de una madre que es capaz de abandonar a un hijo. A pesar de ello, de esa cojera que se ve en el escenario, ellos buscaron el riesgo y un lenguaje diferente. Por ello aquí hay poesía y hay momentos conmovedores, que ruegan por una selección aún más minuciosa que los libre de lo innecesario y permita al montaje alcanzar una duración más moderada, donde cada instante brille e invite a ser parte de esta tragedia.

Una vez más el Teatro del Puente apuesta por la provocación, y aunque a HP le falta aún madurar, se aprecia la inteligencia de haber llevado hasta el arte escénico, una de las matanzas más horribles de la reciente historia santiaguina.

“HP (Hans Pozo)" de Luis Barrales
Dirección: Isidora Stevenson
Elenco: Sebastián Ibacache, Rodrigo Soto, María José Bello, Paulina Dagnino y Evelyn Ortiz
Funciones: jueves a sábado a las 21:00 horas, domingo 20:00 horas
Teatro del Puente, Parque Forestal s/n, Santiago Centro
Entradas: $5.000 general

El grito del Ictus por la cultura

2007-09-07T23:08:00.000-04:00

Por Luisa Ballentine

Con el ingenio de Neruda y las pinturas que evocan las escenas de sus más emblemáticas preguntas, como ¿de qué se ríe la sandía si la están asesinando? O ¿y si el alma se me cayó por qué me sigue el esqueleto?, comienza la más reciente aventura del Teatro Ictus, que vive este fin de semana sus últimos días en cartelera.

Se trata de “El grito”, montaje que toma como eje no sólo una de las pinturas más famosas del artista noruego Edvard Munch, sino también el robo que se produjo en el año 2004 en el Museo de Oslo, ocasión en que esta obra y La Madonna, fueron sustraídas del recinto.

Aquí comienzan los problemas del encargado de arte de la Casa de la Cultura de la Municipalidad, que debe lidiar con la burocracia de este gobierno local, y con las peticiones de la mujer que ha llevado hasta la exposición, una supuesta copia de “El grito”, que para el personaje interpretado por Roberto Poblete, es la obra original, aquélla que le habla y lo interroga al igual que otros cuadros.

Esta propuesta, en la que actúan Paula Sharim, María Elena Douvachelle y también dirige Nissim Sharim, tiene una gran cantidad de elementos que van configurando historias paralelas, como la del hombre que no consigue apagar el aparto de radio; o los llamados de auxilio de Judith Keith, tratando de salvarse de morir ahogada en una cabina telefónica, tal como plasmó Berltot Brecht.

Todos estos personajes tienen guardado “El grito” dentro de sí mismos, un grito silencioso que no pueden sacar al exterior y que los va consumiendo lentamente. Incluso cuando consiguen aquello que deseaban, permanece la nostalgia, al menos en los buenos, en quienes han defendido el arte en la Casa de la Cultura de la Municipalidad.

Sin duda un retrato fidedigno de lo que debe ser la realidad de estos lugares en las ciudades de Chile, con unos pocos velando por tesoros invaluables; y con otros que no saben de qué hablan y que ven la ganancia donde unos ojos han visto el color, la forma y la expresión de lo humano.

“El grito”
Creación colectiva de la Compañía Teatro Ictus
Dirección: Nissim Sharim
Elenco: Nissim Sharim, Paula Sharim, Roberto Poblete y María Elena Douvachelle
Funciones: viernes y sábado 20:00 horas
Teatro La Comedia, Merced 349, Santiago Centro
Entrada: $5.000 viernes, $7.000 sábado

Las ausencias de Noguera

2007-08-10T22:56:00.000-04:00

Por Luisa Ballentine

Un brindis fue el acto escogido por el dramaturgo argentino César Brie, para dar inicio a la celebración de los 50 años de trayectoria de uno de los íconos del teatro chileno: Héctor Noguera.

Bajo el título de “Todos los ausentes”, este monólogo es una revisión de la carrera de “Titito” y de sus momentos personales más significativos; escenas que se superponen con la historia de Chile y que van plasmando también el acontecer de distintas épocas que marcaron este país del fin de mundo.

Por este recorrido desfilan los nombres, las figuras y las anécdotas de aquéllos que ya han partido y que dejaron un importante legado en este actor. Surgen así las imágenes de su familia, sus viajes y las voces de tantos íconos de las tablas locales, que fueron en el pasado sus mentores y que contribuyeron a forjar el teatro que hoy conocemos.

A pesar de ser una pieza donde una sola persona desfila por el escenario de dos pisos, el montaje está lleno de personajes, como tías decadentes, madres orgullosas y padres que se han ido, quienes se encargan de llevar al espectador desde la risa incontrolable hasta la emoción más genuina y desnuda, provocada por los viejos acordes de un cassette a través del cual se rinde homenaje a la canción chilena.

Incluso a merced del inclemente frío que se cierne sobre los cerros del Teatro Camino, o de la nieve que ocasionalmente llega a la capital; es posible sentir la calidez de quien asume un desafío teatral tan íntimo como es retratar su propia historia sobre un escenario, con decenas de ojos juzgando cada movimiento, cada palabra.

Y aunque la celebración de estos 50 años va para “Todos los ausentes”, no hay ninguna duda de que somos los que estamos aquí quienes más disfrutamos de su talento, y quienes podemos decir, junto a él, ¡salud!, y larga vida a Héctor Noguera.

“Todos los ausentes”
Dramaturgia y dirección: César Brie.
Elenco: Héctor Noguera.
Funciones: Jueves a sábados 21:00 horas, domingos 20:00 horas.
Teatro Camino, Antupirén 9400, Peñalolén.
Entradas: Jueves Populares $2.000 general; viernes $5.000 general, $3.000 estudiantes y tercera edad; sábado y domingo $7.000 general.

Sinfonía del esperpento perfecto

2007-08-03T23:13:00.001-04:00

Por Luisa Ballentine

Cuando se habla del teatro físico o de aquellas puestas en escena sobrias, pero ambiciosas, se suele conminar al espectador a recurrir a su mente y utilizar la imaginación para crear el mundo que se quiere mostrar.

En este reestreno de la compañía Factoría Teatro, quienes se encuentran presentando la laureada “Sinfonía”, pasa todo lo contrario, pues si bien no hay escenografía alguna más que un cortinaje, es posible ver pasillos de gárgolas, laboratorios científicos, pomposas fiestas y al mismo diablo en persona.

Para ello se requiere no sólo de un gran talento por parte de los actores, sino también de una coordinación milimétrica, pues ellos realizan cambios de escena, distintas perspectivas del mismo instante y el espectador se traslada efectivamente al mundo del Fausto de Goethe y al de la Máscara roja de la muerte, de Edgar Allan Poe.

Son versiones libres que apelan a lo que el actor es capaz de hacer. Y si el actor logra todo lo descrito, sin duda que estamos hablando de un montaje de calidad, que ha sido distinguido por dos públicos bastante exigentes, como son el español y el argentino, en diversos festivales.

El formato de la historia apela al cuento y nos enfrentamos a un narrador que va cambiando de rostro y que describe la personalidad cruel de un rey que intenta salvarse de la muerte a costa del padecimiento de su pueblo; para luego dar paso a la historia del científico que en su afán por conocerlo todo, terminó en manos de Lucifer.

Hay en “Sinfonía” un uso preciso de lo grotesco, de la belleza en lo no tradicional, de lo esperpéntico; y es eso lo que puede resultar atractivo para el público más joven, conformado por los adolescentes y los niños no tan pequeños.

En la búsqueda por formar nuevas audiencias, esta obra tiene excelentes elementos para cautivar a todos por igual, pues con dosis de humor y una visualidad increíble, que sorprende porque estamos hablando del teatro del vacío, se consigue atrapar hasta al observador más reacio a acercarse al teatro.

Tanto es así que para cualquiera que haya tenido una experiencia de lejanía con el arte escénico, ésta es la oportunidad para reconciliarse.

“Sinfonía”
Creación colectiva de la Factoría Teatro
Dirección: Marcos Belmar
Elenco: Paola Rodríguez, Ivonn Sambra, Paulina Flores, Matías Pozo y Marcos Belmar
Funciones: viernes y sábado 21:00 horas, domingos 19:30 horas
Centro Cultural Montecarmelo, Bellavista 0594, Providencia
Entradas $3.000 general, $2.000 estudiantes y tercera edad

Con balas de salva

2007-07-27T23:09:00.000-04:00

Luisa Ballentine

Santiago de fondo, literalmente, y la ausencia de luces marcan la vuelta a la vida del Teatro del Puente, que por estos días presenta las últimas funciones de “Sueño con revólver”, una obra de la argentina Lola Arias bajo la dirección de Néstor Cantillana.

Aciertos hay muchos y entre ellos se pueden mencionar las actuaciones de Macarena Teke y Cristián Carvajal, y la participación de la banda que lidera el también actor Pablo Schwarz, que irrumpe con su música original en momentos clave del montaje; sin embargo no hay que soslayar algunos aspectos que llaman la atención por lo contrario.

Los personajes recrean la historia de una niña-mujer que seduce a un hombre mayor en una ciudad totalmente a oscuras, donde no llega la luz desde hace meses. Si bien los recursos tratan de generar impacto, se hace evidente la recurrencia a un lenguaje audiovisual no siempre propicio para las tablas, especialmente en un teatro que tiene poco espacio para la puesta en escena, por estar justamente en un puente.

El texto posee un lenguaje cotidiano y cercano al público, pero se pierde en medio de la necesidad de mostrar en cada escena algo que haga estallar la emoción, dejando de lado elementos que en este caso habrían sido mejor valorados, como los silencios o la inmovilidad de los actores, pues la constante caminata en círculos alrededor del pequeño escenario, agota al observador y lo obliga a permanecer siempre fuera de la historia.

A pesar de estas debilidades, la obra consigue conmover en distintos momentos y el final es especialmente destacable gracias a la entrada precisa de los músicos. Se aprecia, sin duda alguna, un gran esfuerzo por explotar y poner la mayor cantidad de cosas sobre el escenario, y aunque quizás un poco menos habría sido más efectivo, lo importante es que el Teatro del Puente está de regreso, trabajando por mejorar día a día las condiciones en que se exhiben las artes escénicas santiaguinas, y apostando por el talento joven.

La estridencia con que se dispara este revólver, la entrega y el riesgo, merecen un reconocimiento para Néstor Cantillana, y aunque esta vez las balas fueron de salva, no hay duda de que el arte está presente en este grupo.

“Sueño con revólver” de Lola Arias
Dirección: Néstor Cantillana
Elenco: Macarena Teke y Cristián Carvajal
Funciones: jueves a sábado 21:00 horas, domingos 20:00 horas
Entradas: $5.000 general, $3.000 estudiantes y tercera edad

Miguel de Cervantes tampoco existe

2007-07-06T23:06:00.000-04:00

Por Luisa Ballentine

Una mesa, una silla, luces, licor, música y un actor, que es Pablo Krögh dando vida a personajes desequilibrados por la pasión de un libro y la perversión que el tiempo ha vertido sobre él; son los elementos que conforman la obra número 100 del fallecido Jorge Díaz, “El Quijote no existe”, a cargo de la compañía de teatro El Lunar.

Miguel de Cervantes, el imprentero y otro par de caracteres extraños, dan vida a este monólogo, aunque parezca una contradicción, que destaca por la destreza de Krögh y su capacidad de interpretar cada personalidad sin perder los detalles que constituyen la naturaleza de cada ser humano.

Él está solo en el escenario de Lastarria 90. Tras su puesta en escena toda la compañía; sin embargo lo que vemos es una multiplicidad de cuerpos que se reparten de extremo a extremo dando forma a parlamentos cargados de historia y de especulación sobre lo que pudo hacer dicho desde lo más íntimo un Miguel de Cervantes perturbado por la obra que parece comerle la vida, El Ingenioso Hidalgo Don Quijote de la Mancha, y que lo destruye lentamente, incluso hoy.

El sello distintivo de El Lunar se hace presente a través del cuidado uso de recursos como la música y las luces, que marcan momentos claves de transición entre los personajes y que también permiten dar vida a instantes por lo menos curiosos, como la única aparición que hacen Don Quijote y Sancho Panza a lo largo del montaje.

Por esta notable interpretación, Pablo Krögh estuvo nominado a los Premio Altazor, en un claro reconocimiento por lo que significa un trabajo importante de entrega sobre el escenario, no sólo de su cuerpo sino también de su mente, pues la concentración que se observa en su labor es un signo inequívoco de lo involucrado que está su ser con los personajes que lleva sobre sus hombros.

Tal vez el Quijote no exista, pero sí la reflexión sobre lo que ha pasado con la obra más importante de la literatura hispana, y la leyenda de Miguel de Cervantes, plasmada en la locura que pudo haber vivido el autor, y en la indiferencia que aquello provoca 402 años después.

“El Quijote no existe” de Jorge Díaz
Compañía de Teatro El Lunar
Elenco: Pablo Krögh
Funciones: jueves a sábado 20:00 horas, domingo 19:30 horas
Lastarria 90, Santiago Centro
Entradas: $4.000 general, $2.000 estudiantes y tercera edad. Hasta el 14 de julio

Una escala para el carpe diem

2007-06-22T23:04:00.000-04:00

Por Luisa Ballentine

Si hubiera que destinar sólo una palabra para resumir el trabajo realizado por la compañía Travesía Teatro en la obra “En escala”, no habría otra posibilidad que decir ‘creatividad’, pues se trata de un montaje que tiene una apuesta en escena sencilla y poco pretenciosa, pero que al mismo tiempo decide trasladar al espectador a un lugar tan difícil de recrear como un aeropuerto.

Tal como lo indica su nombre, la trama transcurre durante una escala obligada que realiza Aerolíneas Internacionales, dejando al fracasado periodista Sergio Álvarez, abandonado a su suerte, pero lleno de optimismo por la oportunidad que para él representa el poder llegar a otra ciudad.

Como suele suceder en las compañías jóvenes, algunos actores representan más de un personaje y recurren constantemente al humor para conquistar a quien observa el escenario; consiguiendo la empatía tan anhelada por quien decide arriesgarse en el montaje de una obra dramática.

Tras aquellos guiños y los estereotipos a los que responden algunos de ellos, hay un claro mensaje que podría interpretarse como un “carpe diem” moderno, que mezcla aeropuertos, escaleras mecánicas invisibles, comida enlatada y muchas maletas que representan aquello que no es necesario para vivir y ser feliz: las cosas. Cada uno de los personas se irá desprendiendo lentamente de ellas, para ver si así consigue retomar aquel viaje interrumpido.

Si bien algunos niños se dejan ver en la Sala de Sidarte, un buen lugar para hacer teatro gracias a su infraestructura técnica, por cierto, y a pesar de que el montaje utiliza un lenguaje amable y cercano, la complejidad de la historia impide que los más pequeños puedan conectarse y comprenderla, por lo que es recomendable para los adultos.

Los momentos más luminosos de “En escala”, son sin duda las referencias al vuelo, en donde se aprecia el uso de pocos recursos para recrear, nada menos que la trayectoria de un avión y su inesperado aterrizaje; así como también las actuaciones de los personajes secundarios que demuestran gran talento especialmente en la expresión corporal y en la mantención de sus prototipos humorísticos tan claramente definidos.

Así como la creatividad define el trabajo final, hay que dar un especial reconocimiento al riesgo que ha tomado la compañía bajo la dirección de Andrea Gutiérrez, pues “En escala” no tiene miedo de recurrir a lo que esté más a mano para hablar sobre un tema de todos los tiempos: la búsqueda personal y el gusto por vivir aunque sea tarde en esta tierra.

“En escala”
Compañía Travesía Teatro
Dirección: Andrea Gutiérrez
Elenco: Santiago Valenzuela, Luis Alberto Venegas, Gonzalo Ducheylard, Javiera del Campo, María José Núñez
Funciones jueves a sábado 21:00 horas, domingo 19:30 horas. Sala Sidarte, Ernesto Pinto Lagarrigue 131, Bellavista
Entradas $3.000 y $2.000

Bar porteño a medianoche

2007-06-15T19:55:00.000-04:00

Bar porteño a medianoche

Por Luisa Ballentine

Un verdadero bar porteño, con la intimidad y la picardía típicas de la Quinta Región del país, es lo que ofrece el reestreno de “Valparaíso Vals”, una de las obras más aplaudidas del Ballet Nacional Chileno, bajo la dirección de Gigi Caciuleanu.

Esta pieza está compuesta de pequeños momentos que ilustran y dan vida a las letras que interpreta la cantante Isabel Aldunate, quien representa a una especie de anfitriona de todos los bailarines que se dan cita en este reducto iluminado por la silueta de la ciudad espiando sus movimientos.

Una de las novedades es justamente ésa: la danza no es la única protagonista de la obra, pues comparte supremacía con los tonos de la voz y las melodías más clásicas del puerto, que se mezclan con versiones musicalizadas de poemas de Gabriela Mistral, Óscar Hahn y Pablo Neruda. Todos ellos cobran vida no sólo a través del canto, sino también del piano, en la interpretación quieta, precisa y magistral de Carolina Holzapfel.

Otro acierto de este “cabaret poético”, como ha sido denominado el espectáculo por el propio Gigi Caciuleanu, es el acercamiento que el público consigue con la coreografía y los bailarines, pues la calidad de contemporáneo que posee el Ballet Nacional Chileno, lo hace ir en busca de conceptos que en ocasiones se cierran herméticamente, dejando al público con muchas preguntas, que esta vez sí son respondidas, pues la danza sale por completo hacia el exterior y entrega cuadro a cuadro una historia diferente que tiene como hilo conductor la bohemia de Valparaíso.

Conforme avanza la noche en este cabaret, la voz y la presencia de Isabel Aldunate van adquiriendo mayor dinamismo y fuerza, envolviendo todo con acordes femeninos. Es justo en ese momento en que irrumpe un cantar diferente, un cantar masculino, a cargo de Desiderio Arenas (el “Chere”), quien sorprende con un tono gravísimo y da el fondo a la danza del hombre, caracterizada por la fuerza y la precisión.

“Valparaíso Vals” tiene de todo un poco y en dosis exactas, pero especialmente se lucen las artes de la danza y la música unidas en el virtuosismo de bailarines, como Alfredo Bravo, y de Isabel Aldunate, quien se entrega para ser un personaje más a cargo de narrar las historias de quienes se mueven por los bares del puerto a medianoche.

“Valparaíso Vals” de Gigi Caciuleanu
Elenco: Ballet Nacional Chileno
Funciones: viernes y sábado, 19:30 horas.
Teatro Universidad de Chile, Providencia 043, Providencia.
Entradas desde $3.000.

Bienvenidos a la Casa de Remolienda (imperdible)

2007-06-08T16:01:00.000-04:00

Bienvenidos a la Casa de Remolienda

Por Luisa Ballentine

Los sonidos de la cueca, el acervo lingüístico de los típicos huasos y todos aquellos distintivos que componen la cultura criolla nacional, son los elementos que han hecho de esta versión de La Remolienda, una de las mejores puestas en escena de los últimos años.

Bajo la dirección de Raúl Osorio y a cargo del elenco que integra el Teatro Nacional Chileno, este clásico de la dramaturgia escrito por Alejandro Sieveking, ha tomado una fuerza inusual que el público ha sabido agradecer llenando cada fin de semana todas y cada una de las funciones, a pesar del frío de este otoño.

Sobre el escenario, unas mesas, una carreta y una gallina son el único soporte de los actores que dan el inicio al montaje. Y es justamente en ese momento, con el monólogo inaugural de doña Nicolasa, interpretada magistralmente por Diana Sanz, que comienza un recorrido vertiginoso por esta historia tan querida y recordada en el imaginario colectivo.

El denominador común de los mejores montajes de este año siguen siendo la austeridad escenográfica y la precisión actoral, y en este caso la regla nuevamente se cumple, y es especialmente destacable el cuidado que se ha puesto sobre cada locación para recrear la casa de remolienda y evocar el camino hacia el pueblo tan anhelado por doña Nicolasa y sus tres hijos: Curanilape.

Allí encontrarán dos motivos para maravillarse: la existencia de luz “eléutrica”, como dicen ellos, y el amor, en los brazos de las jóvenes que intentan hacer todo por ocultar su pasado, en un juego de enredos y equivocaciones.

Las actuaciones alcanzan tal notabilidad que el público siente el impulso de aplaudir en varias ocasiones, y no sólo al finalizar el montaje. ¿Por qué? Pues no sólo porque hacen gala de una gran fuerza interpretativa, como se aprecia en los más jóvenes, sino también porque se expresan de manera brillante a través de la música, especialmente Doña Rebeca, la dueña de la casa de remolienda, interpretada por Blanca Mallol, quien nos brinda sobre el escenario un canto digno de ovacionar de pie.

Esta nueva versión de La Remolienda tiene méritos para conquistar a grandes y chicos, por lo que es una excelente oportunidad de salir en familia y disfrutar no sólo la historia, sino también la puesta en escena, las actuaciones que recrean a los campesinos con una exactitud milimétrica despertando la hilaridad y las risas incontrolables del observador, y la música, como una protagonista más de esta historia de un Chile antiguo que podría ser el Chile de este momento en algún pueblo escondido en los rincones de un mapa, o en el alma de quienes vivieron ese tiempo y hoy lo recuerdan.

“La Remolienda” de Alejandro Sieveking
Dirección: Raúl Osorio
Elenco: Teatro Nacional Chileno
Funciones: jueves a sábado a las 20:00 horas
Sala Antonio Varas, Morandé 25, Santiago Centro
Entradas: $5.000 general

El mismo MacBeth de siempre, más vivo que nunca

2007-06-01T16:10:00.000-04:00

El mismo MacBeth de siempre, más vivo que nunca

Por Luisa Ballentine

Contemporáneo es el calificativo que se ha querido dar a esta nueva entrega del clásico de Shakespeare, MacBeth, que se presentará hasta julio bajo la dirección del británico Ian Wooldridge, quien guía una propuesta conservadora en recursos, pero efectiva en peso dramático; elementos que podrían apoyar aquel intento de dar un giro actual a este peso pesado de la dramaturgia universal.

Las actuaciones principales del clan MacBeth están a cargo de Liliana Ross y Alejandro Trejo, quien se roba todos los aplausos gracias a la magistral interpretación que realiza de este personaje sumido en las maldiciones de un destino predicho que se hace real con cada nuevo cuadro del montaje.

La historia permanece fiel a aquello que Shakespeare planteó en su escrito original, así como algunos diálogos memorables que evocan los grandes pensamientos, las grandes tragedias y los devenires de una sociedad escocesa dividida por la guerra, la ambición y las ansias de poder, que son capaces de convertir el alma más inocente en un depósito de maldad e indiferencia.

Afortunadamente, la obra se está presentando en la sala pequeña de Matucana 100, lo que permite sentir la misma emoción que los personajes experimentan a sólo unos metros del público, así como escuchar las graves sentencias y las horrorosas maldiciones que las brujas arrojan a diestra y siniestra.

La escenografía es básica: sillas; y el escenario es siempre el mismo y nos traslada a otras locaciones sin movernos del gran círculo blanco que se tiñe de sangre con cada crimen que MacBeth y sus cómplices cometen en busca de perpetuar el poder. Ése es un gran acierto de la dirección, pues este clásico de Shakespeare está repleto de referencias a los bosques, los palacios y las grandes batallas, paisajes que no son fáciles de recrear en la dramaturgia chilena.

También destacan las actuaciones de los más jóvenes, que realizan varios personajes al mismo tiempo y que brindan momentos de hilaridad que permiten distender el alma en momentos en que el infierno desciende sobre el público en forma de una nube verde y gris que consume la trágica historia del general MacBeth y su distinguida esposa.

Tal como han dicho los hombres y mujeres ligados al teatro, la magia de esta pieza clásica radica en la posibilidad de conservar su esencia mientras apela a un público cada vez más distinto de aquel que presenció su estreno hace varios siglos atrás. ¿Logra este MacBeth adquirir un tono contemporáneo? Sí, lo consigue con creces, pero justamente porque sigue siendo el mismo que viera la vida en 1606.

“MacBeth” de William Shakespeare
Dirección: Ian Wooldridge
Elenco: Liliana Ross, Alejandro Trejo, Constanza González, Elvis Fuentes, José Ignacio García, Carlos Morales, Rodrigo González
Funciones: jueves a sábado a las 21:00 horas
Centro Cultural Matucana 100, Matucana 100, Santiago Centro
Entradas: $5.000 general

Del amor al odio... amante

2007-05-18T16:17:00.000-04:00

Del amor al odio... amante

Por Luisa Ballentine

Una de las características más apreciadas del arte, es la posibilidad que nos brinda de sumergirnos en una realidad externa y hacerla propia a través de la emoción que nos provoca lo que observamos y sentimos.

Ése es uno de los aciertos de la obra “Amante” de la Compañía Y Si Dora, que con las actuaciones de Victoria de la Parra y Ricardo Saieh, consigue que el público se inmiscuya totalmente en la vida de una pareja de amantes, cuya relación se mezcla a ratos con el matrimonio traicionado en esta aventura.

Las caracterizaciones que consiguen los actores son el punto más alto de este montaje dirigido a un público adulto. Ambos expresan de manera brillante las intenciones del guión y llevan al espectador a transitar desde la risa hasta la violencia, por medio de cuadros impactantes, en los que el sonido de las voces explota ensordecedoramente, producto de la acústica que brinda Lastarria 90.

La escenografía es sencilla, el texto también, pero se siente en ambos la potencia de las emociones que puede despertar una mujer cuando está con su amante... o cuando convence a su esposo de que es hora de irse al trabajo, para luego convertirse en la niña malcriada que seduce a su tío recién llegado desde Francia, y en la mujer ingenua que cautiva al repartidor de comida, en un juego que lleva lentamente hacia la degradación del matrimonio y de las relaciones hombre mujer.

En tan sólo 60 minutos se congelan estos distintos momentos, que permiten apreciar un montaje certero en sus apreciaciones y juicios sobre la pareja, al mismo tiempo que conmovedor en los quiebres y oscuros rincones que exhiben los amantes.

“Amante”
Compañía Y Si Dora
Elenco: Victoria de la Parra y Ricardo Saieh
Funciones: jueves a sábado a las 21:30 hrs, hasta el 27 de mayo.
Teatro Lastarria 90, Lastarria 90, Santiago Centro
Entradas: $3.000 general

A orillas del Neva (imperdible)

2007-05-04T16:08:00.000-04:00

A orillas del Neva

Por Luisa Ballentine

Recrear la vieja Rusia en los momentos en que se teñía de rojo y hacer de sus personajes un elemento creíble y real, no parece ser una tarea sencilla en el humilde registro en el que se mueve el teatro de estos lados.

Justamente por lograr este perfecto equilibrio, es que Neva, montaje de Guillermo Calderón, se convirtió en un éxito de crítica y público, consiguiendo ser calificada como la mejor obra del 2006 y arrasando en la entrega de los Premios Altazor, realizada en el mes de abril.

¿Qué es lo grandioso de la puesta en escena que propone Neva? Sin duda alguna que el texto, que narra un breve momento de la historia de Olga Knipper, viuda del escritor Anton Chèjov, quien lo recuerda a seis días de su muerte, en uno de los ensayos de un pequeño teatro de San Petersburgo.

Entre confesiones y juegos truculentos, se deja entrever también la crisis por la que atravesaba la Rusia de 1905. No hay efectos de sonidos, pero los personajes nos hacen saber que todo arde, que las revueltas no cesan en las afueras, y que ese teatro, representado sólo por un pequeño cubo, una silla y un calefactor que también es la iluminación de la sala, es el único lugar seguro para un trío de actores.

Por esta entrega, la protagonista Trinidad González, recibió un Altazor como Mejor Actriz, categoría en donde competía precisamente con su colega en el escenario, Paula Zúñiga, quien se luce en varios momentos del montaje, gracias a los cambios de personalidad que experimenta su personaje y al monólogo final que termina por hundir al espectador en el frío invierno de aquella Rusia que arde a orillas del Río Neva.

El Centro Mori aporta, con su inmejorable infraestructura, el clima de intimidad necesario para que todos los espectadores se sumerjan en esta tragedia rusa, a pesar de que las primeras filas se pierden parte importante del trabajo actoral sobre el mínimo escenario dispuesto para el desarrollo.

La sencillez de esta puesta en escena, pone de manifiesto que son la potencia del texto, la dirección y un gran elenco experimentado en las artes escénicas, las condiciones necesarias para ofrecer un gran espectáculo, y no necesariamente los artilugios de las enormes escenografías ni los actores que saltan del televisor a las tablas.

“Neva”
Escrita y dirigida por Guillermo Calderón
Elenco: Trinidad González, Paula Zúñiga yJorge Becker
Funciones: viernes y sábado a las 21:00 hrs, domingo 20:30 hrs., hasta el 3 de junio
Centro Mori. Constitución 183, Barrio Bellavista
Entradas: $5.000 general, $3.000 tercera edad y estudiantes

El mosaico de un ballet sinfónico

2007-04-27T16:20:00.000-04:00

El mosaico de un ballet sinfónico

Por Luisa Ballentine

La cadencia del francés hablado se convirtió en la música que marca el inicio de la “Sinfonía fantástica”, nueva pieza coreográfica a cargo del director del Ballet Nacional Chileno, Gigi Caciuleanu, que ha conseguido llamar la atención no sólo de la crítica, sino también del público, que repleta la sala del Teatro Universidad de Chile en cada función.

A pocas horas de conmemorarse una nueva edición del Día de la Danza, el Banch consigue posicionarse como un cuerpo de ballet cohesionado, digno de ser aplaudido en cada uno de los cuadros que componen esta obra marcada por el dolor, la soledad y los personajes que viven dentro de sí mismos.

Al igual que una sinfonía musical, esta pieza de danza está formada por pequeños cuadros que completan el todo. En cada uno de ellos hay una característica especial, dada por el manejo del escenario, los colores o la destreza particular de cada uno de los bailarines.

Tal como quiso expresar Caciuleanu, el dolor abarca gran parte de la obra, y esto queda en evidencia no sólo a través de los movimientos de los artistas, sino también de los textos que se escuchan como acompañamiento musical, o a veces como único sonido, pertenecientes a los más grandes poetas franceses de todos los tiempos.

Hay una bailarina en constante fuga, una pareja de amantes, un observador anónimo y silente que anota aquello que penetra sus ojos, una mujer embarazada interpretada de modo conmovedor por Vivian Romo, y una profesora severa que entrena a un cuerpo de baile dispuesto a alcanzar la perfección.

Todos estos detalles en mosaico dan vida a una pieza única que engrandece la obra de Héctor Berlioz, en la que se ha inspirado el director del Ballet Nacional Chileno para realizar la coreografía de esta “Sinfonía fantástica”, en donde la realidad del peso de la soledad y el dolor humanos, cruza de extremo a extremo cada parte del escenario, llegando hasta las butacas y quedándose en la memoria.

“Sinfonía Fantástica”
Ballet Nacional Chileno
Coreografía: Gigi Caciuleanu
Música: Héctor Berlioz
Funciones: 27 y 28 de abril, 19:30 horas
Teatro Universidad de Chile, Providencia 043
Entradas: desde $3.000, estudiantes desde $1.000

La revancha de las almas mayores

2007-04-20T16:12:00.000-04:00

La revancha de las almas mayores

Por Luisa Ballentine

“Intimidades indecentes” es sin duda un título que seduce e invita a los cuestionamientos. ¿Qué podrá ver el público? ¿Una obra adolescente y arrojada a lo visual? ¿Un montaje que apela a las malas palabras? ¿Cómo pueden la intimidad y la indecencia ir de la mano?

La brasileña Leila Assunçao, autora de la pieza que interpretan los actores Humberto Douvachelle y Patricia Larraguibel, logra mezclar ambos conceptos en torno a una gran idea universal: el matrimonio, pero no cualquiera, sino el de la adultez mayor, cuando los hijos ya se han ido y sólo quedan el hombre y la mujer que comenzaron aquella historia; y que por lo general no son rescatados en las diferentes disciplinas artísticas.

El montaje, definido como una comedia, fue traído al país especialmente por Humberto Douvachell y, bajo la dirección de Juan Pablo Donoso, consigue imponer temas como la soledad, el abandono, la locura y la vejez, entre medio de las risas y carcajadas que surgen espontáneas del público.

El mayor mérito de “Intimidades indecentes” es ése: permitir que el espectador goce del espectáculo y llevarlo sutilmente a la tristeza sin presentarle un melodrama, pero poniendo sobre el tapete los conflictos que enfrenta una pareja con el paso de los años. ¿Cómo lo hace? A través de las confidencias que establecen los personajes con el público, en un diálogo-monólogo que se va intercalando.

Aunque es un montaje que habla sobre los mayores y que es especialmente recomendable para ellos por la identificación que lograrán con las caracterizaciones, sería injusto no invitar a los jóvenes a que se acerquen a este estilo de dramaturgia ágil y a que aprecien desde el arte una mirada sobre quienes podrían ser sus abuelos o sus padres.

La sala del Ictus acoge inmejorablemente esta pieza, permitiendo que en sus 60 minutos de duración, el público se compenetre con las actuaciones y la historia, logrando aquel clima de intimidad que el teatro merece, y cómo no si justamente el título de la obra invita a aquella complicidad.

“Intimidades indecentes”
Dirección: Juan Pablo Donoso
Elenco: Humberto Douvachelle y Patricia Larraguibel
Funciones: viernes y sábado a las 22:00 hrs, domingo 19:00 hrs., hasta el 5 de mayo.
Sala La Comedia, Merced 349, Santiago Centro
Entradas: $5.000 general

Sencillez en la tormenta (imperdible)

2007-04-13T16:03:00.000-04:00

Sencillez en la tormenta

Por Luisa Ballentine

Se podría decir que las sombras, la complicidad, el silencio y la locura, son algunos de los mejores elementos para describir y caracterizar el yugo de la dictadura chilena, y quizás de cualquier otra. Justamente todos ellos conforman el discurso que el fallecido Jorge Díaz presenta en “Pájaros en la tormenta”, a cargo de la Compañía de Teatro El Lunar.

Como parte de una trilogía que indaga en la memoria, esta primera entrega está marcada por las ausencias y los ribetes de esquizofrenia que alcanza el personaje masculino (Andrés García) al intentar descifrar su identidad, el origen de sus recuerdos y su rol esencial a lo largo de la obra: ¿víctima o victimario? En este “monólogo” sólidamente interpretado por él, colabora también una sombra que no proviene de los efectos de iluminación (sinfónicamente utilizados, por cierto), y que la constituye el mutismo de la calva y casi inmóvil mujer (Rocío Terroba). Ambas actuaciones sostienen el argumento apoyadas en la música que a ratos es un personaje más.

Conmovedor es especialmente el diálogo hacia el vacío que sostiene el hombre en brazos de la mujer, un momento en donde se revela la clave de la puesta en escena: la sencillez. Con un texto arrojado a la desesperación, ideal para cometer el error de optar por las grandes escenografías y el abuso de la expresión, el director Pablo Krögh (nominado a mejor actor en los Altazor 2007), decide situar a los personajes en la claustrofobia de un cuadrado pequeño, y dejarlos a su suerte casi sin espacio. No hay grandilocuencia de movimientos y la expresión logra robarse cada diálogo y no-diálogo, para conseguir emociones que los escenarios apoteósicos suelen negar al espectador.

Este primer rescate de la memoria de Jorge Díaz termina por cautivar con la sencillez de la puesta en escena, que se compenetra con la austeridad de los diálogos. La misma fuerza expresada en el monólogo de García, se encuentra en aquello que el espectador debe descubrir por sí mismo, construyendo a la perfección la metáfora de la dictadura: las sombras, la complicidad, el silencio y la locura; en el secreto de un pequeño sitio.

“Pájaros en la tormenta” de Jorge Díaz
Dirección: Pablo Krögh
Elenco: Andrés García y Rocío Terroba
Funciones: jueves, viernes y sábado a las 20:30 hrs, domingo 19:00 hrs., hasta el 15 de abril
Sala Sidarte, Ernesto Pinto Lagarrigue 131. Barrio Bellavista
Entradas: $4000 general.

Aicnagavartxe la etimil

2007-03-30T16:06:00.000-04:00

Aicnagavartxe la etimil

Por Luisa Ballentine

Cuando las reseñas de “On osmos adan”, la nueva propuesta teatral de Pato Pimienta, señalan que se trata de un montaje marcado por la hilaridad, aciertan 100 por ciento con la característica central que se observa en el escenario.

A diferencia de la dramaturgia clásica que se aprecia por estos días en la cartelera teatral, “On osmos adan” reúne todos los elementos de lo que se podría considerar post post post moderno: banda de rock en vivo sobre las tablas, interacción con el público para que decida el final, elencos disfuncionales y mucho absurdo, pero del básico.

La historia gira en torno a una particular familia en donde una de las hermanas gemelas es hombre y el padre vive obsesionado por la figura de Humberto Maturana. Al llegar a la casa nueva, reciben una planta, cuya presencia marcará el resto del desarrollo.

De esta propuesta se pueden rescatar especialmente los personajes, que logran caracterizar impecablemente los bizarros diálogos que sostienen. También la agilidad de las escenas, que se van sucediendo una tras otra sin permitir que el espectador se duerma o recuerde que a esa hora se está dando tal película en la tele.

“On osmos adan”, que al derecho significa “No somos nada”, tiene como público objetivo aquel que disfruta de la experimentación, lo impredecible y lo extravagante. Aquel que gusta de escenografías magras, pero coloridas, y de lo exótico.

No es un montaje para un público tradicional, sí en cambio para aquellos que buscan la sorpresa y la variedad... que a fin de cuentas, es en donde está el gusto.

“On osmos adan”
Dirección: Pato Pimienta
Elenco: Alejandra Zarricueta, Enoe Carolina Coulon, Sofía Stefoni, Ángel Fuentes, Juan Pablo Iriarte, Álvaro Pizarro.
Funciones: viernes y sábado a las 21:00 horas, domingo 20:00 horas. Sólo hasta el 1º de abril.
Anfiteatro del Museo Nacional de Bellas Artes, Parque Forestal s/n, Santiago Centro.
Entrada: $3.500.

Otra mujer de Ibsen en los escenarios de Santiago

2007-03-23T16:14:00.000-04:00

Otra mujer de Ibsen en los escenarios de Santiago

Por Luisa Ballentine

Otra vez el dramaturgo noruego Henrik Ibsen, otra vez un personaje femenino extremadamente fuerte, otra vez un elenco marcado por las actuaciones de los rostros de televisión.

Se trata de Hedda Gabler, que tras un exitoso ciclo de presentaciones en el Teatro a Mil, llega nuevamente a las tablas bajo la dirección de Víctor Carrasco.

¿Qué se puede rescatar de una propuesta escrita y construida hace más de 100 años? Muchísimos elementos, y no sólo desde el punto de vista estético, sino también de los argumentos que articulan esta pieza de la dramaturgia.

El escenario está teñido de una extraña niebla y los colores dominan el montaje: primero el blanco, luego el negro. En ambos cuadros la figura de Hedda Gabler, interpretada por Claudia Di Girolamo, gatilla las acciones de los otros personajes, a cargo de nombres como Francisco Melo y Willy Semler.

Hedda Gabler tiene un carácter fuerte, fuertísimo, pero se debate constantemente entre lo que desea ser y lo que debe pretender. Este trance permanente que la sume en la contradicción, será lo que determinará el trágico destino de sus días.

El conjunto del montaje es destacable en su propuesta, y las dos horas de duración de la obra rescatan a su autor, Henrik Ibsen, casi por completo, respetando los lapsos y las pausas del teatro que se hacía en ese entonces. Es una obra de corte psicológico extremadamente parsimoniosa, recomendable para quienes gustan de las propuestas clásicas que se toman su tiempo para entregar el mensaje.

“Hedda Gabler” de Henrik Ibsen.
Dirección: Víctor Carrasco
Elenco: Claudia Di Girolamo, Willy Semler, Francisco Melo, Catalina Guerra, Delfina Guzmán, Mauricio Pesutic.
Funciones viernes y sábado a las 21:00 horas.
Centro Cultural Matucana 100, Matucana 100, Santiago Centro.
Entrada: $5.000.

Melodrama

2007-03-09T23:10:00.000-03:00

Por Luisa Ballentine

Popularmente pensaríamos que un melodrama no puede privarnos de llantos, risas exacerbadas, histrionismo y textos grandilocuentes.

Popularmente, entonces, esta apuesta de Lorna González es un melodrama de tomo y lomo, aunque exista un voto de simplicidad en las caracterizaciones de los personajes y lo único sobrio sea la escenografía, que a veces escasea.

Las representaciones de las tres actrices en escena no son el fuerte de la obra. Tampoco el texto. Sin embargo existen elementos valiosos contenidos en esta propuesta.

Uno de ellos es la búsqueda de la joven dramaturga Lorna González, y su incursión en el tema de la violencia, representando en este caso por la figura femenina vista desde distintos ángulos, y puesta en el escenario al borde del desvanecimiento, de la locura.

El espectador extrañará, al involucrarse en esta aventura, una guía mejor lograda a través del texto. Desde el principio un observador no muy sagaz descubrirá el desenlace del montaje, una tensión que podría haberse sostenido a lo largo de los 60 minutos de duración, si es que los diálogos no rozaran los lugares comunes, ni intentaran abarcar a través de la palabra escrita y literaria, algo que los hombres y mujeres solemos decir con más facilidad y en menos tiempo.

Destacamos la osadía de este grupo de jóvenes mujeres que indaga en un teatro de género y que presenta una problemática real y muchas veces obviada. También extendemos la invitación a perfeccionar la dramaturgia y la puesta en escena, para honrar en las tablas aquello que aparece tan nítido en las reseñas de los diarios.

"Melodrama", escrita y dirigida por Lorna González
Elenco: Carol Aragón, Renée Lira y Lorena Camus
Funciones: jueves a sábado a las 20:00 horas y domingo 19:00 horas
Lastarria 90, Santiago Centro
Entrada: $3.000 general